Coloquio con Viggo Mortensen Cineteca Madrid sobre “Jauja” (Lisandro Alonso, 2014)


Coloquio en Cineteca Madrid con  Viggo Mortensen y Carlos F. Heredero

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Patagonia, 1882. Durante la llamada “Conquista del Desierto”, una campaña genocida del ejército argentino contra la población originaria de esa región, un puesto fronterizo remoto es escenario de la lucha feroz por parte de ambos frentes. Procedente de Dinamarca, llega a la Patagonia el Capitán Dinesen junto con su hija Ingeborg, de quince años, para realizar un trabajo como ingeniero para el Ejército argentino. Cuando Ingeborg se enamora de un joven soldado y se escapa con él, el Capitán viaja a territorio enemigo para encontrar a la pareja.

Jauja es la historia de un hombre desesperado por encontrar a su hija, una cruzada en solitario que le llevará a un lugar más allá del tiempo, en el que el pasado se ha desvanecido y el futuro no tiene sentido. (Cineteca Madrid)

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Foto y Video: Pedro A. Martín

Sinopsis: En la antigüedad, se creía que Jauja era una tierra mitológica de abundancia y felicidad. Se emprendieron muchas expediciones para tratar de encontrar el lugar y comprobarlo. Con el tiempo, la leyenda creció desproporcionadamente. Indiscutiblemente, la gente exageraba, como de costumbre. Lo único que se sabe con seguridad es que todos aquellos que intentaron encontrar este paraíso terrenal se perdieron. (FILMAFFINITY) 

jauja(Filmin) De los cineastas surgidos durante la primera década del siglo XXI ocupa un lugar destacado el argentino Lisandro Alonso que, con sólo cuatro películas, ha construido una de las experiencias cinematográficas más poderosas del cine contemporáneo. Tras el estreno en España de “Liverpool” tenemos el honor de recuperar sus tres primeras películas, inéditas en nuestro país: La Libertad”, Los Muertos” y “Fantasma”. Las tres películas, construidas como un retrato ficcional en torno a dos inquietantes presencias, la de Misael Saavedra —el “hachero” de “La Libertad”— y Argentino Vargas —el asesino que sale de prisión en “Los Muertos”—, y la de ambos en “Fantasma,” suponen un trabajo excepcional sobre el espacio y el tiempo fílmicos. Alonso reinventa algunos hallazgos estéticos de la modernidad (las huellas de Jean Renoir, Rossellini o Antonioni son visibles en su cine), donde un naturalismo extremo convive con una rigurosa puesta en escena. Pocos cineastas como Lisandro Alonso han sabido cargar los planos de una sensación de amenaza inminente —en la línea de David Lynch— sin por ello desnaturalizar los cuerpos y paisajes (lugares y rostros que conoce bien) que su cámara registra descarnadamente.

El cine de Lisandro Alonso se inscribe dentro del llamado cine independiente o indie, de planteamientos radicales y sin concesiones al cine entendido como producto. La construcción de sus películas se apoya en un ritmo emocional, de caracter intimista. Las secuencias, con planos fijos y mantenidos, permiten participar al espectador a través de la emoción y reconocer la identidad humana de los personajes. El ritmo y las imágenes de sus películas rozan las técnicas documentales. El paisaje, interior o exterior, es un elemento más de sus películas. Los personajes vagan por el espacio propuesto por el director en busca del sentido de su vidas.

En 2004 “Los muertos” y en 2008 “Liverpool,” fueron seleccionadas para el Festival Internacional de Cine de Toronto. En 2008 gana, con “Liverpool”, el premio Principado de Asturias al Mejor Largometraje del Festival de Cine de Gijón.

“Uno termina haciendo una película para las cuatro mil personas que van a verla a Buenos Aires (2.500 con “La Libertad,” 3.500 con “Los Muertos”), los catorce críticos que se creen que soy un iluminado y los siete festivales de cine que me invitan”.

Fuente: https://www.filmin.es/director/lisandro-alonso#

“Carnival of Souls” (Herk Harvey, 1962)


Título original: Carnival of Souls (1962 – 78 min.) Director: Herk Harvey Guión: John Clifford Música: Gene Moore Fotografía: Maurice Prather (B&W) Reparto: Candace Hilligoss, Frances Feist, Sidney Berger, Art Ellison, Stan Levitt, Tom McGinnis, Forbes Caldwell, Dan Palmquist, Bill de Jarnette, Pamela Ballard

Sinopsis: Mary Henry es víctima de un accidente automovilístico; desde un puente colgante su vehículo se ha precipitado a un río. Horas después, Mary aparece sola y desorientada en un banco de arena. En seguida notará que el mundo que le rodea ha cambiado. La línea que separa a los vivos de los muertos se hace cada vez más borrosa. Es entonces cuando aparecen… ellos… (FILMAFFINITY)

La edición DVD de Versus incluye el documental “La historia de Carnival of Souls” y un ensayo de Jesús Palacios.

Synopsis: A drag race turns to tragedy when one car, with three young women inside, topples over a bridge and into the muddy river below. The authorities drag the river, but the search is fruitless and the girls are presumed dead until a single survivor stumbles out of the water with no recollection of how she escaped. Mary Henry (Candace Hilligoss) decides to forget her strange experience and carry on with her plan to move to Utah to accept a job as a church organist. She rejects the notion that because her profession leads her to work in the church, she is obligated to worship as part of the congregation, and this cold approach to her work unnerves many around her. While driving to the new city, she experiences weird visions of a ghoulish man who stares at her through the windshield, and passes an abandonded carnival on a desolate stretch of highway outside of town to which she feels strangely drawn. Mary tries to live her life in private, ignoring invitations to worship by the minister of her church and the leering propositions of a neighbor in her rooming house. Soon the ghostly apparition from the highway is appearing more often, and she experiences eerie spells in which she becomes invisible to people on the street. A doctor tries to help, but he too is rejected, and eventually Mary realizes that the deserted carnival holds the secret to her destiny.(Allmovie)

 

Candacehilligoss4Carnival of Souls (El carnaval de las almas) es una película estadounidense de 1962 dirigida y producida por el también actor Herk Harvey.La película no obtuvo la atención del público cuando se estrenó originalmente, debido en gran medida a su intento de clasificarse como una película de serie B, hoy en día se ha vuelto una especie de película de culto.Acompañada por música de órgano interpretada por Gene Moore, Carnival of Souls recrea una atmósfera especial, diferente a la generada por efectos especiales, para envolver al público en un ambiente de terror. La película mantiene un buen número de seguidores del género, por lo que es ocasional que se proyecte en festivales de Halloween, así como en canales de televisión durante esas mismas fechas.

Carnival of Souls sirvió a su vez de influencia, como después confesaron, a directores tan disímiles como George A. Romero y al surrealista David Lynch. Protagonizado por Candace Hilligoss, Frances Feist, Sidney Berger y Art Ellison, se basa en un relato corto de Lucille Fletcher; el mismo relato fue adaptado televisivamente en la serie de gran éxito The Twilight Zone, con el nombre homónimo de The Hitch-Hicker (“El autoestopista“), resulta más fiel a la original. En dicho capítulo una mujer viaja en coche y no para de ser atormentada por un autoestopista que aparece a lo largo del camino.

La película narra la historia de Mary Henry (Candace Hilligoss) quien es víctima de un accidente automovilístico. Después decarnival-of-souls competir con otro automóvil, el auto en el que viajaba cae al río en conjunto con otras dos pasajeras del vehículo. Afortunadamente para ella, Mary puede escapar de la tragedia, un poco desorientada y muy diferente emocionalmente.

Para dejar atrás la tragedia, Mary decide aceptar un trabajo en la iglesia de otra ciudad como organista. Sin embargo, encuentra todo a su alrededor bastante extraño, lo que incluye unos personajes fantasmales que la persiguen durante todo su viaje y su estancia en la nueva ciudad a la que se ha mudado.

En esa misma ciudad hay un lugar en donde anteriormente había una feria. Sin saber por qué, Mary se siente atraída por el lugar, y decide investigar la zona. (Wikipedia)

 

 

 

 

“Too Much Johnson” (Orson Welles, 1938)


Director: Orson Welles Título original: “Too Much Johnson”
Año: 1938 Duración: 67 min.
País: Estados Unidos
Guión: William Gillette, Orson Welles Fotografía: Paul Dunbar, Harry Dunham (B&W)
Reparto: Joseph Cotten, Virginia Nicholson, Edgar Barrier, Arlene Francis, Ruth Ford, Mary Wickes, Eustace Wyatt, Orson Welles, Guy Kingsley, George Duthie.
Productora: Mercury Theater / Género: Comedia | Cine mudo

Sinopsis: Comedia muda rodada por Orson Welles en 1938 para proyectar, en forma de tres prólogos, junto a una obra de teatro del mismo título. Se creía perdida en un incendio que hubo en la casa de Welles en los años 70, pero en julio de 2013 se encontró una copia completa en Italia. Esta copia se restaurará para un estreno en octubre de 2013 en el Dryden Theatre de George Eastman House en Nueva York, con un posterior estreno online en el resto del mundo. (FILMAFFINITY)
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Foto: mubi.com

Durante décadas las enciclopedias citaban Ciudadano Kane como la primera película que dirigió el gran Orson Welles. Sin embargo, tres años antes, en 1938, había rodado un mediometraje de unos cuarenta minutos que todo el mundo daba por perdido. En 2013, casi por sorpresa, se encontró una copia en un almacén italiano. Too Much Johnson es una comedia muda y alocada, protagonizada por Joseph Cotten. Orson Welles la concibió para proyectarla como si fuera un prólogo, antes de una obra de teatro del mismo título escrita por William Gillette. El film ha sido rescatado y debidamente restaurado en Holanda y en Estados Unidos. CINETECA

 

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Foto: boredommd.com

Too Much Johnson is a 1938 American comedy film written and directed by Orson Welles. The film was made three years before Welles directed Citizen Kane, but it was never publicly screened. The film was believed to be lost, but in 2008 a print was discovered in a warehouse in Pordenone, Italy. The film premiered Wednesday, October 9, 2013, at the Pordenone Silent Film Festival, with the possibility of being available online later in the year.

The film was not intended to stand by itself, but was designed as the cinematic aspect of Welles’s Mercury Theatre stage presentation of William Gillette’s 1894 comedy about a New York playboy who flees from the violent husband of his mistress and borrows the identity of a plantation owner in Cuba who is expecting the arrival of a mail order bride.

Welles planned to mix live action and film for this production. The film was designed to run 40 minutes, with 20 minutes devoted to the play’s prologue and two 10-minute introductions for the second and third act. Welles planned to create a silent film in the tradition of the Mack Sennett slapstick comedies, in order to enhance the various chases, duels and comic conflicts of the Gillette play.

Two previous films had been made of this play, a short film in 1900 and a feature length Paramount film in 1919 starring Lois Wilson and Bryant Washburn. Both of these films are now lost.

This was the second film to be directed by Welles, but his first as a professional. In 1934, while still attending The Todd School for Boys, he co-directed (with friend William Vance) a short avant garde film called The Hearts of Age.

Cast

Joseph Cotten as Augustus Billings
Virginia Nicolson as Lenore Faddish
Edgar Barrier as Leon Dathis
Arlene Francis as Mrs. Dathis
Ruth Ford as Mrs. Billings
Mary Wickes as Mrs. Battison
Eustace Wyatt as Faddish
Guy Kingsley as MacIntosh
George Duthie as Purser
Orson Welles as Keystone Kop
John Houseman as Duelist

Paul Dunbar, a newsreel cameraman for Pathé News, was the film’s cinematographer. Location photography took place in New York City’s Battery Park and Central Park. Additional shooting took place on a Hudson River day-trip excursion boat and at locations in Yonkers, New York, and Haverstraw, New York. Interior shots were set up at a studio in the Bronx, New York. For the Cuban plantation, Welles created a miniature structure next to a papier-mâché volcano, with store-bought tropical plants to suggest the exotic Caribbean flora.

Post-production and exhibition problems

Welles and his crew spent ten days shooting Too Much Johnson, which resulted in approximately 25,000 feet of film. He edited the footage on a Moviola in his suite at the St. Regis Hotel in New York City, and John Houseman later recalled visitors had to “wade knee-deep through a crackling sea of flammable [nitrate] film.”

During post-production, Welles ran into financial problems relating to his cast (who were not originally paid for the film shoot) and the film laboratory, which refused to deliver the processed film until it received payment. Welles also received an attorney’s letter from Paramount Pictures informing him that the studio owned the film rights to Too Much Johnson, and that public presentation of his film would require payment to the studio.

Welles initially planned to present the stage-and-film mix of Too Much Johnson at the Stony Creek Theatre in Connecticut as a pre-Broadway trial run, but discovered that the theater’s ceiling was too low to allow for film projection. The show opened on August 16, 1938, without the filmed sequences. Audience and critical reaction to the show was poor and Welles opted not to attempt a Broadway version.

Loss and rediscovery

Welles never completed editing Too Much Johnson and put the footage in storage. He rediscovered it three decades later at his home outside of Madrid, Spain. “I can’t remember whether I had it all along and dug it out of the bottom of a trunk, or whether someone brought it to me, but there it was”, he later recalled. “I screened it, and it was in perfect condition, with not a scratch on it, as though it had only been through a projector once or twice before. It had a fine quality.” Welles, however, never allowed the footage to be seen publicly, stating the film would not make sense outside of the full context of the Gillette play. In August 1970,a fire broke out at Welles’s villa and the only known complete print of Too Much Johnson was destroyed.

A copy was discovered in Italy in 2008 and on August 5, 2013, the George Eastman House museum of film and photography in the U.S. announced that it had completed a long process of restoration together with Cinemazero, the National Film Preservation Foundation, and laboratory experts in the U.S. and the Netherlands. Cinema Arts, a Pennsylvania film laboratory, performed most of the preservation work. “The next step was to begin the actual photo-chemical preservation”, said Tony Delgrosso, Head of Preservation at George Eastman House. “For that we turned to a lab called Cinema Arts who are world famous for the quality of their black-and-white photo-chemical preservation and restoration.” Too Much Johnson premiered October 9, 2013, at the Pordenone Silent Film Festival. The film’s North American premiere was held October 16, 2013, at George Eastman House’s Dryden Theatre, and the film’s New York City premiere took place on November 25, 2013, at the Directors Guild of America Theater. (Wikipedia)

 

“Contra el olvido”, de Juan Carlos Rivas Fraile sobre “La imagen perdida” (Rithy Panh, 2013)


Juan Carlos Rivas Fraile / Mundo Obrero

El título original de este impresionante filme del camboyano Rithy Panh, L’image manquante, que podríamos traducir por La imagen que falta, habla de los dos pilares básicos que lo sustentan: se trata de una fotografía inexistente, que debería haber sido tomada entre 1975 y 1979 por los jemeres rojos; una fotografía del horror absoluto, si es que puede el horror ser adjetivado, que anida sólo en la memoria del autor y que en su inexistencia el autor quiere recrear y trasmitir. Memoria y cine, inmersión en las entrañas del recuerdo más doloroso y creación de nueva vida cinematográfica.

La imagen perdida es antes que nada un ejercicio de exorcismo de la aflicción y el desconsuelo, algo que Rithy Panh, La_imagen_perdida-escritor y cineasta, viene realizando desde 1989. En obras anteriores (como la muy recordada S-21: la máquina roja de matar, 2003) la necesidad de recordar y dar a conocer al mundo la gran tragedia del pueblo camboyano privilegiaba la visión documental, notarial, de la desdicha colectiva sobre el infortunio vivido en carne propia. El cineasta culmina ahora su recorrido por el pasado reciente de su país en una obra que respira dolor por los cuatro costados de cada fotograma porque apela a su años de infancia, los cuatro años en que la utopía de una sociedad sin clases se tornó en el monstruo que alimentaron Pol Pot y el Angkar, la Organización, el Partido, cuyo espeluznante balance de daños nunca podrá establecerse, aunque la cifra de 1.700.000 muertos dé una idea sólo aproximada, en el que no caben los relatos de torturas, hambre y padecimientos de toda la sociedad. Años en que la sinrazón pervirtió los más nobles ideales para extender como una plaga bíblica el sufrimiento más cruel sobre todos los ciudadanos, que habría de dar lugar al hombre nuevo.

El relato servido con la cálida y penetrante voz en off de Randal Douc (en la versión original francesa) tiene un sello de autenticidad que sólo poseen las historias que emergen limpias del corazón, no contaminadas por el rencor y el odio (que hubieran sido legítimos moralmente), y está impregnado del poderoso hálito poético que le otorgan unos recursos narrativos apabullantes en su sencillez y belleza. Las imágenes que faltan, que se quemaron o hicieron desaparecer, se configuran a través de unos muñecos de arcilla, poseídos por la honda tristeza de los seres humildes atrapados por un destino funesto. Los cuadros vivos (“tableaux vivants”) en que se presentan, a veces combinados con imágenes reales rodadas durante la época, tienen la expresividad de Los fusilamientos del 2 de mayo y en su parálisis aparente, como en el cuadro de Goya, gritan con tanta fuerza contra la barbarie que desgarran nuestros corazones.

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(FILMAFFINITY)
Sinopsis
Desde hace años, busco una imagen: una fotografía tomada entre 1975 y 1979 en Camboya por los Jemeres Rojos. Una sola imagen no sirve como prueba de un genocidio, pero invita a la reflexión, permite reconstruir la historia. La he buscado en vano en los archivos y por todas partes. Ahora he llegado a la conclusión de que esa imagen debe faltar. Lo que ahora propongo no es una imagen, o la búsqueda de una imagen, sino más bien la imagen de una búsqueda: la búsqueda que permite el cine. Ciertas imágenes deben seguir faltando por siempre, y deben ser reemplazadas por otras: en este movimiento esta la vida, el combate, la pena y la belleza, la tristeza y los rostros perdidos, la comprensión de lo que fue, a veces la nobleza e incluso la valentía, pero nunca el olvido.
Premios
2013: Oscars: Nominada a mejor película de habla no inglesa
2013: Festival de Cannes: Mejor película (sección “Un Certain Regard”)
2013: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor documental

“The Dog” (Allison Berg, François Keraudren, 2013)


“The Dog” en Cineteca Matadero
Viernes 30 de Mayo – Domingo 1 de Junio

La historia real de John Wojtowicz, el ladrón de bancos, en la que se basó la película Tarde de perros. Los personajes reales resultan aún más interesantes que los construidos en la ficción. Estrenado mundialmente en el Festival de Toronto 2013, formó parte de la selección de la Berlinale y del Festival de Hong Kong. (Inglés con subtítulos en español)

 

 

The_DogGuión
Allison Berg, François Keraudren
Música
Troy Herion, Mark Dancigers
Fotografía
Amanda Micheli, Nim-Rod Bachar, Wolfgang Held, Pete Ginsburg, Axel Baumann
Reparto
Documentary, John Wojtowicz, Liz Eden, George Heath, Teresa Wojtowicz, Carmen Bifulco, Randy Wicker, Jeremiah Newton
Productora
Unleashed Films
Género
Documental | Biográfico
Sinopsis
Documental sobre John Wojtowicz, el hombre que inspiró la historia que se adaptó al cine en la película “Tarde de perros” (1975). (FILMAFFINITY)
Directors Allison Berg and François Keraudren answer questions about their documentary The Dog, a look deep inside the life and character of John Wojtowicz, the man who robbed a Brooklyn bank to finance his male lover’s sex reassignment surgery in the early 1970s. His story became the inspiration for the Al Pacino film Dog Day Afternoon, but the Dog looks beyond the Hollywood framing of the tale. Filmed at the Scotiabank Theatre on Sept. 7, 2013.