“ALICE GUY” (Por Begoña Eguskiza)


ALICE GUY. Nacida como Alice Ida Antoinette en Sant-Mandé (París) un 1 de julio de 1873. Entonces su familia vivía en Chile donde su padre Emile Guy dirigía una editorial de éxito, Mariette la madre regresó a Francia expresamente para asegurarse que su quinto descendiente naciese en Francia. Alice pasó varios años con su abuela materna , regresaron a Chile por breve espacio de tiempo, para tiempo después volver con sus hermanas a estudiar a un colegio de monjas cerca de la frontera Suiza.

Entonces su padre murió repentinamente y Alice tuvo que dejar el colegio y se formó como mecanógrafa y taquígrafa. Lo que parecía ser un contratiempo, sería su historia de amor con el séptimo arte.
 
Alice Guy
En 1894 con 21 años entró a trabajar como secretaria en la Compañía Fotográfica de León Gaumont (París 10 de mayo de 1864 – Sainte- Maxime , 9 de agosto de 1946) un pionero de la industria del cine, se dedicaba a fabricar equipos fotogràficos. En 1895 Gaumont se asoció con tres nombres ilustres de la época: Gustavo Eiffel, el astrónomo y geógrafo Joseph Vallot y con el banquero y filántropo Henry Vesnier.
El 22 de marzo de ese mismo año, Louis Lumiere invitó a León a una demostración privada de cómo funcionaba su nuevo “invento”, una cámara que hacía que las fotos fijas se convirtieran en movimiento. Alice acompañó a Gaumont en calidad de secretaria y salió entusiasmada de la demostración y le dio que pensar. Contaba Alice en una entrevista: “Pensé que podría hacerlo mejor.  Revistiéndome  de valentía propuse tímidamente al señor Gaumont que pensaba escribir 1 o 2 historias cortas para que mis amigos se divirtieran. Si el señor Gaumont hubiera podido ver entonces lo que pasó con mi tímida propuesta, probablemente yo nunca hubiera obtenido el si . Mi juventud, la falta de experiencia. Mi sexo, todo conspiraba en mi contra.”
 Después de la demostración Gaumont perfeccionó el “invento” sin saber muy bien para qué, y Alice le sugirió animar las imágenes del cinematógrafo con pequeñas historias, Gaumont, sin ver lo que Alice estaba viendo, le dejó las instalaciones , siempre y cuando no interfiriera en su trabajo de secretaria. Así que un domingo del año de 1895 empezó la aventura cinematográfica de Alice Guy.
Ya en 1896 tenía su primera película y la primera película narrativa de la historia del cine: “La Fee aux Chox” (El hada de los repollos).
El invento de Alice tuvo mucho éxito, aunque Gaumont le dijera “Como tú quieras pero no es más que un juguete para niños.”, y subieron las ventas con  los equipos de la empresa .
Desde ese momento  dejó de ser secretaria para hacerse cargo de la nueva productora.
Llegó a producir dos cortos a la semana hasta que fue nombrada supervisora de los demás directores de la compañía.
Filmó títulos como  “Los ladronzuelos del bosque verde”, “La momia”, “El correo de Lyon”, “Fausto y Mefisto” o “Jesús ante Pilatos”, esta última con numerosos extras.
Dirigía, buscaba localizaciones, supervisaba el trabajo de sus colaboradores, elegía los elencos, compraba guiones. Louis Feuillade (con más de 500 títulos en su filmografía) era un joven periodista que le vendía a 100 francos dos o tres guiones a la semana y “Fantomas” de Feuillade, gracias a Alice,  comenzó su carrera hacia la fama. “The Life of Christ” con más de 300 extras, nunca visto hasta ese momento.
“The Call of The Rose” y “La Fee Printemps” de 1902, considerada la primera película en color.
Fue la primera en usar efectos especiales, la doble exposición del negativo, técnicas de retoque, la càmara lenta y ràpida y el movimiento hacia atrás.
En usar grabaciones con gramófono al mismo tiempo que las imágenes y productora de las primeras películas en color.
En 1905 rodó en España un documental: ” L’Espagne”.
Fue la primera mujer que usó el término feminista en el cine, habló sobre la sociedad machista y patriarcal en “Les resultats du femminisme” de 1906.
En 1906 conoce a un camarógrafo inglés, Herbert Blache,  que trabajaba en la compañía de Gaumont en Londres, y se casaron. Un año más tarde se trasladaron a Estados Unidos donde Herbert trabajaría en la Gaumont New York. Alice dejaría su trabajo durante tres años para criar a su primera hija Simone. Aburrida de la vida casera, vuelve al trabajo.
En 1907 fundó con su dinero, la “Solax Film Co.”  situado en Flushings Queens, cuando todavía Hollywood no existía. Más tarde trasladó los estudios a New Jersey. Durante esos años trabajó en equipo con su marido, él se encargaba de la producción y la fotografía y ella de la dirección artística.
Entre 1910 y 1914 produjo 325 películas de todos los géneros. Historias de hadas, fantàsticas, comedias, dramas, melodramas sociales, policiacas, religiosas, bélicas, mitológicas y algún western.
Alrededor de 50 , fueron dirigidas por ella. Compitió con Hollywood como directora y productora independiente.
A este respecto escribió un artículo , “Woman’s Place in Photoplay Production”, donde decía que el cine como industria comercial se estaba vulgarizando y que era importante el acceso de más mujeres a la producción.
A partir de 1919 fue imposible competir con Hollywood y comenzó a trabajar para otras compañías, fue el principio del fin de Solax Film Co. como productora independiente. En 1922 regresó con sus hijas a Francia tras divorciarse y jamás volvió a trabajar en el cine.
En 1940 Alice se dio cuenta que en el registro histórico de la industria del cine no incluía su nombre.
En 1953 el gobierno francés le otorga La Legión de Honor.
Ya en 1964 volvió con sus hijas a Estados Unidos para recuperar sus películas. Fue a la Biblioteca del Congreso a los Archivos a las Filmotecas y no encontró casi ninguna de sus películas y las que encontró figuraba como director otro nombre.
Según Louise Heck , autora de Women Filmmakers: A Critical Reception, comenta : “Ella se anticipó y dijo que los créditos de dirección y producción de sus películas, serán falsamente atribuidos a alguno de sus colaboradores” Como así sucedió.
Dirigió, produjo y supervisó más de 600 películas. Fue la primera persona que dirigió una película donde todo el elenco era negro. Jugó un papel clave en el desarrollo de las películas sonoras, aspecto siempre ignorado. Fue propietaria y directora de su propio estudio de cine. Hasta la fecha sigue siendo la única mujer con su propio Estudio Cinematogràfico. Murió en New Jersey a los 95 años. En ningún periódico apareció su esquela.
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“Room” (Por Begoña Eguskiza)


“Room” (Por Begoña Eguskiza)

Thriller dramático del irlandés Lenny Abrahamson.
Nos cuenta el encierro de una joven, Joy (Brie Larson) que 7 años atrás ha sido secuestrada por un individuo que ha abusado de ella desde entonces y Jack (Jacob Tremblay) en una habitación, “Room”, que con la traducción al castellano pierde el doble sentido que le da el original:
El de la habitación como lugar físico y el del espacio.
Basada en el libro homónimo de Emma Donoghue, guionista en esta película, escribió su novela inspirándose en el famoso caso del monstruo de Amstetten.
El tema no puede ser más sórdido pero Abrahamson se encarga de hacerla liviana sin restar dramatismo, a través de la mirada de Jack.
Un niño que ha nacido y criado en esa minúscula habitación que para el ni es pequeña ni es grande, no sabe de espacios.
El único vínculo que tiene con el exterior es un tragaluz y la televisión pero ni tan siquiera de eso es consciente, vive en su mundo que no es el mismo que el de su madre, la habitación es su vida , una vida  en cambio, terrible para Joy, su madre.
Este planteamiento de la primera parte hace que el espectador se sienta absolutamente acongojado por la situación de Joy pero a la vez aliviado por Jack, que desconoce su verdadera realidad.
En la segunda parte nos muestra esa realidad, el enfrentamiento con esta por parte de Joy para recuperar su vida y el de Jack para conocer el nuevo mundo que aparece ante sus ojos, el que hay detrás de las paredes de “su habitación” y que el desconocía.
Para Joy será terrible pero Jack se adentra en su nuevo espacio con desconocimiento pero con curiosidad y con la inocencia de un niño de 5 años.
Este planteamiento permite al espectador tomar distancia del drama y hace, que a pesar de lo terrible de la historia, sea una película fácil de ver.
 
Título original: Room / Año 2015 / Duración: 118 min. / País: Irlanda
Director: Lenny Abrahamson / Guión: Emma Donoghue (Novela: Emma Donoghue) / Música: Stephen Rennicks / Fotografía: Danny Cohen
Reparto: Brie Larson, Jacob Tremblay, Joan Allen, William H. Macy, Megan Park, Amanda Brugel, Sean Bridgers, Joe Pingue, Chantelle Chung, Randal Edwards, Jack Fulton, Kate Drummond

Coloquio en DOCUMENTAMADRID con Katharina Otto-Bernstein sobre “Mapplethorpe: Look at the Pictures”


DOCUMENTAMADRID 2016

Texto y cuadro DOCUMENTAMADRID

Fotos y Videos: Pedro A. Martín

(I)

(II)

Director: Fenton Bailey, Randy Barbato
Fotografía: Huy Truong, Mario Panagiotopoulos
Montaje: Langdon F. Page
Música: David Benjamin Steinberg
Producción: Film Manufacturers Inc. & World of Wonder
Productores: Fenton Bailey, Randy Barbato, Katharina Otto-Bernstein, Mona Card

Katharina Otto-Bernstein

La única cosa más extravagante que las fotografías de Robert Mapplethorpe fue su vida. Estaba obsesionado con la magia y, en particular, con lo que veía como la magia de la fotografía y la magia del sexo, llegando a perseguir ambas con insaciable dedicación.
«Mira las fotos». Con estas palabras, Jesse Helms denunció la obra de Robert Mapplethorpe. Y eso es precisamente lo que hace el primer y más completo documental sobre el artista veinticinco años después de su muerte. Los aclamados Fenton Bailey y Randy Barbato dirigen este documental, para el cual han contado con acceso ilimitado sin precedentes a los archivos y la obra del fotógrafo.
Mapplethorpe pudo haber tenido cientos de amantes, pero sólo unas pocas relaciones importantes, la mayor parte de las cuales está presente en el filme. Los recuerdos de su hermana mayor, Nancy, y de su hermano menor, Edward, completan este retrato de Robert. Artista y fotógrafo por derecho propio, Edward trabajó como asistente de su hermano durante muchos años y fue el responsable de gran parte de la excelencia técnica de su obra.
Pero la voz más importante en el documental es la del propio Mapplethorpe. Gracias a una serie de entrevistas redescubiertas, él es nuestro narrador. Completamente sincero y sorprendentemente honesto, habla sobre su vida, sus amores y su trabajo. Todo visto a través de sus ojos; un todo sin fisuras, una completa obra de arte.
El resultado es un retrato del artista que dedicó su vida no sólo a convertirse en tal, sino también a hacer de su medio elegido, la fotografía, un arte valorado y respetado. Y lo consiguió.
Su última muestra, The Perfect Moment (El momento perfecto), planeada por él mismo ya enfermo de sida, resultó ser una bomba de relojería que hizo estallar una guerra cultural de gran repercusión aún hoy en día. Desde su muerte, la Fundación Robert Mapplethorne (valorada en cientos de millones de dólares), ha hecho donaciones multimillonarias que han permitido a museos, desde el Guggenheim al Getty, montar y mantener colecciones de fotografía.

“El Tren Popular de la Cultura” (Carolina Espinoza, 2015)


astoria

Foto:  Pedro A. Martín

 

LAURA FRAILE últimoCero.com

El documental fue rodado durante enero y julio de 2014 entre Chile, España y Argentina, cuenta con un equipo de trabajo reducido en el que, además de su directora Carolina Espinoza, también figuran el director de fotografía y montador Miguel Ángel González o el coguionista Juan Martín Otegui. “Durante los días de rodaje hablamos con personas que habían participado en este tren cuando tenían veintitantos años. Algunas entrevistas las hicimos en el tren que recorre el único fragmento de ruta que sigue en activo, ya que ahora sólo quedan 400 kilómetros, lo que impide la llegada hasta Puerto Montt. También rodamos en Chillán, que es el municipio hasta el que llega actualmente el tren, que a su vez es un lugar que está muy cerca de donde nacieron personas como Violeta Parra, Nicanor Parra o Gonzalo Rojas”, comenta la directora de este proyecto.

popular

Este trabajo también recoge la experiencia de las Misiones Pedagógicas de la II República, especialmente a través del testimonio de la profesora de la UNED María García Alonso, que se ha especializado en este tema. También aparece a través de escenas de documentales como “Estampas”. “Combinamos entrevistas con imágenes de archivo, aunque esto no ha sido fácil. En el caso de Chile, existen muy pocas imágenes del gobierno de Unidad Popular, ya que la gente las quemaba por temor a ser represaliada. Por otro lado, los operarios de la Televisión Nacional de Chile fueron obligados a quemar muchos archivos cuando ésta fue intervenida por los militares”, se lamenta Carolina.

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sociedadsonora.com

La historia del tren, busca establecer vínculos con algunos aspectos de las iniciativas educativas y culturales de la Segunda República en España tales como las Misiones Pedagógicas, el Teatro del Pueblo, el Teatro de La Barraca o con otras experiencias anteriores como los Trenes de Agitación de la Revolución Rusa.

En Chile, en febrero de 1971, 60 artistas recorrieron en tren más de 1.000 kilómetros al sur de la capital, llevando diferentes disciplinas artísticas a los pueblos que no tenían acceso a formas de representación cultural. Fue así como una caravana de poetas, folcloristas, cantantes, comediantes, actores y actrices y hasta mimos, realizó una representación artística días tras día, ante los ojos expectantes de los campesinos de Linares o Chillán, los mineros del carbón en Lota, los indígenas mapuches en la Araucanía, o los trabajadores pesqueros al sur de Puerto Montt.

En el mundo, muchos recuerdan cómo terminó el gobierno de la Unidad Popular de Salvador Allende, pero muy pocos, conocen en profundidad el programa de las cuarenta medidas, que en el caso de la cultura lo que pretendía era la consolidación del socialismo en Chile a través de las construcción de una nueva cultura. Una cultura que superara los valores burgueses y los fundamentos del capitalismo, para encaminarse en la génesis de nuevos sentidos acordes con el sistema político que se quería instaurar.

El espejo donde se reflejó el sentido y la identidad del proceso cultural en Chile bajo el gobierno de Salvador Allende fue la música, la plástica y la industria editorial, que marcaron una pauta y se transformaron en símbolo de aquella nueva sociedad truncada.

No se trata de “otra película más de Allende o de la Segunda República”, se trata de reflexionar sobre distintas experiencias de intervención cultural y acercamiento rural-urbano que tuvieron lugar en España y América Latina, impulsadas por gobiernos que fueron derrotados posteriormente, relegando al olvido estas maravillosas experiencias que tuvieron al pueblo como el protagonista.

Enlaces:

http://www.rtve.es/alacarta/audios/el-gran-quilombo/gran-quilombo-sueno-allende-tren-popular-cultura-11-10-14/2802574/

https://redaccion.lamula.pe/2014/10/13/el-tren-popular-de-la-cultura/hugolanda/

http://www.rtve.es/alacarta/audios/de-cine/cine-campana-crowdfunding-documental-tren-popular-cultura-13-10-14-escuchar-ahora/2804611/

http://www.cooperativa.cl/noticias/entretencion/cine/documentales/sigue-crowfunding-para-terminar-el-documental-del-tren-popular-de-la-cultura/2014-10-12/194320.html

http://www.publico.es/politica/cultura-ruedas-pueblo-misiones-pedagogicas.html

http://www.rtve.es/alacarta/videos/camara-abierta-20/camara-abierta-20-olivia-bee-reinventados-mowo-2014-tren-popular-cultura-links-america-valenzuela/2770034/

https://www.youtube.com/watch?v=UdyfIuFv2Bk

Retrospectiva de Carmen Cobos en DocumentaMadrid 2015


DOCUMENTAMADRID 2015

foto serge ligtenbergComo en ocasiones anteriores, DocumentaMadrid dedica su retrospectiva a la obra de una cineasta de origen español que ha triunfado fuera de nuestras fronteras. Carmen Cobos, elegida Producer on the Move del Festival de Cine de Cannes de 2009, es una de las productoras de cine documental de mayor reconocimiento internacional. Afincada en Holanda, sus producciones han dado la vuelta al mundo, participando en más de 100 festivales, logrando prestigiosos galardones en la Berlinale, el IDFA y el Chicago International Film Festival entre otros. Su amplia experiencia en financiación y coproducciones la han convertido en profesora habitual de los más prestigiosos talleres de formación en diversas organizaciones europeas y latinoamericanas. El festival ofrecerá una amplia selección de sus producciones que se inaugurará con la película que ella misma ha dirigido, Imperfect Harmony y que acercará al público madrileño sus trabajos con documentalistas como Petra Lataster-Czich y Peter Lataster, de los que veremos Fragile Happiness y Dreamland GDR, con Jaqueline van Vugt en Two Loves, con Karin Junger enn Mama-Benz and the Taste of Money o con Catherine Ulmer en After the Rape. A One Woman Revolution in Pakistan. Y muy especialmente, su fructífera relación con los afamados directores Heddy Honigmann y John Appel. Respecto a la primera, la obra de esta peruana afincada la mayor parte de su vida en Holanda ha logrado un reconocimiento internacional incuestionable y se ha mostrado en el MoMa de Nueva York y el Centre Pompidou de París. DocumentaMadrid ofrece la oportunidad de disfrutar de tres de sus largometrajes más premiados, realizados en el seno de Cobos Films BV: El olvido, Forever y Around the World in 50 Concerts, su última producción hasta el momento, que protagonizó la sesión inaugural de la pasada edición del IDFA. Por su parte, John Appel se ha convertido en uno de los cineastas neerlandeses más prestigiosos. Las tres películas que se incluyen en la retrospectiva, The Last Victory, The Player y Wrong Time, Wrong Place han recorrido con éxito diversos festivales. Carmen Cobos ofrecerá una master class sobre la producción de cine documental.

Rastrear las huellas de la autoría en el corpus que supone la producción de Carmen Cobos no sólo es un placer sino también un interesante ejercicio de aprendizaje. La sustancia que sirve de ensamblaje de los 12 largometrajes que conforman la retrospectiva es una materia elástica y maleable, pero, al mismo tiempo, sumamente consistente. Observamos a los personajes que habitan el universo documental bajo el paraguas de Cobos Films BV emerger como héroes victoriosos al transcender su propia cotidianeidad.

El grueso de la obra de Cobos como productora ha sido exhibida en más de 100 festivales de todo el mundo. Desde que fundase su empresa en 1997, su labor se ha centrado principalmente en la financiación y (co)producción de documentales para cine y televisión de eco internacional, logrando sus producciones prestigiosos galardones en festivales como la Berlinale, el IDFA y el Chicago International Film Festival. En el año 2012, Cobos decide dar el paso de involucrarse en la dirección y debuta con Imperfect Harmony, film que se proyecta por primera vez en Madrid gracias a esta muestra.

Mediante esta retrospectiva, quisiéramos acercar al público los trabajos de documentalistas como Petra Lataster-Czich y Peter Lataster, Jacqueline van Vugt, Karin Junger y Catherine Ulmer. Realizados en lugares tan distantes como Alemania, Burkina Faso, Holanda y Pakistán, todos ellos evidencian los resortes del individuo ante las poderosas circunstancias histórico-sociales, determinantes del presente y del pasado. Asimismo, el trabajo que la productora española ha llevado a cabo junto con los directores Heddy Honigmann y John Appel ha sido especialmente fructífero. Respecto a la primera, la obra de esta peruana afincada la mayor parte de su vida en Holanda ha logrado un reconocimiento internacional incuestionable y se ha mostrado, en forma de retrospectiva, en el MoMa de Nueva York y el Centre Pompidou de París. DocumentaMadrid ofrece la oportunidad al público madrileño de disfrutar de tres de sus largometrajes más premiados, realizados en el seno de Cobos Films BV: El olvido, Forever y Around the World in 50 Concerts, su última producción hasta el momento, que protagonizó la sesión inaugural de la pasada edición del IDFA. Por su parte, John Appel se ha convertido en uno de los cineastas neerlandeses más prestigiosos. Las tres películas que se incluyen en la retrospectiva, The Last Victory, The Player y Wrong Time, Wrong Place han recorrido con éxito diversos festivales. Especialmente interesante resulta imaginar los posibles diálogos que podrían entablarse entre los mencionados filmes de Honigmann y Appel. En ellos hacen su aparición una serie de personajes embarcados en la constante exploración de sus pulsiones, deseos, anhelos y frustraciones. Supervivientes, en diversas acepciones, que han encontrado en la cámara a un honesto aliado y a un confidente excepcional para su catarsis.

DocumentaMadrid pretende homenajear la labor de una de las productoras de cine documental más importantes del panorama internacional, cuya trayectoria profesional ha posibilitado la creación de proyectos exhibidos y premiados internacionalmente. Una retrospectiva, sin duda, necesaria, gracias a la cual podrán disfrutarse algunos de estos trabajos de manera inédita en España.

Foto: DOCUMENTAMADRID