“Westworld” (Temporadas 1 y 2)


“Westworld”

(Info: Wikipedia) Fotos: HBO

Westworld . Serie de televisión de ciencia ficción y suspenso creada por Jonathan Nolan y Lisa Joy para HBO. Se basa en la película de 1973 del mismo nombre, que fue escrita y dirigida por el novelista estadounidense Michael Crichton, y su secuela Futureworld (1976). Es la segunda serie de televisión basada en las dos películas, la primera es la serie de corta duración de 1980 Beyond Westworld. Nolan y Joy se desempeñan como productores ejecutivos junto con J. J. Abrams, Jerry Weintraub, y Bryan Burk, con Nolan dirigiendo el piloto. La primera temporada se estrenó el 2 de octubre de 2016, concluyó el 4 de diciembre de 2016 y consistió en diez episodios.​ En noviembre de 2016, HBO renovó la serie para una segunda temporada de diez episodios,​ que se estrenó el 22 de abril de 2018.

El debut de la serie en HBO obtuvo la audiencia más alta para un estreno desde el primer episodio de True Detective en 2014 y Westworld se posiciona como la primera temporada más vista de una serie original de HBO. El 1 de mayo de 2018, la serie se renovó para una tercera temporada. Westworld ha recibido críticas en gran medida positivas por parte de los críticos, con elogios especiales por las imágenes, la historia y las actuaciones.

Sinopsis

En un futuro no especificado, Westworld, uno de los seis parques temáticos poseído y operados por Delos Inc., permite a los visitantes experimentar el Viejo Oeste en un entorno poblado por «anfitriones», androides programados para satisfacer todos los deseos de los visitantes.

Los anfitriones siguen un conjunto predefinido de narrativas entrelazadas, pero tienen la capacidad de desviarse de estas narrativas en función de las interacciones que tienen con los visitantes.

Los anfitriones repiten su narrativa de nuevo cada día—habiendo borrado sus recuerdos del día anterior—hasta que son reutilizados o guardados para su uso en otras narraciones. Para la seguridad de los visitantes, los anfitriones no pueden dañar ninguna forma de vida; esto les permite a los visitantes una libertad casi ilimitada para participar sin recibir castigo en cualquier actividad que elijan con los anfitriones, incluida la violación y el asesinato. El personal está ubicado en un centro de control llamado «La Mesa», conectado al parque a través de vastas instalaciones subterráneas, supervisa las operaciones diarias, desarrolla nuevas narrativas y repara a los anfitriones según sea necesario.

Elenco y personajes

  • Evan Rachel Wood como Dolores Abernathy/Wyatt, la anfitrión más antigua que todavía trabaja en el parque. Al asumir inicialmente el papel de la hija de un ranchero, descubre que toda su vida es una mentira elaborada.
  • Thandie Newton como Maeve Millay, una anfitrión, que actúa como la madam de Sweetwater, pero sus recuerdos no reconciliados de un papel anterior la llevaron a ser consciente de sí misma.
  • Jeffrey Wright como Bernard Lowe, jefe de la División de Programación de Westworld, y programador de software para personas artificiales.​ Wright también interpreta a Arnold Weber, cofundador de Westworld.
  • James Marsden como Teddy Flood, un anfitrión. Él es un pistolero que regresa a Sweetwater para encontrar a Dolores, con la esperanza de reavivar su relación.
  • Ingrid Bolsø Berdal como Armistice, una anfitrión. Ella es una bandida brutal y despiadada, y es miembro de la pandilla de Héctor Escaton.
  • Luke Hemsworth como Ashley Stubbs, jefe de seguridad de Westworld, encargado de monitorear las interacciones entre humanos y anfitriones y garantizar la seguridad de los huéspedes.
  • Sidse Babett Knudsen como Theresa Cullen, responsable de control de calidad de Westworld, es responsable de evitar que el parque se desorganice.
  • Simon Quarterman como Lee Sizemore, el director narrativo de Westworld, cuyo temperamento artístico agrava a sus compañeros de trabajo.
  • Rodrigo Santoro como Héctor Escaton, un anfitrión. Es el líder de una pandilla buscado por robar el Hotel Mariposa en Sweetwater.
  • Angela Sarafyan como Clementine Pennyfeather, una anfitrión. Ella trabaja como prostituta para Maeve y es una de las atracciones más populares de Westworld. Lili Simmons retrata a otro anfitrión que cumple el mismo rol cuando se retira la Clementine original.
  • Shannon Woodward como Elsie Hughes, una estrella en ascenso en la División de Programación encargada de remediar el comportamiento extraño en los anfitriones del parque.
  • Ed Harris como el Hombre de Negro, un sádico invitado veterano que busca descubrir los secretos más íntimos de Westworld.
  • Anthony Hopkins como Robert Ford, cofundador y director de Westworld.
  • Ben Barnes como Logan Delos, un invitado habitual que presenta a William en el parque.
  • Clifton Collins Jr. como Lawrence / El Lazo, un anfitrión. Es un delincuente encantador pero peligroso con una habilidad especial para maniobrar y negociar con los diversos elementos criminales de Westworld.
  • Jimmi Simpson como William, un visitante renuente por primera vez en Westworld, uniéndose a su futuro cuñado, Logan. Inicialmente desdeñoso de las atracciones más lascivas del parque, poco a poco descubre un significado más profundo de la narrativa del parque.
  • Tessa Thompson como Charlotte Hale, directora ejecutiva de Delos Destinations Board, que supervisa Westworld y otros parques.
  • Fares Fares como Antoine Costa, miembro del equipo de seguridad de Karl Strand.
  • Louis Herthum como Peter Abernathy, el padre de Dolores. Bradford Tatum también retrató a Peter Abernathy en la primera temporada, después de que fuera dado de baja.
  • Talulah Riley como Angela, un anfitrión que da la bienvenida a los recién llegados al parque.
  • Gustaf Skarsgård como Karl Strand, El jefe de operaciones de Delos, que lidera los intentos de Delos de recuperar Westworld de los anfitriones deshonestos.
  • Katja Herbers como Emily, auna invitada en el parque El Raj que escapa a Westworld durante el levantamiento de los anfitriones.

    Concepción y desarrollo

    Michael Crichton, el escritor de la película de 1973 en la que se basa la serie.

    Warner Bros. había estado considerando una nueva versión de Westworld desde principios de la década de los ’90 y luego de la partida de la ejecutiva del estudio, Jessica Goodman en 2011, el proyecto fue nuevamente considerado.​ Jerry Weintraub había estado presionando por un remake durante años y, después de su éxito con Behind the Candelabra de HBO, convenció a la cadena para que diese luz verde a un piloto. Se llevó el proyecto a Jonathan Nolan y la co-escritora Lisa Joy, quienes vieron el potencial en el concepto de hacer algo mucho más ambicioso que la película original.

    El 31 de agosto de 2013, HBO anunció que habían ordenado un piloto para una posible serie de televisión, con Nolan, Joy, J. J. Abrams, Jerry Weintraub y Bryan Burk como productores ejecutivos.​ Ed Brubaker desempeñó en el equipo de redacción como productor supervisor,​ coescribiendo el cuarto episodio con Nolan. HBO más tarde anunció que Westworld había sido aceptado y que se estrenaría en 2015.​ En agosto de 2015, HBO lanzó el primer teaser, que reveló que la serie se estrenaría en 2016.

    Abrams sugirió que la serie se cuente con la perspectiva de los “anfitriones” en mente.​ Nolan se inspiró en videojuegos como BioShock InfiniteRed Dead Redemption y The Elder Scrolls V: Skyrim para lidiar con el componente moral de la narración en un espectro.​ Durante la investigación, las películas de Sergio Leone proporcionaron puntos de referencia para los personajes y visuales; las novelas de Philip K. Dick les informaron sobre los dilemas relativos a la inteligencia artificial, y para la construcción del mundo y la narrativa entrelazada, consultaron los juegos de Grand Theft Auto. La película de 1973 también incluyó un Mundo Romano y un Mundo Medieval, pero Nolan no las incluyó.

    Los co-creadores Jonathan Nolan y Lisa Joy

    Nolan explicó que la serie explorará, a través de sus personajes invitados, sobre por qué “la violencia está en la mayoría de las historias que nos gusta mirar, pero no es parte de lo que nos gusta hacer”. La serie explora ideas sobre la mente bicameral por el psicólogo Julian Jaynes, quien abogó por la existencia de dos mentes separadas—una que da instrucciones y otra que las realiza. Jaynes discutió cómo la conciencia proviene de romper el muro entre ellos al exponer al individuo a nuevos estímulos.

    Los guionistas y productores han planeado que la historia dure hasta cinco temporadas.

    Financiación

    Según los informes, los diez episodios de la primera temporada se produjeron con un presupuesto de aproximadamente de $100 millones, con presupuestos por episodio de entre $8 millones y $10 millones, y el episodio piloto solo costando $25 millones para producir. HBO y Warner Bros. Television compartieron el costo de producción de la serie; según los informes, HBO también pagó una tarifa de licencia no revelada a Warner Bros. Television por los derechos de transmisión.

    Casting

    Gif de gfycat.com 

    Después de que se transmitió el último episodio de la primera temporada, Nolan y Joy revelaron que habían operado con una estricta base de “necesidad de saber” con la mayoría de los actores, con el fin de “mantener la historia tan fresca y presente para ellos como sea posible.”​ Por ejemplo, en el caso de Wood, le dieron direcciones de actuación extrañas sin explicar por qué, y le tomó un tiempo a Wood inferir que en realidad estaba interpretando cinco personajes distintos dentro del mismo anfitrión: cuatro modos de comportamiento diferentes para Dolores, más Wyatt.​ Por el contrario, Hopkins se dio cuenta de la historia general de Ford desde el principio (en el momento en que le dieron el papel) para asegurarse de que podía transmitir la complejidad del personaje en su actuación.​ Sin embargo, incluso con ese conocimiento, inicialmente Hopkins recibió libretos muy redactados, y tuvo que insistir en el acceso a los libretos completos.

    Filmación

    Al principio se decidió que la serie se filmaría en una película de 35 mm con ayuda de tomas HD, a pesar de las crecientes dificultades para adquirir rollos.​ Para una apariencia más suave, los cineastas utilizaron las lentes originales Arri Zeiss con sus capas removidas.​ La serie se filmó principalmente en Kodak, que fue procesada por FotoKem en Burbank y escaneada por Encore Hollywood para crear intermedios digitales de todas las tomas adecuadas para su uso como periódicos. El corte final fue entregado a HBO en un formato JPEG digital en 2K para su transmisión y a Warner Bros. Television como un corte negativo para fines de archivo.

    Dado que gran parte de la serie se ve desde el punto de vista de los anfitriones,​ los Steadicams se utilizaron para filmar toda la primera temporada, a excepción de un par de escenas en el último episodio, donde se usó una cámara portátil como metáfora de que los anfitriones se liberan de su programación y ahora actúan por su propia voluntad.

    El rodaje del episodio piloto se realizó durante 22 días​ en agosto de 2014 en Los Angeles y sus alrededores así como Moab, en Utah.

    Castle Valley en Utah es uno de los lugares de rodaje. (Foto: Wikipedia)

    Lugares de rodaje en California incluye varios estudios de sonido, backlot en Universal Studios & Warner Bros., Paramount Ranch en Agoura, California, El Melody Ranch en Santa Clarita, California,​ y el Pacific Design Center en West Hollywood, California.​ El Melody Ranch usado para la ciudad de Sweetwater había sido utilizado previamente para muchas películas, tales como Django Unchained y The Magnificent Seven, pero fue significativamente mejorado para Westworld por el diseñador de producción Zack Grobler para retratar una versión idealizada de la frontera estadounidense.​ Pantallas de croma verde fueron usadas alrededor de los juegos de California para bloquear objetos modernos como estacionamientos, para que las tomas de California pudieran ser más tarde composición digital fusionada con fotos exteriores de Utah.

    Para la apariencia exterior a gran escala del espectáculo, los productores se inspiraron en el trabajo de John Ford, quien filmó sus últimas cuatro películas en Castle Valley, al este de Moab.​ En la primavera de 2014, Nolan visitó el sur de Utah con miembros clave del equipo y un explorador de locaciones para explorar la posibilidad de filmar allí y rápidamente se enamoró del lugar. Las tomas de la localización para el episodio piloto ocurrió más adelante sobre cinco días en Utah meridional,​ incluyendo Castle Valley.​ La mayoría de las ubicaciones de Utah, como Dead Horse Point State Park, eran “walk-in” áreas donde tanto el elenco y el personal estaban obligados a caminar dentro y fuera con todo su equipo.​ Se rodaron escenas de cabalgatas en un rancho privado, donde los cineastas no estaban sujetos a tantas restricciones como cuando trabajaban en terrenos públicos.​ Para combinar perfectamente los escenarios de California con el escenario de Utah, las paredes fijadas fueron enviadas a Utah para que pudieran usarse para filmar ángulos inversos de escenas originalmente filmadas en California.​ Por ejemplo, las conversaciones en el balcón exterior del centro de operaciones de Westworld fueron filmadas en un balcón en el Centro de Diseño del Pacífico mirando hacia el centro, luego los ángulos inversos sobre los hombros de los miembros del reparto fueron disparados a Dead Horse Point, el centro de operaciones estaba situado en la cima de los acantilados escarpados del parque estatal.​ Las escenas del interior del tren fueron creadas montando el conjunto entero del coche del tren en la parte posteriora de un carro plano y conduciendo el carro hacia adelante y hacia atrás adelante Utah State Route 128.

    La impresión 3D de los anfitriones se realizó utilizando casi todos los efectos prácticos, algunos de los cuales fueron mejorados por el equipo de efectos visuales. La serie usó armas reales, aunque por lo general fueron descargadas.​ Por respeto a los actores y extras involucrados, la filmación de desnudos se realizó en un set cerrado, y para escenas de sexo, se utilizó un consultor sexual.

     

    Secuencia de los créditos de apertura

    La secuencia de los créditos de apertura de la serie fue creada por Elastic, el mismo estudio de producción que creó las secuencias de títulos para otras tres series de HBO: RomeCarnivàle y Game of Thrones. Patrick Clair actuó como director creativo de los créditos de apertura,​ que tardó alrededor de cinco semanas para conceptualizar.

    Clair se reunió con Nolan y Joy en febrero de 2016 para discutir su desarrollo. Estaba interesado en su decisión de abordar el punto de vista de la serie desde el de los anfitriones, considerando el resultado como un estudio psicológico inherente. Desde su inicio, la secuencia traduciría los elementos presentes en la serie a través de diseño asistido por computadora. Por ejemplo, una vez que Clair recibió imágenes del compositor Ramin Djawadi de una pianola en movimiento, su contraparte actual, situada en la oficina de producción de Westworld, fue fotografiada y luego reconstruida en imágenes generadas por computadora.​ Nolan también aplicó el instrumento de autoaprendizaje en referencia a la primera novela de Kurt Vonnegut Player Piano. Estaba destinado a representar la primera Máquina de Rube Goldberg para evocar el movimiento humano.​ Clair vio la metáfora detrás de la pianola—”una forma primitiva de robot”—como una exploración de la disparidad entre el hombre y la máquina “que se está creando para ser redundante.” Los anfitriones que estaban bañados en líquido blanco golpearon a Clair como una yuxtaposición de la arena y el grano del género Western con su base en la ciencia ficción. Los motivos de Leonardo da Vinci en Vitruvian Man surgió de la voluntad de Clair para transmitir la representación de Westworld del cuerpo humano desnudo .​ La secuencia también hace referencia al video musical de Chris Cunningham de 1999 para la canción de Björk “All Is Full of Love”, de una manera que Clair llamó “un poco desvergonzada (…) porque adoro a Chris Cunningham y (…) me pareció el lugar perfecto para hacerlo porque estaba tratando con todos los temas correctos y con la estética correcta.”

    La secuencia comienza con la caja torácica de un caballo, junto con un conjunto de anfitriones fabricados por robots industriales. El caballo esquelético se muestra a mitad de galope para subvertir la iconografía de tal representación.​ En cuanto a los esfuerzos de Clair para exponer los paisajes Western en relación con un mundo de robótica, pensó que era sensato que se hiciera dentro de un solo ojo; los cráteres y los valles se forman como el simulacro de un iris.​

    La segunda temporada introduce una nueva secuencia de los créditos de apertura. Se cambian varios elementos de la secuencia original de los créditos, incluidas las imágenes de un caballo que ahora se sustituyen por un bisonte. Otras nuevas imágenes en los créditos incluyen el sombrero negro del Hombre de Negro, una madre acunando a su hijo (que evoca a Maeve) y el cabello de una mujer rubia siendo peinado mecánicamente (representando a Dolores). El score de Ramin Djawadi permanece igual, con las imágenes de la pianola intactas.​

    Música

    Ramin DjawadiRamin Djawadi, el compositor de Westworld (Foto: Wikipedia)

    La música está compuesta por Ramin Djawadi, quien también trabajó con el showrunner Nolan en la serie Person of Interest.​ El tema principal combina el uso de notas de bajo, arpegios de luz y melodía, todo lo cual complementa la idea de un parque de atracciones.​ La banda sonora de la primera temporada se lanzó el 5 de diciembre de 2016.

    Djawadi habló sobre las canciones modernas utilizadas en el show, y ​​dijo: “El show tiene un sentido anacrónico, es un parque temático y, sin embargo, tiene robots, ¿por qué no tener canciones modernas? Y esa es una metáfora en sí misma, envuelto en el tema general del show”,66​ pero le dio crédito a Nolan por haber tenido la idea.67

    Las interpretaciones de piano y cuerdas presentadas en Westworld incluyen “No Surprises” de Radiohead,​ “Fake Plastic Trees”, “Motion Picture Soundtrack” y “Exit Music (For a Film)”, “Black Hole Sun” de Soundgarden, “Paint It Black” de The Rolling Stones,​ “Pine Apple Rag” de Scott Joplin​ y “Peacherine Rag”, “Reverie L.68” de Claude Debussy, “A Forest” de The Cure,​ la versión de The Animals “The House of the Rising Sun”, “Back to Black” de Amy Winehouse y “Something I Can Never Have” de Nine Inch Nails.

     

    (Info: Wikipedia)

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“El manuscrito encontrado en Zaragoza” (Wojciech Has, 1965)


Título original: Rekopis znaleziony w Saragossie

Año: 1965 Duración: 182 min. Polonia Director: Wojciech HasGuión: Tadeusz Kwiatkowski (Novela: Jan Potocki)

Música: Krzysztof Penderecki, Fotografía: Mieczyslaw Jahoda 

Reparto: Zbigniew Cybulski, Iga Cembrzynska, Elzbieta Czyzewska, Gustaw Holoubek, Stanislaw Igar, Joanna Jedryka, Janusz Klosinski

Crítica completa de Rubén Redondo en cinemaldito.com “Tenía algo de miedo, pero finalmente he caído en la tentación. Una tentación por otro lado placentera y gozosa que no es otra que escribir unas líneas sobre mi película polaca favorita de todos los tiempos: El manuscrito encontrado en Zaragoza, dirigida en un ya lejano 1965 por el maestro Wojciech Has. Hablar de una película tan legendaria siempre entraña cierto riesgo. El de caer en la rutinaria exposición de los puntos más fascinantes de una obra que ha hipnotizado a millones de críticos y escribidores especializados en el séptimo arte. Espero no naufragar en el intento, siendo mi objetivo únicamente conseguir llamar la atención de aquellos fanáticos del cine que aún no se hayan atrevido a degustar este dulce imprescindible.”

Wojciech Jerzy Has (Cracovia, Polonia, 1 de abril de 1925 – Łódź, Polonia, 3 de octubre de 2000), cineasta, productor y guionista polaco. Considerado el mejor adaptador de obras literarias al cine de toda la historia del cine polaco y junto con Andrzej Wajda, uno de los más relevantes de la Escuela Polaca de Cine. Casi toda su fama internacional se sustenta en una única e influyente obra, El manuscrito encontrado en Zaragoza. Otra película que recibió un gran reconocimiento fue El sanatorio de la clepsidra, con la que consiguió el Premio del Jurado del Festival de Cannes de 1973 y el Gran Premio en el Festival de Trieste de 1974.

Wojciech Jerzy Has nació en Cracovia en 1925, cuando la ciudad era uno de los focos culturales y artísticos más importantes de toda la Europa Central y Oriental, junto a Viena, Praga y Berlín. Su padre era de origen judío asimilado (debido al fuerte antisemitismo que asoló la Polonia católica y al Imperio ruso, en el primer tercio del siglo XX), pues su apellido Has es la versión germanizada del yídish de Haas (האָז), que significa liebre en este idioma y también en neerlandés. Su madre era católica, aunque Wojciech Jerzy Has no se educó en ninguna religión y, posteriormente, en la Polonia comunista (1945-1989), se declaró siempre agnóstico.

Durante la invasión nazi alemana, Has estudió Comercio en Cracovia durante la II Guerra Mundial, aunque luego ingresó en la Academia de Bellas Artes de su ciudad natal, en la que coincidió con su amigo Andrzej Wajda. Posteriormente, finalizada la guerra, formó parte de la primera promoción del Taller Cinematográfico de Jóvenes, en Cracovia, la primera escuela de cine creada en Polonia. Se diploma en 1946 y en seguida debuta como ayudante de realización de Stanisław Wohl y Józef Wyszomirski, dos realizadores también novatos, en su ópera prima Dwie Godziny (1946), un mediometraje de 68 minutos que no se estrenó hasta 1957.

Enseguida, debuta como realizador en el campo del documental con el mediometraje Ulica Brzozowa (Calle Brzozowa, 1947), escrito por él mismo y realizado junto a Rozewicz, y Harmonia (1948). Trasladado a Varsovia, en el Estudio de Documentales de Varsovia Wojciech Has se lanza a una actividad frenética, dirigiendo once documentales (algunos con fines educativos) en apenas una década. Augusto M. Torres señala Karmik Jankowy (La casita para los pájaros de Jankowy, 1952) como su película más destacada entre las que rodó de no ficción entre los años 1947 y 1955.

En 1957 comienza a rodar la que es su primera película de ficción, Pętla (El nudo, 1958), adaptación literaria de un relato de Marek Hlasko. Pętla es un film excepcionalmente bien rodado por Has en donde ya comienza a desarrollar sus célebres travellings laterales y su creación de lo atmosférico y lo espacial sobre la base de la luz y a la puesta en escena, que por el tema que desarrolla, genuinamente moderno. Esta historia sobre el alcoholismo, la redención y la culpa, cuenta con una fotografía en blanco y negro excepcional del operador Mieczysław Jahoda, unos decorados realistas diseñados por Roman Wołyniec y una música inquietante del compositor Tadeusz Baird, además de una cuidada dirección de actores. Por desgracia Pętla no ha sido comercialmente estrenada en cines españoles, no se ha proyectado en televisión, ni editado en DVD (al menos hasta 2011) por lo que para poder ver el film hay que recurrir a la importación del DVD polaco, en copia restaurada comercializada por Telewizja Polska (la televisión estatal polaca) y editada por tres instituciones que colaboraron en la restauración y digitalización del negativo original: Filmoteka Narodowa, Rekonstruczja Obrazu y OKO Studio Filmowe. Has ya debutó con un film que, además de ser una adaptación de una pieza literaria (una constante en su filmografía) roza con los dedos la categoría ficticia de obra maestra. La película fue mal recibida por las autoridades socialistas polacas, lo que no le impide rodar en seguida su segundo largometraje de ficción, Pożegnania [Adioses, 1958], basado en una obra de Stanislas Dygat, premiado en el Festival Internacional de Locarno y presentado en el de San Sebastián.

Su prestigio como cineasta comunista se cimentaría en Polonia con sus sucesivas películas, escribe y dirige Wspólny pokój (Habitación común, 1960), Rozstanie (Adiós juventud, 1961) y luego dirige Złoto (Oro, 1961) y Jak być kochaną (El arte de ser amado?, 1963), de cuyos guiones no es responsable.

Este bagaje le permitiría acceder a rodar una superproducción como Rękopis znaleziony w Saragossie (El manuscrito encontrado en Zaragoza, 1964), con exteriores filmados en las estribaciones montañosas de Cracovia e interiores en los estudios de Wroclaw y una extraordinaria banda sonora compuesta por Krzysztof Penderecki. La repercusión internacional del film, convertido en auténtica cult movie en Estados Unidos o Francia, entre otros muchos países, no permitió sin embargo que sus obras tuviesen una distribución comercial normal en occidente. Lo que sí le supuso es convertirse en un cineasta especializado en trasladar a la gran pantalla algunas grandes novelas, Szyfry [Los códigos, 1966], drama psicológico que parte de una novela de Andrzej Kijowski, Lalka (La muñeca, 1968), cuyo guion escribe Has a partir de la importante novela homónima de Bolesław Prus.

En 1973 W.J. Has dirige la imprescindible Sanatorium pod klepsydrą (El sanatorio de la clepsidra), en la que parte de un guion propio en el que adapta el libro homónimo de Bruno Schulz. En este filme se aprecia el conocimiento de la cultura judía polaca de la que provenía su árbol genealógico paterno y la del propio escritor adaptado.

Tras una década alejado del cine, Has retoma su personal vertiente creativa con Nieciekawa historia (Una historia sin importancia, 1982), y continúa con Pismak (El escritor, 1985), escrita y dirigida a partir de un cuento de 1885 del escritor ruso Anton Chéjov -traslación fílmica de la ópera de Wladyslaw Terlecki-, Osobisty pamietnik grzesznika… przez niego samego spisany, que también firma Has. Se aproxima a otro de los temas tan queridos por Has, presentes en El sanatorio de la clepsidra, considerada por algunos expertos como su otra obra maestra junto al Manuscrito. Las tribulaciones de Balthasar Kober no fue entendida en su tiempo, quizá por ser una propuesta excesivamente vanguardista en tiempos de conservadurismo artístico y porque mezclaba a partes iguales el surrealismo, la picaresca de corte esotérico y el romanticismo fantástico, tres géneros difíciles de combinar. Por esos años W. J. Has combinó su labor profesional con la dirección de los Estudios Rondo (1987-89) y, sobre todo, la actividad docente, impartiendo clases en la Escuela de Cine de Łódź desde 1974, institución de la que sería decano (1989-1990) y rector (1990-1996).

Durante los años 1990, Jerry García (Grateful Dead), junto con Martin Scorsese y Francis Ford Coppola, financiaron la restauración de una edición sin cortar de El manuscrito encontrado en Zaragoza, un trabajo cuyo resultado quizás no llegó a ver el director y que no pudo ver tampoco Jerry García, fallecido en 1995. En 1997 los dos directores norteamericanos habían relanzado el interés por este cineasta en Occidente gracias a una proyección de la versión íntegra de 3 horas en el Festival de Cine de Nueva York. Finalmente la edición restaurada se editó en DVD en EE.UU. en el año 2001. (WIKIPEDIA)

 

Novela: Manuscrit trouvé à Saragosse” , de Jan Potocki

Manuscrito encontrado en Zaragoza (en francés original, Manuscrit trouvé à Saragosse) es una novela gótica publicada por Jan Potocki en 1804 y 1805, adaptada al cine por el director polaco Wojciech Has en 1965. Construida según la técnica del relato enmarcado o mise en abyme, con historias dentro de historias que se ramifican y entremezclan, al modo de Los cuentos de Canterbury, el Decamerón o Las mil y una noches, la obra fue comenzada en 1797 y publicada en dos partes. El autor trabajó en ella hasta completarla poco antes de su suicidio.

La primera parte del libro, publicada en San Petersburgo, en los años 1804 y 1805, en edición muy limitada, es un relato fantástico, pródigo en prodigios (aunque casi todos ellos acaban recibiendo una explicación racional).

Estructurada en jornadas y ambientada en torno a 1715 tomando el nombre de Zaragoza, su protagonista, Alfonso van Worden, es un oficial de la Guardia Valona que atraviesa Sierra Morena en dirección a Madrid, donde entrará como capitán al servicio de Felipe V.

En el camino, topa con todo tipo de personajes extraordinarios: gitanos, princesas moras, ladrones, endemoniados, miembros de la Inquisición, cabalistas e incluso Ahasvero, el Judío Errante, todos ellos cuentan sus envolventes historias en torno a míticos lugares como la Venta Quemada, la Posada de los Alcornoques, o las orillas del Guadalquivir en Sierra Morena. A veces no les basta una sola jornada: el autor mezcla dos historias, las alterna y ambas avanzan con gran fuerza durante varios episodios.

Se trata de una estructura laberíntica constante, de clima sorprendente. En la primera jornada, asistimos a una levísima escena lésbica -e incestuosa- entre dos hermanas, Emina y Zibedea, capaces de compartir «un marido para las dos» y de amar a un cristiano, y asistimos a un hecho inesperado: Alfonso goza del amor, duerme profundamente y amanece entre los dos ahorcados: los hermanos del bandolero Zoto.

Todos estos personajes y sus historias van tejiendo en torno a Van Worden una compleja red de engaños, que ponen a prueba su temple y cordura. Finalmente, Van Worden descubre que cuantos le rodean están al servicio de un misterioso personaje, el jeque de los Gomélez, que ha decidido someterle a una compleja prueba iniciática.

La segunda parte de la obra, Avadoro (una historia española), vio la luz en 1813, en París y de la mano del editor Gide Fils. Los elementos fantásticos se atenúan en favor de intrigas cortesanas y amorosas, y reproducía algunos capítulos ya publicados en la primera parte.

En 1815 Gide Fils reimprimió el texto de la primera parte, ahora con el título Les dix Journées de la Vie d’Alphonse van Worden, con algunos cambios y adiciones sobre la edición original.

Durante el siglo XIX, la novela cayó en el olvido, hasta tal punto que algunos de sus escasos lectores, como Gérard de Nerval y Washington Irving, cedieron a la tentación de plagiar algunas de sus historias y presentarlas como propias. Charles Nodier también plagió otros fragmentos del Manuscrito, que publicó con su firma en La Presse en 1841 y 1842, un hecho que mereció un sonado juicio por plagio. Otros relatos de Potocki aparecieron por esos años en la prensa, atribuidos a un compañero de la masonería, Cagliostro. La novela fue traducida por primera vez al polaco, lengua natal de Potocki, en 1847 por Edmund Chojecki.

La edición crítica de Kukulski y la de Caillois. En 1956, el académico polaco Leszek Kukulski —el más importante especialista en Potocki— publicó en Varsovia una edición crítica del libro, reconstruido a partir de las cerca de mil páginas del texto en francés.

Dos años después, en 1958, Roger Caillois publicaba en París a través de Éditions Gallimard Les dix Journées de la Vie d’Alphonse van Worden, una edición no completa de la novela, que reproduce el texto impreso por primera vez en San Petersburgo, completándolo con la Histoire de Rébecca, con la que termina la edición de París de 1813. La denominada edición de Caillois contiene también tres relatos tomados de Avadoró, histoire espagnole, es decir de la segunda parte de la obra, publicada por Gide Fils en 1813.

Caillois preparaba una antología mundial de la literatura fantástica a principios de la década del cincuenta. Según cuenta, su desconocimiento del idioma polaco hizo que pidiera a un amigo que revisara una antología polaca de relatos fantásticos editada por Julien Tuwim en 1952. El amigo de Caillois le recomendó un cuento titulado Historia del comendador de Toralva, perteneciente a la traducción polaca de Kukulski. El cuento le pareció a Caillois un plagio de un relato muy conocido de Washington Irving, El gran prior de Menorca, con la salvedad de que Irving publicó su relato en 1855, y Potocki había muerto en 1815.

A partir del trabajo de Caillois se despertó cierto interés por Potocki; comenzó a reunirse un conjunto de pruebas, manuscritos, copias tempranas y traducciones polacas de ese trabajo que su autor había publicado parcialmente en una tirada de sólo cien ejemplares.

En lengua castellana, la editorial Minotauro publicó en 1967 una versión adaptada por el argentino José Bianco a partir de la edición francesa de Caillois. En 1970, se publicó una edición abreviada de unas 300 páginas en español, por Alianza Editorial, con introducción de Julio Caro Baroja y traducción y notas de José Luis Cano, que ha sido reeditada en 2008. La primera edición completa se publicó en 1989 de la mano de René Raddrizani, que lo publicó en la casa parisina José Corti.

Las nuevas ediciones de Editorial Valdemar y de Pre-Textos, recogen 66 jornadas y cerca de mil páginas. Estas dos ediciones recientes presentan ligeras variaciones en la traducción. La de Valdemar ha sido vertida por Mauro Armiño (traductor, entre otros, de Rosalía de Castro y de Marcel Proust), y la de Pre-Textos por César Aira, que recoge el relevo de la edición de Minotauro.

Nueva versión inédita de la obra descubierta en 2002. El Acantilado edita en 2009 una versión de 1810 basada en un manuscrito hasta hace poco inédito de la obra, descubierto en Poznan en 2002 por Dominique Triaire y François Rosset, que ofrece una visión notablemente distinta de la precedente, preparada a partir de fragmentos: más terminada, quizá más melancólica, pero en cualquier caso mucho más lista para su edición. Resulta, pues, que según este nuevo manuscrito hubo, por lo menos, dos versiones de la obra.1 Está traducida por José Ramón Monreal y editada por François Rosset y Dominique Triaire. También cuenta con un prólogo de Marc Fumaroli. (WIKIPEDIA)

 

 

 

 

“ALICE GUY” (Por Begoña Eguskiza)


ALICE GUY. Nacida como Alice Ida Antoinette en Sant-Mandé (París) un 1 de julio de 1873. Entonces su familia vivía en Chile donde su padre Emile Guy dirigía una editorial de éxito, Mariette la madre regresó a Francia expresamente para asegurarse que su quinto descendiente naciese en Francia. Alice pasó varios años con su abuela materna , regresaron a Chile por breve espacio de tiempo, para tiempo después volver con sus hermanas a estudiar a un colegio de monjas cerca de la frontera Suiza.

Entonces su padre murió repentinamente y Alice tuvo que dejar el colegio y se formó como mecanógrafa y taquígrafa. Lo que parecía ser un contratiempo, sería su historia de amor con el séptimo arte.
 
Alice Guy
En 1894 con 21 años entró a trabajar como secretaria en la Compañía Fotográfica de León Gaumont (París 10 de mayo de 1864 – Sainte- Maxime , 9 de agosto de 1946) un pionero de la industria del cine, se dedicaba a fabricar equipos fotogràficos. En 1895 Gaumont se asoció con tres nombres ilustres de la época: Gustavo Eiffel, el astrónomo y geógrafo Joseph Vallot y con el banquero y filántropo Henry Vesnier.
El 22 de marzo de ese mismo año, Louis Lumiere invitó a León a una demostración privada de cómo funcionaba su nuevo “invento”, una cámara que hacía que las fotos fijas se convirtieran en movimiento. Alice acompañó a Gaumont en calidad de secretaria y salió entusiasmada de la demostración y le dio que pensar. Contaba Alice en una entrevista: “Pensé que podría hacerlo mejor.  Revistiéndome  de valentía propuse tímidamente al señor Gaumont que pensaba escribir 1 o 2 historias cortas para que mis amigos se divirtieran. Si el señor Gaumont hubiera podido ver entonces lo que pasó con mi tímida propuesta, probablemente yo nunca hubiera obtenido el si . Mi juventud, la falta de experiencia. Mi sexo, todo conspiraba en mi contra.”
 Después de la demostración Gaumont perfeccionó el “invento” sin saber muy bien para qué, y Alice le sugirió animar las imágenes del cinematógrafo con pequeñas historias, Gaumont, sin ver lo que Alice estaba viendo, le dejó las instalaciones , siempre y cuando no interfiriera en su trabajo de secretaria. Así que un domingo del año de 1895 empezó la aventura cinematográfica de Alice Guy.
Ya en 1896 tenía su primera película y la primera película narrativa de la historia del cine: “La Fee aux Chox” (El hada de los repollos).
El invento de Alice tuvo mucho éxito, aunque Gaumont le dijera “Como tú quieras pero no es más que un juguete para niños.”, y subieron las ventas con  los equipos de la empresa .
Desde ese momento  dejó de ser secretaria para hacerse cargo de la nueva productora.
Llegó a producir dos cortos a la semana hasta que fue nombrada supervisora de los demás directores de la compañía.
Filmó títulos como  “Los ladronzuelos del bosque verde”, “La momia”, “El correo de Lyon”, “Fausto y Mefisto” o “Jesús ante Pilatos”, esta última con numerosos extras.
Dirigía, buscaba localizaciones, supervisaba el trabajo de sus colaboradores, elegía los elencos, compraba guiones. Louis Feuillade (con más de 500 títulos en su filmografía) era un joven periodista que le vendía a 100 francos dos o tres guiones a la semana y “Fantomas” de Feuillade, gracias a Alice,  comenzó su carrera hacia la fama. “The Life of Christ” con más de 300 extras, nunca visto hasta ese momento.
“The Call of The Rose” y “La Fee Printemps” de 1902, considerada la primera película en color.
Fue la primera en usar efectos especiales, la doble exposición del negativo, técnicas de retoque, la càmara lenta y ràpida y el movimiento hacia atrás.
En usar grabaciones con gramófono al mismo tiempo que las imágenes y productora de las primeras películas en color.
En 1905 rodó en España un documental: ” L’Espagne”.
Fue la primera mujer que usó el término feminista en el cine, habló sobre la sociedad machista y patriarcal en “Les resultats du femminisme” de 1906.
En 1906 conoce a un camarógrafo inglés, Herbert Blache,  que trabajaba en la compañía de Gaumont en Londres, y se casaron. Un año más tarde se trasladaron a Estados Unidos donde Herbert trabajaría en la Gaumont New York. Alice dejaría su trabajo durante tres años para criar a su primera hija Simone. Aburrida de la vida casera, vuelve al trabajo.
En 1907 fundó con su dinero, la “Solax Film Co.”  situado en Flushings Queens, cuando todavía Hollywood no existía. Más tarde trasladó los estudios a New Jersey. Durante esos años trabajó en equipo con su marido, él se encargaba de la producción y la fotografía y ella de la dirección artística.
Entre 1910 y 1914 produjo 325 películas de todos los géneros. Historias de hadas, fantàsticas, comedias, dramas, melodramas sociales, policiacas, religiosas, bélicas, mitológicas y algún western.
Alrededor de 50 , fueron dirigidas por ella. Compitió con Hollywood como directora y productora independiente.
A este respecto escribió un artículo , “Woman’s Place in Photoplay Production”, donde decía que el cine como industria comercial se estaba vulgarizando y que era importante el acceso de más mujeres a la producción.
A partir de 1919 fue imposible competir con Hollywood y comenzó a trabajar para otras compañías, fue el principio del fin de Solax Film Co. como productora independiente. En 1922 regresó con sus hijas a Francia tras divorciarse y jamás volvió a trabajar en el cine.
En 1940 Alice se dio cuenta que en el registro histórico de la industria del cine no incluía su nombre.
En 1953 el gobierno francés le otorga La Legión de Honor.
Ya en 1964 volvió con sus hijas a Estados Unidos para recuperar sus películas. Fue a la Biblioteca del Congreso a los Archivos a las Filmotecas y no encontró casi ninguna de sus películas y las que encontró figuraba como director otro nombre.
Según Louise Heck , autora de Women Filmmakers: A Critical Reception, comenta : “Ella se anticipó y dijo que los créditos de dirección y producción de sus películas, serán falsamente atribuidos a alguno de sus colaboradores” Como así sucedió.
Dirigió, produjo y supervisó más de 600 películas. Fue la primera persona que dirigió una película donde todo el elenco era negro. Jugó un papel clave en el desarrollo de las películas sonoras, aspecto siempre ignorado. Fue propietaria y directora de su propio estudio de cine. Hasta la fecha sigue siendo la única mujer con su propio Estudio Cinematogràfico. Murió en New Jersey a los 95 años. En ningún periódico apareció su esquela.

“A Snake of June” (Shinya Tsukamoto, 2002)


A Snake of June (Japanese: 六月の蛇, Rokugatsu no hebi) Japanese movie directed by Shinya Tsukamoto. His seventh film, it is notable for its striking monochrome blue cinematography tinted in post production. It won the Kinematrix Film Award and the San Marco Special Jury Award at the Venice Film Festival.

TÍTULO ORIGINALRokugatsu no hebi / A snake of June
AÑO: 2002 PAÍS: Japón
DIRECCIÓN: Shinya Tsukamoto
GUIÓN: Shinya Tsukamoto
PRODUCCIÓN: Kaijyu Theater Co. Ltd
MÚSICA: Chu Ishikawa
MONTAJE: Zenya Ohara, Shinya Tsukamoto
ACTORES: Asuka Kurosawa, Yuji Kotari, Shinya Tsukamoto, Yukino Asai, Hira Dezu, Koichi Fujita, Takehiro Fukuhara, Tomoya Fukumoto
FOTOGRAFÍA: Shinya Tsukamoto
DURACIÓN: 77 m.
Proyectada en la 63 edición del Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián dentro de la sección “nuevo cine independiente japonés 2000-2015”.

by Tom Mes Fuente: http://www.midnighteye.com/reviews/a-snake-of-june/

Shinya Tsukamoto’s films have always focused on the family unit, or more precisely on the unity between couples. Most of the attention for his work has concentrated understandably but somewhat disproportionately on the sci-fi / cyberpunk elements, the theme of bodily mutation, and the similarities with the works of Davids Cronenberg and Lynch. Although these are certainly major factors, at heart Tsukamoto’s films consistently deal with relationships and the influences that threaten them.

Rarely was this more apparent than in A Snake of June, which recycles the love triangle premise of his earlier films Gemini and Tokyo Fist, but dispenses with the horror/fantasy overtones of the former and the bloodspurting brutality of the latter. This is the story of a couple first and foremost, not a genre film that happens to have a couple as its subject.

The couple in question are Rinko (stage actress Asuka Kurosawa) and Shigehiko (novelist Yuji Kotari), whose physical mismatch (she a lithe beauty, he an overweight, balding, obsessive-compulsive neurotic) is reflected in the complete lack of intimacy between them. They connect as human beings, but they live more like friends than as lovers and lead nearly independent lives. Both seem comfortable with this coexistence, but the desires that lurk beneath its surface are brought out with the introduction of a third element into the equation. When Rinko receives a package of candid photographs of herself masturbating and the sender (played by Tsukamoto himself) contacts her with the threat of exposing them to her husband, she submits herself to the anonymous voyeur’s sexual games. If she wishes to get hold of all the negatives and prints, Rinko is to comply with a set of assignments that place her constantly on the borderline between humiliation and pleasure – the voyeur knows exactly what Rinko’s personal erotic fantasies are and makes her act them out one by one.

Although such material lends itself all too easily to an exploitative approach, Tsukamoto keeps his attention rigorously focused on the characters and their emotional responses. A Snake of June never once feels like exploitation – or worse, pornography – and the only explicitness on offer here is in the actors’ faces rather than other parts of their anatomy. The film is a character piece, one that despite its intimate point of view manages to incorporate the characters’ position in society. In order to confront her with what she’s allowing herself to hide, the blackmailer forces her to play out her innermost desires in public. He coerces her into breaking a barrier, to behave in a way that requires her to violate society’s rules of how she’s expected to behave. Because it’s those rules that have allowed her to continue living in denial of her own desires, to co-exist instead of sharing her life with her husband.

It’s in this aspect that the film reveals hidden depths in its attitude towards the female protagonist. Although the premise would suggest a very male perspective, with the woman taking the role of object of sexual gratification, the real gratification and liberation are Rinko’s. Like the female protagonist of Tokyo Fist, she develops into a self-aware and self-confident individual in touch with her own personality, a woman who doesn’t let the rules imposed on her by her environment decide how she should live her life. Without going so far as to call A Snake of June feminist, Tsukamoto’s film displays a degree of empathy with its female protagonist that unfortunately is still all too rare in the male-dominated world of cinema (it won the Special Jury Prize in Venice, where the feminist French director Catherine Breillat was one of its staunchest supporters).

Despite doing away with the genre-based surface that has been the most eye-catching element of the director’s previous work, stylistically this is instantly recognisable as a Tsukamoto film. Shot in blue-tinted monochrome, the images are as beautiful and the photography and editing as intense as any of his earlier efforts. Although he places more emphasis than ever on the human form as is – untainted by mutation or mutilation – the director does occasionally add some of his beloved biomechanical imagery. Though seemingly at odds with the realistic tone of the film, these moments this time round have a more symbolic function, serving as the visualisation of the characters’ emotions. These fantasy scenes, only two in number, are both experienced by Shigehiko, whose obsession allows for such delusions: his discovery of a huge glob of filth in the sink (an exaggerated, almost mutant version of what most of us hesitantly scrape from the drain on occasion) is what forms the catalyst for these nightmarish visions.

With its focus on human beings and organic life (also present in the incessant downpour that forms the backdrop to Rinko’s sexual reawakening – see our interview with the director for more on the function of rain in the film), rather than machinery and physical deformations, A Snake of June might well be the thematic culmination of all of Tsukamoto’s past work. For the same reason it might also prove to be the most accessible point of entry for the uninitiated, illustrating that an artist doesn’t necessarily have to compromise his message in order to communicate with a larger audience.