“Lotte Reineger y sus siluetas recortadas” (Por Begoña Eguskiza)


“Lotte Reineger y sus siluetas recortadas”

De pequeña atraída por las sombras chinescas, construía sus propios personajes que hacía desfilar en un teatrillo casero para deleite de su familia y amigos de esta. Un entretenimiento infantil que se convertiría en su pasión y su trabajo.

Contemporánea del nacimiento del cine, ya en la adolescencia se interesó por este y sobretodo en los efectos especiales al ver “Viaje a la Luna” de Georges Méliès  y “El Golem” de Paul Wegener.
Nacida en Berlín, con 16 años asistió a una conferencia de este último, sobre el cine de animación y allí entró en contacto con el grupo de teatro de Max Reinhardt (productor cinematográfico y director de cine y de teatro) al cual pertenecía Paul Wegener.
Lotte quiso llamar la atención de este, haciendo las siluetas de los actores y actrices del grupo, representándoles en sus respectivos papeles y lo consiguió. Realizó las siluetas para intercalarlas en los títulos de crédito en “La Boda del Gigante Ruebezahls” así como los decorados en “La Bella Princesa de China”, ambas de Wegener. En “El Flautista de Hamelin” Wegener no podía controlar las ratas vivas en el set de rodaje y pidió a Lotte la animación de estas, realizó los roedores de madera y mediante la técnica del Stop Motion les dio vida.
“La proyección fue un triunfo, las ratas realmente se movieron tan erráticamente como cabría esperar “, diría Lotte.

En aquellos años estaba el Instituto de Innovaciones Culturales, dedicado a las películas de animación, y recomendada por Wegener fue admitida. Allí conoció a Carl Kolch, con el que más tarde contraería matrimonio, fotógrafo y productor con quién realizó su primer corto de animación : “El Ornamento del Corazón Enamorado”.
Realizarían seis cortometrajes más y al mismo tiempo anuncios publicitarios. Debido a la repercusión de su trabajo, la UFA la tiene en cuenta y es allí donde conoce a Fritz Lang, quien la contrata para crear la silueta de un halcón, para la escena onírica en “Los Nibelungos”.

En los primeros años 20, el banquero Louis Hagen , gran admirador de Lotte, contó con ella y Carl para formar una exclusiva escuela privada  para sus cinco hijos y los diez hijos de vecinos, en el jardín de su casa. Era un programa pedagógico en el que el pequeño alumnado  hacían el material de estudio.
A cambio el banquero les construyó un pequeño estudio encima de su garaje y les financió su primer largometraje, considerada la primera película de animación que se conserva, “Las Aventuras del Príncipe Achmed” una trama basada en los relatos de “Las mil y una Noches”. Tardaron 3 años en realizar los 65 minutos de duración, con la técnica de animación inventada por Lotte. Esta técnica consiste en proyectar las sombras de las siluetas recortadas, fotograma a fotograma. Realizó más de 300.000 siluetas, estas las dividía en piezas que unidas con alambre eran recompuestas y animadas a mano.


Las piezas que forman el Palacio descienden de lo alto y el edificio se construye ante nuestros ojos, son los recortes de Lotte, las cúpulas no descienden en una pieza sino que son filas de bolas que cayendo y agrupándose forman las cúpulas del Palacio.
El modo en el que el mago se viste y se desviste.
Los nervios de una hoja, el entramado de las ramas de los árboles.
La anatomía de los animales.
Una simple línea simula el reflejo de la luz en el agua.
Disponía los recortes en diferentes planos y los desenfocaba para dar profundidad.
Le gustaba la diversión y la sorpresa y sobre todo el concepto lúdico, que el espectador se diera cuenta de la jugada. El día del estreno varios críticos abandonaron la sala al descubrir que el “director ” era directora, no obstante la película tuvo éxito de crítica y público. Más tarde Jean Renoir ( Carl Kolch fue colaborador ocasional de este) hizo posible el estreno en París en 1926.
Este éxito le dio la oportunidad de hacer “Dr. Doodlittle y sus animales”, siempre en colaboración con Carl Kolch.

Eran ya finales de los años 30 y ya asomaba peligrosamente la cabeza de Hitler, en la todavía República de Weimar. Lotte y Carl deciden salir de Alemania ante el auge del partido nazi. Viajaron de un lugar a otro, ningún estado quiso concederles los visados para establecerse permanentemente. Incluso durante este periodo de guerra y sin estar en un sitio fijo, hicieron 12 películas, las más conocidas “Carmen” basada en la ópera del mismo nombre de Bizet y ” Papageno” personaje de “La Flauta Encantada” de Mozart.

A finales de los años 40 se establecieron en Londres, harían trabajos para la Oficina General de Correos para más  tarde crear su propia empresa “Primrose Productions” donde rodaron películas de 10 minutos basadas en los cuentos clásicos, todas sin perder la magia que siempre caracterizó las siluetas de Lotte. Carl Kolch falleció y ella siguió en solitario, realizando más de 20 películas para la BBC. Su última película la hizo en 1979 ” The Rose and Ring “.

Lotte Reineger fue una revolucionaria como mujer y como profesional, fue una de las figuras indispensables para el desarrollo del cine de animación, que estaba en fase experimental.
Destacó por su creatividad , técnica e innovaciones, en ella están los orígenes del cine de animación.
Se le debe el uso de la cámara Multi-Plano, para crear profundidad, técnica que 10 años más tarde usaría Walt Disney para su primer largometraje “Blancanieves y los siete enanitos”. La fantasía de Lotte no se parece en nada a la fantasía relamida y cursi de Walt Disney.
Fue musa de la vanguardia alemana de los años 20. Melómana apasionada hizo bailar a sus siluetas. Su “imperfección” en el hecho a mano, no ha tenido sucesor hasta el momento.
Murió en Alemania a los 82 años.

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“ALICE GUY” (Por Begoña Eguskiza)


ALICE GUY. Nacida como Alice Ida Antoinette en Sant-Mandé (París) un 1 de julio de 1873. Entonces su familia vivía en Chile donde su padre Emile Guy dirigía una editorial de éxito, Mariette la madre regresó a Francia expresamente para asegurarse que su quinto descendiente naciese en Francia. Alice pasó varios años con su abuela materna , regresaron a Chile por breve espacio de tiempo, para tiempo después volver con sus hermanas a estudiar a un colegio de monjas cerca de la frontera Suiza.

Entonces su padre murió repentinamente y Alice tuvo que dejar el colegio y se formó como mecanógrafa y taquígrafa. Lo que parecía ser un contratiempo, sería su historia de amor con el séptimo arte.
 
Alice Guy
En 1894 con 21 años entró a trabajar como secretaria en la Compañía Fotográfica de León Gaumont (París 10 de mayo de 1864 – Sainte- Maxime , 9 de agosto de 1946) un pionero de la industria del cine, se dedicaba a fabricar equipos fotogràficos. En 1895 Gaumont se asoció con tres nombres ilustres de la época: Gustavo Eiffel, el astrónomo y geógrafo Joseph Vallot y con el banquero y filántropo Henry Vesnier.
El 22 de marzo de ese mismo año, Louis Lumiere invitó a León a una demostración privada de cómo funcionaba su nuevo “invento”, una cámara que hacía que las fotos fijas se convirtieran en movimiento. Alice acompañó a Gaumont en calidad de secretaria y salió entusiasmada de la demostración y le dio que pensar. Contaba Alice en una entrevista: “Pensé que podría hacerlo mejor.  Revistiéndome  de valentía propuse tímidamente al señor Gaumont que pensaba escribir 1 o 2 historias cortas para que mis amigos se divirtieran. Si el señor Gaumont hubiera podido ver entonces lo que pasó con mi tímida propuesta, probablemente yo nunca hubiera obtenido el si . Mi juventud, la falta de experiencia. Mi sexo, todo conspiraba en mi contra.”
 Después de la demostración Gaumont perfeccionó el “invento” sin saber muy bien para qué, y Alice le sugirió animar las imágenes del cinematógrafo con pequeñas historias, Gaumont, sin ver lo que Alice estaba viendo, le dejó las instalaciones , siempre y cuando no interfiriera en su trabajo de secretaria. Así que un domingo del año de 1895 empezó la aventura cinematográfica de Alice Guy.
Ya en 1896 tenía su primera película y la primera película narrativa de la historia del cine: “La Fee aux Chox” (El hada de los repollos).
El invento de Alice tuvo mucho éxito, aunque Gaumont le dijera “Como tú quieras pero no es más que un juguete para niños.”, y subieron las ventas con  los equipos de la empresa .
Desde ese momento  dejó de ser secretaria para hacerse cargo de la nueva productora.
Llegó a producir dos cortos a la semana hasta que fue nombrada supervisora de los demás directores de la compañía.
Filmó títulos como  “Los ladronzuelos del bosque verde”, “La momia”, “El correo de Lyon”, “Fausto y Mefisto” o “Jesús ante Pilatos”, esta última con numerosos extras.
Dirigía, buscaba localizaciones, supervisaba el trabajo de sus colaboradores, elegía los elencos, compraba guiones. Louis Feuillade (con más de 500 títulos en su filmografía) era un joven periodista que le vendía a 100 francos dos o tres guiones a la semana y “Fantomas” de Feuillade, gracias a Alice,  comenzó su carrera hacia la fama. “The Life of Christ” con más de 300 extras, nunca visto hasta ese momento.
“The Call of The Rose” y “La Fee Printemps” de 1902, considerada la primera película en color.
Fue la primera en usar efectos especiales, la doble exposición del negativo, técnicas de retoque, la càmara lenta y ràpida y el movimiento hacia atrás.
En usar grabaciones con gramófono al mismo tiempo que las imágenes y productora de las primeras películas en color.
En 1905 rodó en España un documental: ” L’Espagne”.
Fue la primera mujer que usó el término feminista en el cine, habló sobre la sociedad machista y patriarcal en “Les resultats du femminisme” de 1906.
En 1906 conoce a un camarógrafo inglés, Herbert Blache,  que trabajaba en la compañía de Gaumont en Londres, y se casaron. Un año más tarde se trasladaron a Estados Unidos donde Herbert trabajaría en la Gaumont New York. Alice dejaría su trabajo durante tres años para criar a su primera hija Simone. Aburrida de la vida casera, vuelve al trabajo.
En 1907 fundó con su dinero, la “Solax Film Co.”  situado en Flushings Queens, cuando todavía Hollywood no existía. Más tarde trasladó los estudios a New Jersey. Durante esos años trabajó en equipo con su marido, él se encargaba de la producción y la fotografía y ella de la dirección artística.
Entre 1910 y 1914 produjo 325 películas de todos los géneros. Historias de hadas, fantàsticas, comedias, dramas, melodramas sociales, policiacas, religiosas, bélicas, mitológicas y algún western.
Alrededor de 50 , fueron dirigidas por ella. Compitió con Hollywood como directora y productora independiente.
A este respecto escribió un artículo , “Woman’s Place in Photoplay Production”, donde decía que el cine como industria comercial se estaba vulgarizando y que era importante el acceso de más mujeres a la producción.
A partir de 1919 fue imposible competir con Hollywood y comenzó a trabajar para otras compañías, fue el principio del fin de Solax Film Co. como productora independiente. En 1922 regresó con sus hijas a Francia tras divorciarse y jamás volvió a trabajar en el cine.
En 1940 Alice se dio cuenta que en el registro histórico de la industria del cine no incluía su nombre.
En 1953 el gobierno francés le otorga La Legión de Honor.
Ya en 1964 volvió con sus hijas a Estados Unidos para recuperar sus películas. Fue a la Biblioteca del Congreso a los Archivos a las Filmotecas y no encontró casi ninguna de sus películas y las que encontró figuraba como director otro nombre.
Según Louise Heck , autora de Women Filmmakers: A Critical Reception, comenta : “Ella se anticipó y dijo que los créditos de dirección y producción de sus películas, serán falsamente atribuidos a alguno de sus colaboradores” Como así sucedió.
Dirigió, produjo y supervisó más de 600 películas. Fue la primera persona que dirigió una película donde todo el elenco era negro. Jugó un papel clave en el desarrollo de las películas sonoras, aspecto siempre ignorado. Fue propietaria y directora de su propio estudio de cine. Hasta la fecha sigue siendo la única mujer con su propio Estudio Cinematogràfico. Murió en New Jersey a los 95 años. En ningún periódico apareció su esquela.

“Room” (Por Begoña Eguskiza)


“Room” (Por Begoña Eguskiza)

Thriller dramático del irlandés Lenny Abrahamson.
Nos cuenta el encierro de una joven, Joy (Brie Larson) que 7 años atrás ha sido secuestrada por un individuo que ha abusado de ella desde entonces y Jack (Jacob Tremblay) en una habitación, “Room”, que con la traducción al castellano pierde el doble sentido que le da el original:
El de la habitación como lugar físico y el del espacio.
Basada en el libro homónimo de Emma Donoghue, guionista en esta película, escribió su novela inspirándose en el famoso caso del monstruo de Amstetten.
El tema no puede ser más sórdido pero Abrahamson se encarga de hacerla liviana sin restar dramatismo, a través de la mirada de Jack.
Un niño que ha nacido y criado en esa minúscula habitación que para el ni es pequeña ni es grande, no sabe de espacios.
El único vínculo que tiene con el exterior es un tragaluz y la televisión pero ni tan siquiera de eso es consciente, vive en su mundo que no es el mismo que el de su madre, la habitación es su vida , una vida  en cambio, terrible para Joy, su madre.
Este planteamiento de la primera parte hace que el espectador se sienta absolutamente acongojado por la situación de Joy pero a la vez aliviado por Jack, que desconoce su verdadera realidad.
En la segunda parte nos muestra esa realidad, el enfrentamiento con esta por parte de Joy para recuperar su vida y el de Jack para conocer el nuevo mundo que aparece ante sus ojos, el que hay detrás de las paredes de “su habitación” y que el desconocía.
Para Joy será terrible pero Jack se adentra en su nuevo espacio con desconocimiento pero con curiosidad y con la inocencia de un niño de 5 años.
Este planteamiento permite al espectador tomar distancia del drama y hace, que a pesar de lo terrible de la historia, sea una película fácil de ver.
 
Título original: Room / Año 2015 / Duración: 118 min. / País: Irlanda
Director: Lenny Abrahamson / Guión: Emma Donoghue (Novela: Emma Donoghue) / Música: Stephen Rennicks / Fotografía: Danny Cohen
Reparto: Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, William H. Macy, Megan Park, Amanda Brugel, Sean Bridgers, Joe Pingue, Chantelle Chung, Randal Edwards, Jack Fulton, Kate Drummond

Coloquio en DOCUMENTAMADRID con Katharina Otto-Bernstein sobre “Mapplethorpe: Look at the Pictures”


DOCUMENTAMADRID 2016

Texto y cuadro DOCUMENTAMADRID

Fotos y Videos: Pedro A. Martín

(I)

(II)

Director: Fenton Bailey, Randy Barbato
Fotografía: Huy Truong, Mario Panagiotopoulos
Montaje: Langdon F. Page
Música: David Benjamin Steinberg
Producción: Film Manufacturers Inc. & World of Wonder
Productores: Fenton Bailey, Randy Barbato, Katharina Otto-Bernstein, Mona Card

Katharina Otto-Bernstein

La única cosa más extravagante que las fotografías de Robert Mapplethorpe fue su vida. Estaba obsesionado con la magia y, en particular, con lo que veía como la magia de la fotografía y la magia del sexo, llegando a perseguir ambas con insaciable dedicación.
«Mira las fotos». Con estas palabras, Jesse Helms denunció la obra de Robert Mapplethorpe. Y eso es precisamente lo que hace el primer y más completo documental sobre el artista veinticinco años después de su muerte. Los aclamados Fenton Bailey y Randy Barbato dirigen este documental, para el cual han contado con acceso ilimitado sin precedentes a los archivos y la obra del fotógrafo.
Mapplethorpe pudo haber tenido cientos de amantes, pero sólo unas pocas relaciones importantes, la mayor parte de las cuales está presente en el filme. Los recuerdos de su hermana mayor, Nancy, y de su hermano menor, Edward, completan este retrato de Robert. Artista y fotógrafo por derecho propio, Edward trabajó como asistente de su hermano durante muchos años y fue el responsable de gran parte de la excelencia técnica de su obra.
Pero la voz más importante en el documental es la del propio Mapplethorpe. Gracias a una serie de entrevistas redescubiertas, él es nuestro narrador. Completamente sincero y sorprendentemente honesto, habla sobre su vida, sus amores y su trabajo. Todo visto a través de sus ojos; un todo sin fisuras, una completa obra de arte.
El resultado es un retrato del artista que dedicó su vida no sólo a convertirse en tal, sino también a hacer de su medio elegido, la fotografía, un arte valorado y respetado. Y lo consiguió.
Su última muestra, The Perfect Moment (El momento perfecto), planeada por él mismo ya enfermo de sida, resultó ser una bomba de relojería que hizo estallar una guerra cultural de gran repercusión aún hoy en día. Desde su muerte, la Fundación Robert Mapplethorne (valorada en cientos de millones de dólares), ha hecho donaciones multimillonarias que han permitido a museos, desde el Guggenheim al Getty, montar y mantener colecciones de fotografía.

“El Tren Popular de la Cultura” (Carolina Espinoza, 2015)


astoria

Foto:  Pedro A. Martín

 

LAURA FRAILE últimoCero.com

El documental fue rodado durante enero y julio de 2014 entre Chile, España y Argentina, cuenta con un equipo de trabajo reducido en el que, además de su directora Carolina Espinoza, también figuran el director de fotografía y montador Miguel Ángel González o el coguionista Juan Martín Otegui. “Durante los días de rodaje hablamos con personas que habían participado en este tren cuando tenían veintitantos años. Algunas entrevistas las hicimos en el tren que recorre el único fragmento de ruta que sigue en activo, ya que ahora sólo quedan 400 kilómetros, lo que impide la llegada hasta Puerto Montt. También rodamos en Chillán, que es el municipio hasta el que llega actualmente el tren, que a su vez es un lugar que está muy cerca de donde nacieron personas como Violeta Parra, Nicanor Parra o Gonzalo Rojas”, comenta la directora de este proyecto.

popular

Este trabajo también recoge la experiencia de las Misiones Pedagógicas de la II República, especialmente a través del testimonio de la profesora de la UNED María García Alonso, que se ha especializado en este tema. También aparece a través de escenas de documentales como “Estampas”. “Combinamos entrevistas con imágenes de archivo, aunque esto no ha sido fácil. En el caso de Chile, existen muy pocas imágenes del gobierno de Unidad Popular, ya que la gente las quemaba por temor a ser represaliada. Por otro lado, los operarios de la Televisión Nacional de Chile fueron obligados a quemar muchos archivos cuando ésta fue intervenida por los militares”, se lamenta Carolina.

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sociedadsonora.com

La historia del tren, busca establecer vínculos con algunos aspectos de las iniciativas educativas y culturales de la Segunda República en España tales como las Misiones Pedagógicas, el Teatro del Pueblo, el Teatro de La Barraca o con otras experiencias anteriores como los Trenes de Agitación de la Revolución Rusa.

En Chile, en febrero de 1971, 60 artistas recorrieron en tren más de 1.000 kilómetros al sur de la capital, llevando diferentes disciplinas artísticas a los pueblos que no tenían acceso a formas de representación cultural. Fue así como una caravana de poetas, folcloristas, cantantes, comediantes, actores y actrices y hasta mimos, realizó una representación artística días tras día, ante los ojos expectantes de los campesinos de Linares o Chillán, los mineros del carbón en Lota, los indígenas mapuches en la Araucanía, o los trabajadores pesqueros al sur de Puerto Montt.

En el mundo, muchos recuerdan cómo terminó el gobierno de la Unidad Popular de Salvador Allende, pero muy pocos, conocen en profundidad el programa de las cuarenta medidas, que en el caso de la cultura lo que pretendía era la consolidación del socialismo en Chile a través de las construcción de una nueva cultura. Una cultura que superara los valores burgueses y los fundamentos del capitalismo, para encaminarse en la génesis de nuevos sentidos acordes con el sistema político que se quería instaurar.

El espejo donde se reflejó el sentido y la identidad del proceso cultural en Chile bajo el gobierno de Salvador Allende fue la música, la plástica y la industria editorial, que marcaron una pauta y se transformaron en símbolo de aquella nueva sociedad truncada.

No se trata de “otra película más de Allende o de la Segunda República”, se trata de reflexionar sobre distintas experiencias de intervención cultural y acercamiento rural-urbano que tuvieron lugar en España y América Latina, impulsadas por gobiernos que fueron derrotados posteriormente, relegando al olvido estas maravillosas experiencias que tuvieron al pueblo como el protagonista.

Enlaces:

http://www.rtve.es/alacarta/audios/el-gran-quilombo/gran-quilombo-sueno-allende-tren-popular-cultura-11-10-14/2802574/

https://redaccion.lamula.pe/2014/10/13/el-tren-popular-de-la-cultura/hugolanda/

http://www.rtve.es/alacarta/audios/de-cine/cine-campana-crowdfunding-documental-tren-popular-cultura-13-10-14-escuchar-ahora/2804611/

http://www.cooperativa.cl/noticias/entretencion/cine/documentales/sigue-crowfunding-para-terminar-el-documental-del-tren-popular-de-la-cultura/2014-10-12/194320.html

http://www.publico.es/politica/cultura-ruedas-pueblo-misiones-pedagogicas.html

http://www.rtve.es/alacarta/videos/camara-abierta-20/camara-abierta-20-olivia-bee-reinventados-mowo-2014-tren-popular-cultura-links-america-valenzuela/2770034/

https://www.youtube.com/watch?v=UdyfIuFv2Bk