“Raw Meat” (Gary Sherman, 1973)

Sinopsis: En los subterráneos de Londres se suceden numerosas desapariciones. Una pareja y un detective de policía descubren que allí habita una sociedad caníbal. (FILMAFFINITY)

by John M. Miller  / Fuente: tcm.com

Raw Meat (1973) (titled Deathline in its original British release) is an intelligent horror film which on the surface seems to regurgitate several of the familiar tropes of the genre: there is a desperate killer who strikes in a dark, remote location; a personified horror whose origin revels something even darker in the nature of mankind as a whole; a symbol of authority who attempts to root out the evil; and an abduction of a young beauty by a horrendous “beast.” These elements, however, play out in surprising and non-traditional ways, with moments of shocking horror followed by scenes that mix tenderness with repulsion. The movie surprises because both reactions are elicited by the same unforgettable character, named in the credits only as “the ‘Man'” – one of the most pathetic and pitiable homicidal maniacs in the history of film.

An unexpected music score — a throbbing and unsettling bump-and-grind strip-club selection – opens the film as a bowler-hat-wearing “gentleman” is frequenting a neon-soaked corner of the Soho district of London. This example of the upper crust (James Cossins) exits a club and heads for the Russell Square Station of the London Underground – the Tube. He propositions a lone woman on the platform and is kneed in the crotch for his crude remarks. Now alone on the platform, the man is approached by something more sinister. Later, two students – American Alex Campbell (David Ladd, son of matinee idol Alan Ladd) and Londoner Patricia Wilson (Sharon Gurney) – exit the train and see the man slumped on the steps. Alex does not want to get involved (“In New York you walk over these guys”), while Patricia is more compassionate (“He might be a diabetic – see if there’s a card in his wallet”). The couple discovers that the victim is James Manfred, OBE; they fetch a policeman, but when they return to the steps, Manfred is gone. This disappearance triggers a high-level investigation by the working-class Inspector Calhoun (Donald Pleasence), assisted by Detective Sergeant Rogers (Norman Rossington). An analysis of the history of the tube station sheds little light on any possible culprits in the recent murders and disappearances. When this particular section of the tube system was being built in 1892, a cave-in trapped eight men and four women in a cavernous area where a railway was being laid. Rather than launch a rescue attempt, the railway company wrote off the victims for dead. In fact, some survived – on rats and tunnel victims, no doubt – and bred a few generations worth of hidden underground dwellers. There are only two survivors left, the “Man” (Hugh Armstrong) who tends to his dying, pregnant mate (June Turner).

Though a British film, Raw Meat was the feature debut of American director Gary Sherman, who began his career making shorts, commercials, and TV Specials in his native Chicago. Raw Meat is confident and accomplished; the story is Sherman’s and he manages two linked, complementary storylines, each very different in tone. Above ground, British class differences are played out and satirized through the sardonic words and actions of Inspector Calhoun, while in the underground the struggle is for survival, as base emotions and instincts are tested and played out in their most raw state.

In one amazing dialogue-free shot, clocking in at over seven minutes, the viewer is shown the fate of the missing man in the tube station as well as the dire circumstances of the Underground dwellers. The shot, accomplished with a constantly moving camera, is the sort of audacious undertaking that an ambitious first-time director might be expected to attempt, but it is entirely successful in establishing mood as well as displaying – in the most compact but graphic way – the accumulated handiwork of eighty years worth of ghoulish desperation and cannibalistic depravity. Accompanying the almost unimaginable imagery is a soundtrack of dripping liquids, disembodied heartbeats, moaning, and an aural flashback to the horrible cave-in that trapped the original wretches. Interestingly, the British studio Amicus had recently produced two adaptations of the notorious American EC horror comic books of the 1950s, in the anthologies Tales from the Crypt (1972) and The Vault of Horror (1973). While those films captured the tongue-in-cheek humor of the original stories, it was Raw Meat that more effectively brings to life the quintessential EC yarns drawn by “Ghastly” Graham Ingels, peopled by pathetic ghouls and unspeakable scenes of putrescence, disease, and festering decay.


The tone of Raw Meat, like the plot, effortlessly shifts from the gruesome to the arch, thanks in large part to a wonderful performance by Donald Pleasence as Inspector Calhoun. The veteran actor takes what could have been a stock character and presents a fully rounded, spirited – though somewhat reluctant – working-class official. Highly intelligent, Calhoun is cynical and sardonic but shows himself to be a creature of habit, demanding his tea at the proper times. In thorough contrast to the horrors of existence that the “Man” suffers in the tube station, Calhoun grouses at the extreme inconvenience of having his beverage made with teabags and makes a point to stab the bag with a dart and plop it with disdain on the floor. One stark scene becomes a battle of wills between Calhoun and Stratton-Villiers, a stuffy upper-class MI5 Agent played in an amusing cameo by a strident and stiff-as-a-board Christopher Lee.


In a lengthy review of Raw Meat that appeared in the Village Voice, Robin Wood has high praise for the film, saying it “…vies with Night of the Living Dead (1968) for the most horrible horror film ever. It is, I think, decidedly the better film: more powerfully structured, more complex, and more humanly involved. Its horrors are not gratuitous; it is an essential part of its achievement to create, in the underground world, the most terrible conditions in which human life can continue to exist and remain recognizably human.” Wood observes that the structure of the film “…is strong without being schematic; one can’t talk of allegory in the strict sense, but the action consistently carries resonances beyond its literal meaning.” Wood sees several intentional parallels between the Underworld and the “Over-world”; for example, “the desperate, totally committed need of the underground cannibal for his dying wife is set against the casualness of the young American student, who can manage little beyond a shrug when his girl, Pat, walks out on him.” Wood acknowledges that Ladd’s performance is “ineffectual,” but for him that doesn’t unduly damage the film: “…The point lies partly in the superficiality of the ‘surface’ characters, as against the intense desires and needs of their Underworld counterparts.” Wood also notes that the structure of the film is given even greater complexity “…by the introduction of a third term of comparison, Inspector Calhoun. Against the coolness of the student and the desperation of the cannibal is set his tough resilience, the sarcasm, invective, and cynicism that are his protection against loss and aloneness…”

Reviewing Raw Meat for the genre magazine Cinefantastique (Vol. 3, Number 2), Reynold Humphries calls Raw Meat “a fine and noble film” and “…one of the most intelligent contributions to the genre in recent years, with a complexity of inter-relating ideas that one finds only in the best works.” Humphries makes note of the film’s emphasis on caste politics, as well as the attitudes toward violence. “Whereas the indifference of the American stems from being conditioned to violence in New York, that of the British ruling class is due to the arrogance of an imposed class superiority. The Establishment is shown to be split on class lines and only the young people come out of it well…”

For the American release, distributor American International not only slapped the film with a more exploitative title, they sidestepped any hint of gruesomeness or satire. Instead, their publicity artwork featured wild misrepresentation in the form of shapely blonde zombies with pink shrouds falling off their shoulders. The tagline shown on the posters read: “Beneath modern London – buried alive in its plague-ridden tunnels lives a tribe of once humans. Neither men nor women, they are less than animals…they are the raw meat of the human race!” Director Sherman went on to direct the quirky Dead & Buried (1981) and the big-budget studio sequel Poltergeist III (1988), but has mostly worked in television since 1990.

by John M. Miller

La XV Muestra de Cine realizado por Mujeres de Huesca presenta fechas y cartel

muestrahuescaCartel de Marta Ester

El colectivo de Mujeres Feministas de Huesca hace públicas las fechas en las que se
celebrará la XV Muestra de Cine realizado por Mujeres de Huesca, tendrá lugar del 18 al
22 de marzo en Huesca, del 26 al 29 de marzo en Boltaña, y el 13 de marzo en Sariñena .




“The Untold History of the United States” (Oliver Stone, 2012)

Luis Matías López / Rebelión / Público.es. Como de tapadillo, en pleno agosto, La 2 de Televisión Española ha repuesto la notable producción propia La forja de un rebelde, dirigida por Mario Camus y basada en la trilogía autobiográfica de Arturo Barea cuya publicación estuvo prohibida durante el franquismo. Hace dos años, con ocasión de su anterior reestreno, le dediqué ya una columna, por lo que me limito ahora a remarcar lo insólito de que, incluso en esta época en que la escasa audiencia del canal se ha reducido al mínimo, se emita una serie, rodada en 1989, en tiempos del PSOE, cuyo contenido choca abruptamente con la línea que impregna hoy la televisión pública. El capítulo del pasado domingo se centró en las elecciones de febrero de 1936, los preparativos del golpe militar y el inevitable estallido de la guerra civil.

Ese duende progresista infiltrado en la programación de La 2 parece que ha aprovechado de los ardores de agosto para colar también la emisión de un documental de 10 horas en el que Oliver Stone desmonta la historia oficial de su país desde la II Guerra Mundial hasta la presidencia de Obama. Con La historia no contada de Estados Unidos, el director de Platoon, JFK, Nixon y Comandante escapa del patrioterismo que anega el cine norteamericano para ofrecer una visión diferente y transgresora que le ha ganado feroces ataques desde los sectores derechistas que se han adueñado del partido republicano.

oliver_stone“Absurda regurgitación de propaganda estalinista” no es lo peor que ha tenido que leer o escuchar el cineasta sobre una obra que pretende nada más y nada menos que desmontar la sarta de mentiras con la que se construye la imagen que gran parte del mundo (y la inmensa mayoría de los propios norteamericanos) tienen de Estados Unidos: que se trata de una nación elegida por Dios, con un irrenunciable destino manifiesto, con el deber moral de difundir la democracia, un poder blando al servicio de causas justas, una sólida vocación por el intervencionismo humanitario, un ejército que garantiza la paz y la estabilidad mundiales, un altruista cruzado anticomunista que acabó con el imperio del mal soviético, y un misionero y desinteresado deseo de compartir parte de su riqueza con los países en desarrollo.

Tal es la potencia del aparato propagandístico de la gran superpotencia que esta verdad oficial construida a golpe de manipulación, dinero e incluso talento aplasta casi siempre a esa otra verdad basada en datos casi siempre incontestables, que supone el negativo de la versión que se ha impuesto de forma abrumadora. Ese otro Estados Unidos, mucho más ajustado a la realidad, es el que ha emprendido guerras injustas, defendido dictaduras y golpes militares fascistas, tomado decisiones brutales como utilizar la bomba atómica, contribuido a empobrecer aún más a los más pobres y basado su acción exterior en objetivos imperialistas de exclusivo interés económico e ideológico. Un poder, en fin, que no duda en actuar por motivos egoístas como policía del mundo.

La historia no contada de Estados Unidos, con Stone de director, narrador y guionista (junto a Peter Kuznick), es un documental que, sin dar tregua al aburrimiento, destila buen cine, sin apenas cabezas parlantes, construido con un habilidoso montaje de impactantes imágenes de archivo y una acertada selección de fragmentos de películas de Hollywood. No es un panfleto, aunque no oculta su clara carga ideológica, a contracorriente de la atmósfera que se respira en el país. Se entiende que haya levantado las iras de los sectores más conservadores, rabiosos porque se carguen las culpas de la Guerra Fría y de la catastrófica carrera de armamentos en las espaldas de sucesivos presidentes empeñados en debilitar a toda costa a la Unión Soviética, desaprovechar las oportunidades de paz y servir los intereses del todopoderoso complejo militar-industrial.

Stone peca quizá de ingenuo cuando sugiere que las cosas pudieron haber sido diferentes si el exvicepresidente izquierdista Henry Wallace, y no Harry Truman, hubiera sustituido en 1945 al fallecido Franklin D. Roosevelt. Wallace, acusado de comunista y agente del KGB por reconocer el papel vital de la URSS en la derrota del nazismo, defensor de un seguro sanitario público, opuesto radicalmente a la segregación racial, que incluso en campaña se negaba a hablar en locales en los que separase a negros y blancos, fue derrotado estrepitosamente tres años más tarde cuando se presentó a la Casa Blanca como candidato del Partido Progresista. Tal vez si hubiese ganado, opina Stone, la posguerra habría sido otra, sin carrera nuclear, crisis de los misiles de Cuba, Vietnam, Corea, Chile, Guatemala, Muro de Berlín, Granada, Panamá, 11-S, Afganistán, Irak…

El cineasta no es un cínico, sino un idealista que se atreve a soñar en utopías. Y su manera de hacerlo es mostrar, con hechos difícilmente rebatibles, los pies manchados de sangre y explotación de políticos, militares y grandes conglomerados industriales de su país.

La historia no contada de Estados Unidos es, también, la constatación de un fracaso. Imagen a imagen, palabra por palabra, muestra la atormentada historia del planeta desde la II Guerra Mundial y la decisiva participación norteamericana en ella, la muerte brutal de millones de personas en injustas guerras imperialistas, la impotencia de las protestas masivas, el lacerante aumento de la desigualdad incluso en la cuna del imperio, la incapacidad y falta de decisión para aprender de los errores del pasado, la frustración que siempre ha seguido a los escasos momentos de esperanza, como el último: la llegada de Obama a la Casa Blanca.

Stone demuestra que con escasos cinco millones de dólares (de los que él aportó uno), una mínima fracción de lo que cuesta cualquier mediocridad made in Hollywood, puede armarse un producto cinematográfico de factura impecable, perfecto en su composición, y destinado a quedar como referente de buen cine, político pero sobre todo histórico, por mucho que su difusión quede restringida, como en España, a las épocas de menor audiencia de un canal que solo frecuentan los cinéfilos y amantes de los documentales.

Fuente: http://blogs.publico.es/luis-matias-lopez/2014/09/02/oliver-stone-hace-trizas-la-historia-oficial-de-eeuu/

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(Último capítulo de la serie “Untold History of the United States” (La Historia No Contada de los Estados Unidos) de Oliver Stone.)

“Para cambiar radicalmente la conducta del régimen debemos pensar con claridad y valentía, puesto que si algo hemos aprendido, es que los regímenes no quieren ser cambiados. Nuestro pensamiento debe ir más allá que el de quienes que nos han precedido, descubriendo cambios tecnológicos que nos envalentonen mediante modos de actuar en que antes no pudieran haber sido utilizados. Primero, debemos entender qué aspecto de la conducta del gobierno o del neocorporativismo queremos cambiar o eliminar. En segundo lugar, debemos desarrollar una forma de pensar sobre esta conducta que tenga la suficiente fuerza como para llevarnos a través del lodazal del lenguaje políticamente distorsionado, hasta llegar a una posición de claridad. Por último, debemos utilizar este entendimiento para inspirar en nosotros y en otros un curso de acción efectiva y ennoblecedora”. – Julián Assange

La historia no contada de los Estados Unidos en IMDb

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Oliver Stone’s Untold History of the United States, also known as The Untold History of the United States, is a 2012 documentary series directed, produced, and narrated by Oliver Stone.

Oliver Stone and American University historian Peter J. Kuznick, began working on the project in 2008. Stone, Kuznick and British screenwriter Matt Graham co-wrote the script. The documentary miniseries for Showtime had a working title Oliver Stone’s Secret History of America. It covers “the reasons behind the Cold War with the Soviet Union, U.S. President Harry Truman’s decision to drop the atomic bomb on Japan, and changes in America’s global role since the fall of Communism.” Stone is the director and narrator of all ten episodes. The series is a re-examination of some of the under-reported and darkest parts of American modern history using little known documents and newly uncovered archival material. The series looks beyond official versions of events to the deeper causes and implications and explores how events from the past still have resonant themes for the present day. Stone said: “From the outset I’ve looked at this project as a legacy to my children, and a way to understand the times I’ve lived through. I hope it can contribute to a more global insight into our American history.”

The first three episodes of the series premiered at the New York Film Festival on October 6, 2012, which Indiewire described as “extremely compelling” and “daring”. The series was personally presented by Stone at the Subversive Festival on May 4, 2013, in Zagreb, Croatia, which next to film screenings also included debates and public lectures by prominent intellectuals such as Slavoj Žižek and Tariq Ali.

Stone described the project as “the most ambitious thing I’ve ever done. Certainly in documentary form, and perhaps in fiction, feature form.” Production took four years to complete. Stone confessed “It was supposed to take two years but it’s way over schedule”. The premiere was finally set for November 12, 2012. Stone spent $1 million of his own money on the budget, which had inflated from $3 million to $5 million.

The series premiered on Showtime in November 2012. The executive producers were Oliver Stone, Tara Tremaine and Rob Wilson. A book by the same name was also published.

On October 15, 2013, Oliver Stone announced that Untold History of the United States would be released on Blu-ray. All 10 episodes of the show would be featured on 4 discs, and the Blu-ray release would also include various bonus content, as well as 2 prologue episodes. The first prologue episode would deal with World War I, the Russian Revolution and Woodrow Wilson. The second prologue episode would highlight the pre-World War II era of Franklin D. Roosevelt, Adolf Hitler and Joseph Stalin. On March 4, 2014, Stone announced via his own website that the series was officially available on DVD. (Wikipedia)

“El cine político de Hayao Miyazaki” (Gonzalo Ballesteros)

“Prefiero ser un cerdo a un fascista”

Porco Rosso (Hayao Miyazaki, 1992)

Desde la primera exhibición de El viento se levanta (Kaze Tachinu, 2013) hace casi un año, la película ha ido recorriendo el mundo acompañada una gran expectación. Si bien en occidente, y concretamente en Europa, la espera respondía a su buena acogida en Venecia y a que era el último trabajo en la dirección de Hayao Miyazaki; en Japón, la curiosidad se concentraba en descubrir cómo enfoca el director la historia de Jiro Horikoshi, el ingeniero aeronáutico que diseñó el caza Zero, estandarte aéreo de Japón en la Segunda Guerra Mundial. Tras su estreno, la película recibió las críticas de distintos colectivos sociales: grupos de izquierda cuestionaron la conveniencia de destacar la figura de un diseñador de máquinas de guerra; los conservadores por su parte acusaron a Miyazaki de antijaponés y traidor a la patria; mientras que en Corea del Sur fue acusado de enaltecer el imperialismo japonés. Hasta activistas en contra del tabaco criticaron el consumo de cigarrillos en la película.

movies-the-wind-rises-posterExcepto la anécdota del tabaco, que responde a la histeria de lo políticamente correcto, esta oleada de críticas son la consecuencia del ejercicio de memoria histórica que realiza Hayao Miyazaki. Él, al igual que otros creadores que deciden revisar algún periodo histórico de su país, son sometidos sistemáticamente al ataque de los grupos ideológicos más reaccionarios. La inteligente propuesta de Miyazaki pone a su protagonista Jiro Horikoshi en una doble balanza, en un aspecto emocional contrapone su vocación y su deber frente a las demandas de su amor y por otro, en un aspecto puramente político, su ambición de crear máquinas voladoras y su deber patriótico frente al uso que harán de estas y la posición de Japón como una de las Potencias del Eje. Son estos dilemas que propone Miyazaki, el imposible equilibrio de las balanzas, la idea que da entidad a la obra y que tanto molesta a los atrincherados. Desde el punto de vista puramente político, y siguiendo al filósofo Slavoj Zizek, es ese choque ideológico el que construye la interpretación de nuestras experiencias y, por consiguiente, hace de El viento se levanta una excepcional película de memoria histórica. Puede sorprender que Miyazaki haya decidido despedirse con una película que abandona la fantasía para abordar la realidad con todos sus matices y aristas ideológicas, pero este final no es sino coherente con una vida dedicada al activismo y a la resistencia mediante la imagen.

Ecologismo, feminismo y pacifismo

Desde Nausicaä, en el valle del viento (1984) Hayao Miyazaki crea historias donde contrapone la fantasía al mundo real para reivindicar la protección del medioambiente, el papel de la mujer en la sociedad como impulsora del cambio y la defensa del pacifismo. Hay obras como Mi vecino Totoro (1988) que giran en torno al ecologismo, otras con fuertes personajes femeninos como la citada Nausicaä o La princesa Mononoke (1997) y filmes antitotalitarios y pacifistas como El castillo ambulante (2004); basta con leer los análisis de los distintos filmes en el artículo dedicado a su filmografía para comprender que la defensa de estos valores son una constante que se entremezcla.

La posición política de Hayao Miyazaki siempre ha sido pública, cercano al marxismo en su juventud, ha defendido la praxis socialista incluso en el método de organización y trabajo de Studio Ghibli. En su madurez rechazó el marxismo, en concreto lo que compete a la distinción de clases, al apostar por una visión más “global” de las personas. Sin embargo, mantuvo sus principios de izquierda como puede verse a lo largo de su filmografía, en especial lo relativo al rechazo al capitalismo y a la globalización. Su visión se ha centrado más en combatir el impacto de la vida moderna en la naturaleza y las desigualdades inherentes al sistema capitalista.

En este sentido es valioso recuperar de nuevo a Zizek, el filósofo esloveno es uno de los principales intelectuales de la izquierda europea y su concepción del marxismo se aproxima mucho al funcionamiento de la obra de Miyazaki a nivel ideológico. Zizek apuesta, no por aplicar el comunismo de Marx a la sociedad de hoy, sino por analizar la sociedad de hoy en términos marxistas adaptando constantemente el comunismo. Es decir, ser fieles a las ideas de emancipación y justicia social, y perseguirlas según los parámetros de la sociedad de hoy. Esto se consigue, según Zizek, desde un activismo global, en lugar de combatir los problemas uno a uno y por separado: el capitalismo por un lado, el racismo por otro, el sexismo por otro, etc; proponer una lucha transversal contra todos los elementos que nos alejan de nuestro horizonte. Y esto es exactamente lo que hace el cine de Hayao Miyazaki.

En sus más de treinta años de carrera el director japonés no ha cesado de combatir el mundo actual de una manera global, desde todos los ángulos y, lo que es más importante, promoviendo una alternativa ecologista, feminista y pacifista; bajo la óptica de Zizek, profundamente marxista. Miyazaki además de como maestro de la animación, debe ser reconocido como un cineasta político, por su constante de activismo a través de la imagen y por la defensa de la justicia social. Con su retirada perdemos un cine político radical, renovador e imaginativo, pero deja un legado de compromiso y valores que es fundamental en la educación audiovisual y personal de las generaciones futuras.

Fuente: http://revistamagnolia.es/2014/06/el-cine-politico-de-hayao-miyazaki/