Se celebra en Huesca entre el 22 y 26 de marzo.

Este año el cartel es obra de la diseñadora Susana Abad

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“A Snake of June” (Shinya Tsukamoto, 2002)

A Snake of June (Japanese: 六月の蛇, Rokugatsu no hebi) Japanese movie directed by Shinya Tsukamoto. His seventh film, it is notable for its striking monochrome blue cinematography tinted in post production. It won the Kinematrix Film Award and the San Marco Special Jury Award at the Venice Film Festival.

TÍTULO ORIGINALRokugatsu no hebi / A snake of June
AÑO: 2002 PAÍS: Japón
DIRECCIÓN: Shinya Tsukamoto
GUIÓN: Shinya Tsukamoto
PRODUCCIÓN: Kaijyu Theater Co. Ltd
MÚSICA: Chu Ishikawa
MONTAJE: Zenya Ohara, Shinya Tsukamoto
ACTORES: Asuka Kurosawa, Yuji Kotari, Shinya Tsukamoto, Yukino Asai, Hira Dezu, Koichi Fujita, Takehiro Fukuhara, Tomoya Fukumoto
FOTOGRAFÍA: Shinya Tsukamoto
Proyectada en la 63 edición del Festival Internacional de Cine de Donostia-San Sebastián dentro de la sección “nuevo cine independiente japonés 2000-2015”.

by Tom Mes Fuente: http://www.midnighteye.com/reviews/a-snake-of-june/

Shinya Tsukamoto’s films have always focused on the family unit, or more precisely on the unity between couples. Most of the attention for his work has concentrated understandably but somewhat disproportionately on the sci-fi / cyberpunk elements, the theme of bodily mutation, and the similarities with the works of Davids Cronenberg and Lynch. Although these are certainly major factors, at heart Tsukamoto’s films consistently deal with relationships and the influences that threaten them.

Rarely was this more apparent than in A Snake of June, which recycles the love triangle premise of his earlier films Gemini and Tokyo Fist, but dispenses with the horror/fantasy overtones of the former and the bloodspurting brutality of the latter. This is the story of a couple first and foremost, not a genre film that happens to have a couple as its subject.

The couple in question are Rinko (stage actress Asuka Kurosawa) and Shigehiko (novelist Yuji Kotari), whose physical mismatch (she a lithe beauty, he an overweight, balding, obsessive-compulsive neurotic) is reflected in the complete lack of intimacy between them. They connect as human beings, but they live more like friends than as lovers and lead nearly independent lives. Both seem comfortable with this coexistence, but the desires that lurk beneath its surface are brought out with the introduction of a third element into the equation. When Rinko receives a package of candid photographs of herself masturbating and the sender (played by Tsukamoto himself) contacts her with the threat of exposing them to her husband, she submits herself to the anonymous voyeur’s sexual games. If she wishes to get hold of all the negatives and prints, Rinko is to comply with a set of assignments that place her constantly on the borderline between humiliation and pleasure – the voyeur knows exactly what Rinko’s personal erotic fantasies are and makes her act them out one by one.

Although such material lends itself all too easily to an exploitative approach, Tsukamoto keeps his attention rigorously focused on the characters and their emotional responses. A Snake of June never once feels like exploitation – or worse, pornography – and the only explicitness on offer here is in the actors’ faces rather than other parts of their anatomy. The film is a character piece, one that despite its intimate point of view manages to incorporate the characters’ position in society. In order to confront her with what she’s allowing herself to hide, the blackmailer forces her to play out her innermost desires in public. He coerces her into breaking a barrier, to behave in a way that requires her to violate society’s rules of how she’s expected to behave. Because it’s those rules that have allowed her to continue living in denial of her own desires, to co-exist instead of sharing her life with her husband.

It’s in this aspect that the film reveals hidden depths in its attitude towards the female protagonist. Although the premise would suggest a very male perspective, with the woman taking the role of object of sexual gratification, the real gratification and liberation are Rinko’s. Like the female protagonist of Tokyo Fist, she develops into a self-aware and self-confident individual in touch with her own personality, a woman who doesn’t let the rules imposed on her by her environment decide how she should live her life. Without going so far as to call A Snake of June feminist, Tsukamoto’s film displays a degree of empathy with its female protagonist that unfortunately is still all too rare in the male-dominated world of cinema (it won the Special Jury Prize in Venice, where the feminist French director Catherine Breillat was one of its staunchest supporters).

Despite doing away with the genre-based surface that has been the most eye-catching element of the director’s previous work, stylistically this is instantly recognisable as a Tsukamoto film. Shot in blue-tinted monochrome, the images are as beautiful and the photography and editing as intense as any of his earlier efforts. Although he places more emphasis than ever on the human form as is – untainted by mutation or mutilation – the director does occasionally add some of his beloved biomechanical imagery. Though seemingly at odds with the realistic tone of the film, these moments this time round have a more symbolic function, serving as the visualisation of the characters’ emotions. These fantasy scenes, only two in number, are both experienced by Shigehiko, whose obsession allows for such delusions: his discovery of a huge glob of filth in the sink (an exaggerated, almost mutant version of what most of us hesitantly scrape from the drain on occasion) is what forms the catalyst for these nightmarish visions.

With its focus on human beings and organic life (also present in the incessant downpour that forms the backdrop to Rinko’s sexual reawakening – see our interview with the director for more on the function of rain in the film), rather than machinery and physical deformations, A Snake of June might well be the thematic culmination of all of Tsukamoto’s past work. For the same reason it might also prove to be the most accessible point of entry for the uninitiated, illustrating that an artist doesn’t necessarily have to compromise his message in order to communicate with a larger audience.

Coloquio en DOCUMENTAMADRID con Katharina Otto-Bernstein sobre “Mapplethorpe: Look at the Pictures”



Fotos y Videos: Pedro A. Martín



Director: Fenton Bailey, Randy Barbato
Fotografía: Huy Truong, Mario Panagiotopoulos
Montaje: Langdon F. Page
Música: David Benjamin Steinberg
Producción: Film Manufacturers Inc. & World of Wonder
Productores: Fenton Bailey, Randy Barbato, Katharina Otto-Bernstein, Mona Card

Katharina Otto-Bernstein

La única cosa más extravagante que las fotografías de Robert Mapplethorpe fue su vida. Estaba obsesionado con la magia y, en particular, con lo que veía como la magia de la fotografía y la magia del sexo, llegando a perseguir ambas con insaciable dedicación.
«Mira las fotos». Con estas palabras, Jesse Helms denunció la obra de Robert Mapplethorpe. Y eso es precisamente lo que hace el primer y más completo documental sobre el artista veinticinco años después de su muerte. Los aclamados Fenton Bailey y Randy Barbato dirigen este documental, para el cual han contado con acceso ilimitado sin precedentes a los archivos y la obra del fotógrafo.
Mapplethorpe pudo haber tenido cientos de amantes, pero sólo unas pocas relaciones importantes, la mayor parte de las cuales está presente en el filme. Los recuerdos de su hermana mayor, Nancy, y de su hermano menor, Edward, completan este retrato de Robert. Artista y fotógrafo por derecho propio, Edward trabajó como asistente de su hermano durante muchos años y fue el responsable de gran parte de la excelencia técnica de su obra.
Pero la voz más importante en el documental es la del propio Mapplethorpe. Gracias a una serie de entrevistas redescubiertas, él es nuestro narrador. Completamente sincero y sorprendentemente honesto, habla sobre su vida, sus amores y su trabajo. Todo visto a través de sus ojos; un todo sin fisuras, una completa obra de arte.
El resultado es un retrato del artista que dedicó su vida no sólo a convertirse en tal, sino también a hacer de su medio elegido, la fotografía, un arte valorado y respetado. Y lo consiguió.
Su última muestra, The Perfect Moment (El momento perfecto), planeada por él mismo ya enfermo de sida, resultó ser una bomba de relojería que hizo estallar una guerra cultural de gran repercusión aún hoy en día. Desde su muerte, la Fundación Robert Mapplethorne (valorada en cientos de millones de dólares), ha hecho donaciones multimillonarias que han permitido a museos, desde el Guggenheim al Getty, montar y mantener colecciones de fotografía.

Coloquio en DOCUMENTAMADRID con Maya Goded y Martha Sosa sobre “Plaza de la soledad ”



Fotos y Videos: Pedro A. Martín

Directora: Maya Goded
Fotografía: Maya Goded
Montaje: Valentina Leduc
Sonido: Miguel Hernández, Lena Esquenazi
Música: Jacobo Lieberman, Leonardo Heiblum
Productores: Martha Sosa, Eamon O’Farrill, Mónica Lozano

Maya Goded

Plaza de la Soledad es una película sobre Carmen, Lety, Raquel y Esther, cuatro mujeres fuertes, mayores de cincuenta años. Todas quieren romper el círculo vicioso que inició con el abuso y el abandono que sufrieron a edades muy tempranas. Simplemente todas ellas aspiran a tener una mejor vida. La película sigue su búsqueda por encontrar el amor verdadero, sanar viejas heridas y muestra su capacidad para transformarse.
Vemos a través de sus ojos las cicatrices que la violencia sexual, la pobreza y el rechazo han dejado en ellas, pero también somos testigos de cómo su búsqueda por el amor les de fuerza para seguir adelante.
Todas estas mujeres consideran que esta película las empodera. Que de alguna manera las ayuda a confrontar su pasado, aceptar su presente y a pensar en su futuro con una nueva luz. También la ven como una oportunidad de abrir sus secretos a sus hijos. Todas saben por experiencia que la historia tiende a repetirse y desean liberar a sus hijas y nietas del destino que ellas han tenido.
¿Las personas que viven situaciones de tanta marginalidad tienen la posibilidad de mejorar sus condiciones de vida? ¿Y si no, qué es esa fuerza que las mantiene para seguir adelante? Independientemente de lo que estas mujeres logran, al final, esta historia es sobre sus impresionantes habilidades para sobrevivir.

IMG_6044Martha Sosa


Coloquio en DOCUMENTAMADRID 2016 con Friedrich Moser y Bill Binney sobre “A Good American”



Foto y Videos: Pedro A. Martín

Viernes 29 – 18:00 CINETECA – SALA AZCONA

Director: Friedrich Moser
Guión: Friedrich Moser
Fotografía: Friedrich Moser
Montaje: Kirk von Heflin, Jesper Osmund
Música: Christopher Slaski, Guy Farley
Producción: blue+green communication
Productores: Friedrich Moser, Michael Seeber

En la foto Bill Binney y Friedrich Moser

Tras el final de la Guerra Fría, el mejor descifrador de códigos que jamás haya tenido Estados Unidos, junto con un pequeño equipo de la NSA (Agencia de Seguridad Nacional), comienza a desarrollar un revolucionario programa de vigilancia. Éste es capaz de recoger cualquier señal electrónica del mundo, filtrarla por objetivos, proporcionar resultados en tiempo real y todo ello sin invadir la privacidad. El programa es perfecto, excepto por un detalle: es demasiado barato. De ahí que la dirección de la NSA, deseosa de recaudar impuestos, decida abandonar el programa (justo tres semanas antes del 11-S).
Después del ataque, cuando la NSA empieza a vigilar en masa a los americanos, el descifrador de códigos abandona la agencia. Un amigo toma el mando y se encarga de reavivar el programa a principios de 2002, para una prueba en contraste con la mayor recopilación de información de la NSA, basada en los datos conocidos antes del 11-S. Tan pronto como pone en marcha el programa, los terroristas aparecen al instante en la pantalla del ordenador. La respuesta de la NSA es parar por completo el programa. Esta es la historia de Bill Binney, un programa llamado ThinThread y cómo la alternativa perfecta para la vigilancia de masas fue descartada por la NSA por dinero.
A Good American cuenta una de las historias más importantes de la sociedad de la información y disecciona el funcionamiento interno y los lazos de una red político-económica cuya magnitud se extiende más allá de América.