EL CARTEL CINEMATOGRÁFICO Parte II (Por Begoña Eguskiza)


EL CARTEL CINEMATOGRÁFICO Parte II

Años 60 – 70
La televisión estaba en el punto de mira de la censura, el cine aprovechó esta situación para hacer películas subidas de tono y mostrar desnudos, esto atrajo público a las salas.
Conviven cineastas clásicos con nuevos directores, los carteles continúan utilizando fotografías pero se mezclan con diferentes estilos de pintura y cómic. Los movimientos sociales del momento junto con los artísticos repercuten en el diseño de los carteles. La producción de carteles es inmensa, cada país tiene sus ilustradores y se hacen miles de pósters para presentar la película.
A mediados de los 60 en E.E.U.U. aparecen nuevas corrientes con la moral hippy y el rechazo a la guerra del Vietnam y los carteles son más psicodélicos y transmiten expontainedad, aparece el Pop-Art y la psicodelia.
Saul Bass trabajará para directores como Prerminger, Hitchcock, Scorsese o Kubrick, para este último hizo el cartel de  “El Resplandor” de un amarillo chillón y sencillo pero impactante. Gerardo Vera, escenógrafo, actor y director de cine y de teatro, dice de Saul Bass: “Consigue en una sola imagen, plasmar la idea de la película en una síntesis poderosa y definitiva que ya es, por derecho marca de la casa, sus carteles insinúan casi nunca definen, dejando así un amplio margen para que sea el espectador quien complete su propia visión.” Ilustró todo tipo de géneros desde el drama al suspense pasando por la comedia como “Un dos tres” de Billy Wilder.
Steve Frankfurt, diseñador gráfico y director de arte en varias agencias de publicidad, realizó los títulos de crédito, a petición de J.A. Pakula, para “Matar a un Ruiseñor”. Ahí comenzó su carrera como cartelista para el cine , creando  carteles como “La semilla del diablo”.
United Artist encargó a Robert Peak, un ilustrador comercial estadounidense que sus obras ya aparecían en revistas como el Time, los carteles para “West Side Story”, este fue su primer trabajo, más tarde realizaría “My Fair Lady” “Excalibur”,”Apocalypse Now” o “Superman”.
Para “Apocalypse Now” se le encargó que hiciera una serie de pinturas junto a  Tom Jung, para dar publicidad y vender la película con un cartel impactante. Dos de los carteles se utilizaron en América del Norte y prácticamente en todo el mundo, excepto en Alemania que Peak diseñó una potente imagen de Kurtz que disfrutaron en exclusiva en los cines germanos.
Mención aparte es Bill Gold que trabajó en la Warner Bros. al igual que Saul Bass . Su carrera abarca más de 60 años, de “Yankee Doodle Dandy” 1942 de Michael Curtiz (su primer trabajo), a “J. Edgar” 2011 de Clint Eastwood (su último trabajo, tenía 90 años cuando lo realizó) pasando por “Casablanca” , “Un tranvía llamado deseo”, “El príncipe y la corista”, “Bullit”, ” El Golpe”, “La naranja mecánica” o “Mystic River” entre otros carteles.
Ha colaborado con Francois Truffaut, Elia Kazan, Sidney Lumet, Alfred Hitchcock para ” La Soga”, Stanley Kubrick, Federico Fellini, John Ford para “Centauros del desierto”,, Sam Peckinpah, Alan Parker, Ridley Scott “Alien”,, Brian de Palma, Howards Hawks o Clint Eastwood.
Con “Harry el sucio” es su primera colaboración con Eastwood . Don Siegel y Clint Eastwood eran conocidos en Hollywood por tener fama de rechazar propuestas o exigir cambios, cuando Gold les presentó su cartel para “Harry el sucio”, dijeron: No cambies nada.
Eastwood le llamó para su siguiente película, 40 años de colaboración.
Para “Grupo Salvaje” de Sam Pekinpah , Gold fotografió a los protagonistas en el aparcamiento de los Estudios caminando hacia el sol, para que solo quedasen sus siluetas.
Para “Alien” explicaba Gold : Queríamos jugar con el significado de la palabra alien ( en inglés significa extraño, forastero) y ofrecer algo más que un astronauta con su traje.
Cuenta Christopher Frayling, historiador de la historia del cine y el inventor de la expresión Spaguetti Western,: “Es un gigante del mundo de los carteles cinematográficos y el último superviviente de una estirpe. Hay que pensar una cosa: Cuando Bill Gold empezó a trabajar , lo único que tenían eran lápices y pinceles, todo se hacía a mano. Una de las primeras cosas que hizo fue crear sus propios alfabetos, diseñar sus propias tipografías. Esto es impensable ahora mismo, pensar en los pósteres que ha hecho y que fue capaz de sobrevivir a este cambio que supuso la llegada de los ordenadores, te das cuenta de la medida del personaje”.
“Bill Gold poster works” libro editado por Tony Nourmand en Reed Arts Press,  contiene más de 2.000 imàgenes en 400 pàginas y con un peso de 10k. Bill es miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias, de la Sociedad de ilustradores y The Art Directors Club. Actualmente vive ya retirado con 96 años.
Bill Gold movie posters https://www.cinematerial.com/artists/bill-gold-i530
El caso de la Pantera Rosa de Blake Edwards, merece mención. Edwards le encargó a Friz Freeling , creador de Piolín, Silvestre, Porky y Speedy González, una animación para el título y los créditos de la película y solo le pidió tres cosas que fuera gracioso, mudo y de color de rosa, le gustó tanto que decidió  hacer el cartel con ella. A la productora también le gustó e hicieron un capítulo piloto, el cual ganó en 1964 el Oscar al mejor corto de animación. Ya todos conocemos el resto de la historia, una serie animada para la televisión, infinidad de posters, una música asociada a ella hasta hoy día.
El Blaxploitation, irrumpe con fuerza en los 70. Es cine hecho por negros, con artistas negros y para la audiencia joven, negra y urbana. Trataban temas controvertidos , sobre la vida en los barrios con personajes masculinos muy varoniles, duros detectives, traficantes de drogas, delincuentes de poca monta, chicas explosivas y como enemigo el hombre blanco. Fueron películas muy publicitadas, sus carteles postmodernos combinaban diferentes técnicas pictóricas artesanales, las letras casi siempre eran serpenteantes y muy coloridas , primaba la psicodelia ante la legibilidad de la tipografía.
En Europa del Este  en Checoslovaquia la obra gráfica cinematográfica es diferente. Usaban la tipografía, recortando y pegando las letras unas encima de otras , no aparecían ni logotipos ni artistas. Junto a los carteles polacos representan un movimiento único en el mundo.
En la actualidad la mayor colección de carteles checoslovacos pertenece a Pavel Rajčan, dueño de la tienda y galería Terry Posters de Praga, la tienda tiene ese nombre en homenaje al director Terry Gilliam de los Monthy Python, debido a sus innumerables visitas a ella. http://www.terry-posters.com/posters/attribute-7-director
Aunque la industria cinematográfica de EEUU es la que predomina, aparecen otras maneras de hacer cine, con producciones menos costosas, con más Independencia creativa. Aparece el cine de autor, con tramas más complejas, más intimistas y comprometidas. Una oleada de jóvenes directores irrumpen en el panorama del celuloide,  la Nouvelle Vague francesa, el Free Cinema inglés y en Italia se reafirma el cine de autor que venía del Neorrealismo.
Los carteles no siguen un paràmetro, sino que es el estilo de cada artista aplicado al género de la película a ilustrar. El mismo artista elabora diferentes estilos dependiendo de la película o exigencias de la productora.
En Francia con la Nouvelle Vague priman las ideas personales, sin una estructura definida sin reglas, Francois Truffaut, Jean Luc Godard, Eric Rohmer, Claude Chabrol o Melville entre otros definen este nuevo cine realista que mostrase la vida cotidiana sin grandes presupuestos y con ausencia de comercialidad.
Clément Jurel hizo más de 1.500 carteles pasando por varios estilos desde la comedia para las películas de Louis de Funex o de corte dramático para la primera película de Godard “A Bout de Souffle” con un tamaño original de 1,66×128,50, se caracterizó por el tamaño de los carteles en una época donde se redujeron las medidas de estos.
Entre sus carteles figuran “Érase una vez en América” y ” El baile de los vampiros”.
Fue muy crítico con la autoría de los carteles y junto a otros diseñadores, en la década de los 80, intentó que se reconocieran los derechos de autor.
Otro de los grandes ilustradores cinematográficos fue René Ferrucci, publicista para la M.G.M. fue el responsable de los anuncios para la prensa, hizo más de 3.000 carteles, entre los que se encuentran “El discreto encanto de la burguesía” de Luis Buñuel donde utiliza la técnica de collage , muchos directores le llaman para que realice sus carteles como Francois Truffaut para “Jules et Jim” y “La novia vestía de negro” , una acuarela, o “Círculo rojo” de Jean Pierre Melville.
En Italia venían del Neorrealismo y directores como Fellini, Vitorio de Sica , Dino Risi o Visconti convivirán con la nueva comedia italiana ,  y la aparición del Spaguetti Western con Sergio Leone a la cabeza. El italiano Franco Fiorenzi ilustró para este género, si algo caracterizó a este ilustrador, fue por hacer varios carteles de la misma película con sus diferentes personajes.
Sandro Simeoni , el autor de “Por un puñado de dólares”, empezó a trabajar como caricaturista en periódicos locales, se trasladó a Roma en los 50 y comenzó su carrera como cartelista trabajando con las principales compañías cinematográficas , tanto italianas como norteamericanas.
Utiliza imàgenes inquietantes como en “Que fue de Baby Jane”, transgresoras para las eróticas como en “Garganta profunda” o “Los cuentos de Canterbury” de Pier Paolo Pasolini donde tuvo problemas con la censura, se las ingenió para evadirla y en el póster de la película aparece una mujer masturbando a un hombre pintando esta escena de manera sutil, de este cartel dijo que era el mejor que había realizado para  Pasolini .  Sus carteles se caracterizaban por pintar a las mujeres voluptuosas y con formas redondeadas , respetando las facciones de las artistas.”Por un puñado de dólares” de Sergio Leone, dice de este: “Me costó un gran trabajo convencerle de no utilizar caballos en el cartel”.
Una anécdota que siempre recordada, “Nadie quería hacer el cartel para “Coge el dinero y corre”, luego se convirtió en un gran éxito. Entre sus más de 3000 carteles están “El ángel exterminador”, “Adiós gringo”, “Django dispara primero”, “La dolce vita”, “La gran comilona” o “Jack el destripador”.
Algunos de sus pósters están firmados con “y” griega ya que los americanos pronunciaban mal su nombre, “Seimeoni”. Murió en 2007 sin una sola línea en los periódicos.
Avelardo Ciriello fue un artista italiano nacido en Milán en 1918 muy conocido por ilustrar portadas de libros y de la revista Sette, esta con ilustraciones eróticas que dejó de editarse en 1953 debido a la censura. También hizo cómics como “Memorias de Giacomo Casanova”. En los 60 haría dibujos satíricos para periódicos, ilustró también para las historietas eróticas de las revistas Menelik, Maghela y Lucifera ya en la década de los 70. Pero su reconocimiento vino de la mano de su trabajo como cartelista cinematográfico para las empresas de distribución desde 1947 hasta 2009, entre sus obras más famosas está “Divorcio a la italiana”, “Perros de paja”, “Irma la dulce”,”La gata sobre el tejado de zinc” o “Casanova”, era obsesivo y detallista cosa no habitual en los ilustradores para cine. Hizo más de 3000 ilustraciones, murió en 2016.
En Reino Unido ante la imposibilidad de competir con el cine norteamericano, actualiza el cine de terror y aparece el Free Cinema inspirado en la Nouvelle Vague pero con más compromiso social y con el apoyo del Instituto Británico del Cine, como “La soledad del corredor de fondo” 1962 de Tony Richardson o “If” de Lyndsay Anderson y Ken Loach como el mayor exponente de cine social.
Los productores contaban con ventajas fiscales así que se produjeron películas con diferentes nacionalidades como “Blow Up” de Michelangelo Antonioni o “El sirviente” de Joseph Losey que perseguido por “La caza de brujas” se exilió a Gran Bretaña.
Así hubo producciones como “Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb” con producción británica, director americano Stanley Kubrick e ilustrador francés Tomi Ungerer, más conocido como ilustrador de libros para niños y también para adultos,su obra se caracteriza por el humor, la sátira, el erotismo y sus obras de crítica social y política.
La Hammer Company, fundada en 1934 por el actor Will Hinds (utilizaba de nombre artístico Will Hammer) empresa dedicada a la distribución de películas, comedias principalmente y una de suspense “The Mistery of Mary Celeste” con Bela Lugosi dejó de producir en los años 40 debido a la guerra, más tarde produjeron filmes con menos presupuesto dándose cuenta que los más rentables eran los de terror. Con “The Curse of Frankenstein” de Terence Fisher y con Christopher Lee y Peter Cushing en los roles principales, tuvieron un éxito rotundo en 1956 y en la década de los 60 la Hammer floreció de nuevo gracias a este trío que dio los mayores éxitos.
Tom Chantrel fue el autor de muchos de los carteles de la Hammer como el cartel doble donde aparecen dos títulos “Rasputin The Mad Monk” y “The Reptile” y aparece por primera vez la marca de la casa: “From Hammer the House oficial Horror”. Eran carteles vibrantes y coloridos, Tom Chantrel utilizaba a familiares y amigos que hacían poses de vampiros y monstruos para luego dibujarlos. Para el cartel de “Star Wars” fue su esposa quién posó en el jardín de su casa, con una espada de plástico para pintar a la princesa Leia.
En 1962 apareció por primera vez en un cine el Agente 007, “James Bond contra el Dr. No”. La evolución artística en los carteles es evidente si los comparamos a los actuales, mientras Sean Connery y Roger Moore aparecen rodeados de mujeres espectaculares y con colores brillantes, Daniel Craig aparece en carteles monocromàticos. A partir de Timothy Dalton aparece la imagen real del actor a excepción de “Goldfinger” que aparece Sean Connery fotografiado con la chica.
Renato Fratini, nacido en Roma, tendrá su apogeo cartelístico en Londres en la década de los 60, a el debemos”Desde Rusia con amor”.
Años 80 – 90 hasta la actualidad.
James Bond continúa. La evolución del cartel es evidente, a partir de Timothy Dalton los diferentes agentes son fotografiados y ya con Daniel Craig son más minimalistas, aparece en solitario o junto a la protagonista, en plano.
En estos años predomina la cinematografía norteamericana​, directores como George Lucas, Steven Spielberg, Brian de Palma o Martín Scorsese ya consolidados y viejos maestros del cartel como Robert Peak (Apocalypse Now) o Vic Fair, este con el estallido de los videoclubs haría infinidad de carátulas para el formato de cinta, o Frank Frazzeta pintor, historietista de cómics y especializado en ciencia ficción y fantasía fue el encargado de hacer los carteles para Mad Max y Conan el bárbaro, confirman el patrón norteamericano de la cartelería cinematográfica quedando fuera de esta influencia China, Japón, India y el muy curioso caso de Ghana.
En Ghana empezaron a montar cines ambulantes, una furgoneta para llevar el equipo que consistía en una televisión un vídeo casete un generador y las películas en VHS. Improvisaban salas de exhibición, estos cines ambulantes tenían nombres como Rollos Royce Vídeo o Pall Mall Video 007. Iban pueblo por pueblo, muchas personas no habían visto una película en su vida y fue todo un éxito. Hicieron carteles para promocionarlo y se contrataron a artistas locales que pintaron enormes carteles en los sacos de harina firmaban con nombres tan singulares como Salvation o Dallas. Lo mejor era que tenían total libertad para expresarse artísticamente, a veces no tenía nada que ver el cartel con la película y muchas veces ni siquiera los artistas habían visto la película, como pasaba en los primeros años del cine. Cuando terminaba la proyección enrrollaban los carteles metían el equipo en la furgoneta y se iban al siguiente pueblo.
A mediados de los 90 debido a la mayor accesibilidad de la población a la televisión empezó a decaer hasta desaparecer por completo.
El guionista de Alien, Walter Hill dijo de los carteles: “Resultan más interesantes que las películas”.
La manera de hacer carteles cambia, ya no se hacen dibujados a  mano, se utilizan computadoras al igual que se hace en el cine con los efectos especiales, es la era de la ilustración digital. Empiezan a ser como los conocemos hoy en día, fondos fotográficos destacando las fotografías de los personajes con sus nombres  como el cartel de “Good Fellas” de Scorsese o signos que identifiquen la película, es el caso de E.T. de Drew Struzan nacido en Los Ángeles en 1947. Sus primeros trabajos como ilustrador fueron las portadas de discos para los Beach Boys, Bee Gees, Roy Orbison o Black Sabath. En 1975 empezó a ilustrar para películas de serie B, hasta que fue contratado por Charles White para que le ayudara con los bocetos de Star Wars, haciéndose un hueco en la ilustración cinematográfica. Ilustraba una media de 10 carteles al año, “Indiana Jones y la última cruzada”, “Blade Runners” o “Rambo” figuran entre sus obras, más tarde haría los pósters para “Cadena perpetua” y “Harry Potter”, haría su último trabajo para Spielberg en 2008 , “Indiana Jones y el Reino de la Calavera”.
El cine de terror sigue cosechando éxitos, género que siempre ha llenado las salas, el Gore iba aumentando de seguidores , sus carteles  realistas  cuentan lo que el público quiere ver , sangre y violencia gráfica extrema.
El género Gore nació en el teatro francés el Grand Guignol a principios del s.XX , representaban sangrientas matanzas. En el cine nos tenemos que remontar a 1916 con “Intolerancia” con elementos similares al Grand Guignol, con dos decapitaciones y una escena donde un soldado es atravesado por una lanza. A comienzos de los años 20 aparece el Código Hays y se vio censurado durante 50 años.
En los 90 aparece Quentin Tarantino y su revolucionaria manera de hacer cine. Sus carteles están muy cuidados y siguen la estética de la época en la película. Para “Pulp Fiction”  James Verdasco simuló una portada de las novelas baratas que se vendían a 10 centavos, con su papel ajado, en el cartel aparece Una Thurman con una de ellas. Representó lo que veríamos en pantalla , una mujer vestida de negro fumando, (“Red Apple” la marca de cigarrillos que aparece en la cajetilla, marca inventada por Quentin Tarantino , todos sus personajes en sus películas fuman esta marca y todos son fumadores), una novela barata, una pistola, uñas y labios pintados de rojo y unas letras amarillas sobre fondo rojo al más puro estilo setentero que si quitàsemos el título sabríamos de que película se trata. Entre las obras de James Verdesoto se encuentran “Nothing Hill” y ” Ocean’s Eleven”.
Otro caso importante es el de los Hermanos Coen, sin nada que ver con Tarantino, su cine tiene un sello especial. Carteles como el de “Ave César” de marcado estilo años 50 pero utilizando la fotografía, al igual que Franco Fiorenzi, se hicieron varios carteles con los diferentes protagonistas y otro cartel con el trailer para la promoción en televisión.
A lo largo de la historia del cine la estética ha ido cambiando, con los movimientos sociales, artísticos y con la censura.
El cartel siempre ha ido unido a la película y desempeñó un papel fundamental para la promoción.
La televisión e Internet ha modificado todo lo que rodea la promoción de las películas y tenemos más información y películas de las que podamos ver.
Campañas de marketing millonarias invaden la TV. o cualquier página web con un o no elaborado diseño, las productoras nos invaden con diferentes carteles y trailers meses antes del extreno. Las agencias de distribución son las encargadas de dar a conocer el cartel, que siguen estando en los cines, cuyo diseño se hace con artistas visuales, fotógrafos y empresas de imagen gráfica, como antaño los hay buenos y malos pero se acabaron los días en que artistas como Saul Bass tenían su propio despacho donde se hacía el cartel a mano y estaban involucrados en el trabajo cinematográfico.
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EL CARTEL CINEMATOGRÁFICO Parte I (Por Begoña Eguskiza)

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4 pensamientos en “EL CARTEL CINEMATOGRÁFICO Parte II (Por Begoña Eguskiza)

  1. En lo que se refiere a la a la Música de Cine mediados 50 y 60 es la década de los grandes cambios; el cine experimenta la ascensión creciente de realizadores jóvenes que han trabajado en televisión y huyen de superproducciones buscando un cine independiente en conexión con las corrientes cinematográficas europeas como la “nouvelle vague” francesa, el “free cinema” inglés,las posibilidades expresivas de la partitura se ampliaron al empezar a trabajar otros músicos, americanos, que se adentraban con lenguajes más intimistas de pequeñas combinaciones instrumentales, utilizando el jazz como fuente de inspiración y las corrientes de cine comprometido y crítico.
    Los compositores de las décadas anteriores siguen trabajando, en su estilo de música centroeuropea con conjuntos orquestales sinfónicos, destacando el ruso Tiomkin, el austríaco Steiner; o el hungaro Rozsa .
    El pionero de la incorporacion de forma amplia del Jazz fue Alex North (1910-1991) en el film de Elia Kazan “Un tranvia llamado deseo” (1951) Y no es que nunca antes hubiera sonado este tipo de música en una película; el jazz solía utilizarse para ambientar fiestas y clubs nocturnos o en determinados números musicales, Alex North en cambio introducía las maneras jazzisticas en la música incidental del film. De esta forma abandonaba el sinfonismo romántico heredado del siglo XIX. https://youtu.be/nkigcwc9Gqk
    Este camino fue seguido por Elmer Bernstein cuya aportación, decisiva fue “El hombre del brazo de oro” (1955) utilizando una formación jazzística al completo, extrayendo todas las posibilidades expresivas del Jazz para narrar la tragedia humana del film de Otto Premimger.

    Otros compositores que tambien recurririan a este tipo de música fueron David Raksin “Agente especial” 1955 , Johnny Mandell “¡Quiero Vivir!” 1958, George Duning “Picnic” 1955, Leonard Rosenman “Rebelde sin causa , Al este del Edén (1955) inagurando su carrera cinematografica. Henry Mancini (1924-94), “La Pantera Rosa”(1964), Partitura que cuenta con una de las melodías más conocidas de cuantas se hayan compuesto para el cine: una cálida pieza humorística que arranca lentamente y progresivamente deriva en una melodía jazzística que acompaña los devaneos de un peculiar personaje en los créditos,https://youtu.be/kN_SkItDPeA
    Quincy Jones (1933-), Michel Legrand (1932-) “El Caso Thomas Crown (1968) Una composición donde se funden el Jazz y el Pop,típica de los sesenta, ligera, variada en temas y con momentos notables, todo ello para hacer mucho más agradable el suspense del filme. https://youtu.be/bg_GuSf9Xw4
    Lalo Schifrin (1932-).”Bullit” 1968 jazz, cálidoy sugestivo que incluye pinceladas de música latina y momentos de pura acción,

    La vida del Jazz como componente dramático de las partituras fue mas bien efimera,y, finalmente, acabaria siendo relegado.

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