Documental: “Listen to Me Marlon” (Stevan Riley, 2015)

Marlon Brando reveals himself posthumously as he never publicly did in life in the remarkable documentary Listen to Me Marlon. Making marvelously creative use of a stash of audio recordings the actor privately made plus a striking amount of unfamiliar and never-before-seen photos and film footage, British documentarian Stevan Riley delivers an enthrallingly intimate look at the brilliant, troubled and always charismatic screen legend. This Showtime presentation would be a good bet for limited theatrical exposure before it settles into home-screen eternity.

Interviews with Brando were almost always an extension of his acting in which he would play whatever role suited him for the occasion — earnest, playful, difficult, flirty or droningly cause-specific. In his later years, he scarcely gave interviews at all. What he did do, however, was record about 200 hours of frank talk on all manner of subjects, including much reflective, philosophical and personal commentary that is absent any of the b.s. or cagey hide-and-seek aspects of many of his on-the-record utterances. (The filmmaker also tracked down every TV and radio interview the actor ever gave as well as private recordings journalists had made.)

Brando’s estate initiated the project, but there isn’t the slightest trace of cosmetic cover-up for appearances’ sake on any score. (The only things “false” here are the shots of the interior of Brando’s Mulholland Drive home, which was torn down some years ago; duplicate versions of some rooms were re-created on a soundstage.) What comes across is a man with identifiable and specific psychological issues, which, thanks to both extensive psychotherapy and even self-hypnosis, he was able to articulate better than anyone else could. Yet he was never able to conquer other demons and baggage. His frequently voiced contempt for acting and many of his films is evident but, refreshingly, so is his deep commitment to certain roles and his extensive preparation for films he took seriously, including later ones such as The Godfather, Last Tango in Paris and Apocalypse Now.

The film’s title refers to the admonition by one side of Brando to another in the recordings. A fascinating choice Riley makes is to occasionally employ a digitized 3D image of Brando’s head that the actor had made for himself in the 1980s with software called Cyberware. Technicians animated this so that it looks like a stylized line drawing of Brando is speaking the words we hear him say. It’s the closest we’ll probably ever have of an impression of the man risen from the grave and addressing us in his own words.

With the help of the private photos, Brando’s troubled, mostly rural Midwestern youth is sharply evoked. His formative period was marked by his mother’s alcoholism and early exit and by his father’s abusiveness and variable measures of disdain, which continued through his son’s massive success. The psychological problems that ran through his son’s entire life, as presented here, and that surely impacted his own behavior toward his 12 children, seem almost entirely traceable to his father.

He admits he felt “dumb” and had “a great sense of inadequacy due to my lack of education” but also a tremendous “curiosity about other people” that fed directly into his acting. The crucial mentor (among other things) for him was his acting teacher Stella Adler, whose strong personality comes through vividly in some terrific clips, as does New York City itself in wonderfully unfamiliar late ’40s snippets. If he hadn’t become an actor—he says it was the first thing he ever did that he was good at—Brando speculates that “I could have been a con man.”

Other rare footage shows him learning the life of a paraplegic for his first film, The Men; behind the scenes in hitherto unknown color shots of the making of On the Waterfront; seriously rattled by an unruly crowd at the premiere of Guys and Dolls; and a subtext-filled TV appearance with his father, after which Brando says he never wanted his father anywhere near his first son, Christian.

This arc is sadly completed later on in connection with the tragic deaths of his first two children, Christian and Cheyenne — the former served time for killing the latter’s boyfriend at their father’s home. The trial was a terrible ordeal for Brando, although worse was to come with Cheyenne’s suicide and Christian’s early death.

Fotograma de “Listen to Me Marlon” (Stevan Riley, 2015)

Stating that he was drawn to Mutiny on the Bounty because of his “contempt for authority,” he quickly thereafter began his long, bumpy career as a social activist, first with the civil rights movement in the South, then with Native Americans. His escape was Tahiti and his private island there, places that brought out his most effusive, unreserved enthusiasm. Frustratingly, there’s no mention of Brando’s single, enduringly fascinating directorial outing, One-Eyed Jacks.

From what he says here, he took his work in The Godfather very seriously, not as just a needed payday. By contrast, he resented that Bernardo Bertolucci “stole some things” from him on Last Tango, then also claims that on Apocalypse Now, “I rewrote the entire script.”

Ultimately, Brando’s story, as told by the man himself, is moving, poignant, troubling and sad. Due superficially to nothing more than the tremendous girths they both achieved in their later years, it’s easy to draw a certain comparison between Brando and another great artist of the approximate period and same geographic origins about whom there similarly lingers the feeling that he achieved less than he might have—Orson Welles. To an armchair psychologist, it seems that what perhaps held back both men the most was a lack of discipline quite likely fostered by untidy, vagabond childhoods.

But, while various aspects of his life are indisputably sad, Listen to Me Marlon is a tonic for Brando fans due to its delivery of such an unexpectedly fulsome, intimate and fresh portrait of a character more complex than any he ever played.


Coloquio en DOCUMENTAMADRID con Katharina Otto-Bernstein sobre “Mapplethorpe: Look at the Pictures”



Fotos y Videos: Pedro A. Martín



Director: Fenton Bailey, Randy Barbato
Fotografía: Huy Truong, Mario Panagiotopoulos
Montaje: Langdon F. Page
Música: David Benjamin Steinberg
Producción: Film Manufacturers Inc. & World of Wonder
Productores: Fenton Bailey, Randy Barbato, Katharina Otto-Bernstein, Mona Card

Katharina Otto-Bernstein

La única cosa más extravagante que las fotografías de Robert Mapplethorpe fue su vida. Estaba obsesionado con la magia y, en particular, con lo que veía como la magia de la fotografía y la magia del sexo, llegando a perseguir ambas con insaciable dedicación.
«Mira las fotos». Con estas palabras, Jesse Helms denunció la obra de Robert Mapplethorpe. Y eso es precisamente lo que hace el primer y más completo documental sobre el artista veinticinco años después de su muerte. Los aclamados Fenton Bailey y Randy Barbato dirigen este documental, para el cual han contado con acceso ilimitado sin precedentes a los archivos y la obra del fotógrafo.
Mapplethorpe pudo haber tenido cientos de amantes, pero sólo unas pocas relaciones importantes, la mayor parte de las cuales está presente en el filme. Los recuerdos de su hermana mayor, Nancy, y de su hermano menor, Edward, completan este retrato de Robert. Artista y fotógrafo por derecho propio, Edward trabajó como asistente de su hermano durante muchos años y fue el responsable de gran parte de la excelencia técnica de su obra.
Pero la voz más importante en el documental es la del propio Mapplethorpe. Gracias a una serie de entrevistas redescubiertas, él es nuestro narrador. Completamente sincero y sorprendentemente honesto, habla sobre su vida, sus amores y su trabajo. Todo visto a través de sus ojos; un todo sin fisuras, una completa obra de arte.
El resultado es un retrato del artista que dedicó su vida no sólo a convertirse en tal, sino también a hacer de su medio elegido, la fotografía, un arte valorado y respetado. Y lo consiguió.
Su última muestra, The Perfect Moment (El momento perfecto), planeada por él mismo ya enfermo de sida, resultó ser una bomba de relojería que hizo estallar una guerra cultural de gran repercusión aún hoy en día. Desde su muerte, la Fundación Robert Mapplethorne (valorada en cientos de millones de dólares), ha hecho donaciones multimillonarias que han permitido a museos, desde el Guggenheim al Getty, montar y mantener colecciones de fotografía.

Coloquio en DOCUMENTAMADRID con Maya Goded y Martha Sosa sobre “Plaza de la soledad ”



Fotos y Videos: Pedro A. Martín

Directora: Maya Goded
Fotografía: Maya Goded
Montaje: Valentina Leduc
Sonido: Miguel Hernández, Lena Esquenazi
Música: Jacobo Lieberman, Leonardo Heiblum
Productores: Martha Sosa, Eamon O’Farrill, Mónica Lozano

Maya Goded

Plaza de la Soledad es una película sobre Carmen, Lety, Raquel y Esther, cuatro mujeres fuertes, mayores de cincuenta años. Todas quieren romper el círculo vicioso que inició con el abuso y el abandono que sufrieron a edades muy tempranas. Simplemente todas ellas aspiran a tener una mejor vida. La película sigue su búsqueda por encontrar el amor verdadero, sanar viejas heridas y muestra su capacidad para transformarse.
Vemos a través de sus ojos las cicatrices que la violencia sexual, la pobreza y el rechazo han dejado en ellas, pero también somos testigos de cómo su búsqueda por el amor les de fuerza para seguir adelante.
Todas estas mujeres consideran que esta película las empodera. Que de alguna manera las ayuda a confrontar su pasado, aceptar su presente y a pensar en su futuro con una nueva luz. También la ven como una oportunidad de abrir sus secretos a sus hijos. Todas saben por experiencia que la historia tiende a repetirse y desean liberar a sus hijas y nietas del destino que ellas han tenido.
¿Las personas que viven situaciones de tanta marginalidad tienen la posibilidad de mejorar sus condiciones de vida? ¿Y si no, qué es esa fuerza que las mantiene para seguir adelante? Independientemente de lo que estas mujeres logran, al final, esta historia es sobre sus impresionantes habilidades para sobrevivir.

IMG_6044Martha Sosa


Coloquio en DOCUMENTAMADRID 2016 con Friedrich Moser y Bill Binney sobre “A Good American”



Foto y Videos: Pedro A. Martín

Viernes 29 – 18:00 CINETECA – SALA AZCONA

Director: Friedrich Moser
Guión: Friedrich Moser
Fotografía: Friedrich Moser
Montaje: Kirk von Heflin, Jesper Osmund
Música: Christopher Slaski, Guy Farley
Producción: blue+green communication
Productores: Friedrich Moser, Michael Seeber

En la foto Bill Binney y Friedrich Moser

Tras el final de la Guerra Fría, el mejor descifrador de códigos que jamás haya tenido Estados Unidos, junto con un pequeño equipo de la NSA (Agencia de Seguridad Nacional), comienza a desarrollar un revolucionario programa de vigilancia. Éste es capaz de recoger cualquier señal electrónica del mundo, filtrarla por objetivos, proporcionar resultados en tiempo real y todo ello sin invadir la privacidad. El programa es perfecto, excepto por un detalle: es demasiado barato. De ahí que la dirección de la NSA, deseosa de recaudar impuestos, decida abandonar el programa (justo tres semanas antes del 11-S).
Después del ataque, cuando la NSA empieza a vigilar en masa a los americanos, el descifrador de códigos abandona la agencia. Un amigo toma el mando y se encarga de reavivar el programa a principios de 2002, para una prueba en contraste con la mayor recopilación de información de la NSA, basada en los datos conocidos antes del 11-S. Tan pronto como pone en marcha el programa, los terroristas aparecen al instante en la pantalla del ordenador. La respuesta de la NSA es parar por completo el programa. Esta es la historia de Bill Binney, un programa llamado ThinThread y cómo la alternativa perfecta para la vigilancia de masas fue descartada por la NSA por dinero.
A Good American cuenta una de las historias más importantes de la sociedad de la información y disecciona el funcionamiento interno y los lazos de una red político-económica cuya magnitud se extiende más allá de América.

Coloquio en DOCUMENTAMADRID 2016 con Pieter-Jan De Pue sobre “The Land of the Enlightened”



Video: Pedro A. Martín

Video: Pedro A. Martín

Viernes 29 – 16:00 CINETECA – SALA AZCONA


Director: Pieter-Jan De Pue
Guión: Pieter-Jan De Pue, David Dusa
Fotografía: Pieter-Jan De Pue
Montaje: David Dusa, Stijn Deconinck
Sonido: Robert Flanagan
Música: Denis Clohessy
Producción: Savage Film, Fastnet Films, Submarine, Gebrueder Beetz Filmproduktion, Eyeworks
Productores: Bart Van Langendonck

En esta mezcla perfecta de ficción y documental, vivimos un impresionante viaje cinematográfico hasta la belleza del Afganistán afligido por la guerra. Filmado a lo largo de siete años en un evocador formato de 16mm, el director novel Pieter-Jan De Pue ofrece una imagen extravagante e inolvidable del Afganistán que ha quedado para la generación venidera. Mientras los soldados americanos se preparan para marcharse, seguimos a De Pue en las profundidades de esta tierra oculta donde los jóvenes forman salvajes bandas para controlar las rutas comerciales, vender explosivos de las minas sobrantes de la guerra y trepar a tanques oxidados como si de un parque infantil se tratara (escribiendo las nuevas reglas de la guerra a partir del duro panorama que les ha quedado).
La evocadora y magnífica película de De Pue confronta la belleza visceral y la dureza de la supervivencia, actuando como testimonio de la viva innovación de la infancia y la extrema resiliencia de un pueblo y un país.