“El niño pez” de Lucía Puenzo

Festival de Málaga: Premio especial del jurado. Mejor Fotografía / Drama. Realismo mágico / SINOPSIS: Lala, una adolescente que vive en el barrio más exclusivo de Buenos Aires, está enamorada de la Guayi, la criada paraguaya que trabaja en su casa. Sueñan con irse a vivir juntas a Paraguay, a orillas del lago Ypoá. El asesinato del padre de Lala apura sus planes. Este es el punto de partida que apura la huida en la ruta que une el norte de Buenos Aires con Paraguay. Mientras Lala espera a su amante en Ypoá, reconstruyendo su pasado (el misterio de su embarazo y la leyenda de un niño pez que guía a los ahogados hasta el fondo del lago), la Guayi es detenida en un instituto de menores. Ella también esconde un crimen en su pasado. (FILMAFFINITY)

“El niño pez” en IMDB
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“Quería que fuera como un estallido, pero silencioso, interno” explicó hoy a Efe Lucía Puenzo, su directora, que debutó en el cine con gran éxito de crítica y público gracias a “XXY” (2007). “El niño pez” narra el intenso romance entre Lala (Efron), una joven adinerada de Buenos Aires, y su empleada doméstica paraguaya, interpretada por Vitale, Ailín, alias “la Guayi”. Basada en una novela escrita por la propia Puenzo, la cinta revierte el orden lineal de la obra y comienza con la huida de uno de los personajes para desgranar, a golpe de “flashback”, los antecedentes de la historia. “Lala está confusa y desorientada en un momento de la trama y es el espectador quien debe tomar los retazos de la historia fragmentada para recrear los acontecimientos”, apuntó Puenzo. (ABC)

Entrevista de Contracrítica a Lucía Puenzo sobre “XXY”

Por C.G.V y D.R.

“XXY” está basada en un cuento de Sergio Bizzio. ¿Qué te atrajo de la historia de Alex? ¿Por qué quisiste hacer una película sobre su vida?

Leer el cuento de Sergio me hizo acordarme de esa época en la que uno descubre el sexo. Empecé a escribir con esa imagen en la cabeza: el cuerpo de una adolescente en el que conviven los dos sexos.

“XXY” es una película que trata sobre la libertad y muestra – en extremo – el conflicto de identidad que sufre el ser humano en el siglo XXI. ¿Coincidís?

Un amigo, Mauro Cabral (historiador y activista intersex), me decía que más que por la idea de respetar la libertad de elección de la que tanta gente habló en relación a la película, a él lo que más le interesaba era el lugar que le da al deseo. Y yo estoy completamente de acuerdo con él. Quiero decir: creo que no alcanza con decir que hay que respetar cualquier cuerpo, y darle a todo individuo la libertad para hacer lo que quiera con su identidad. A eso la película le incluye la posibilidad de que alguien (en este caso Álvaro) puede enamorarse y sentir deseo por un cuerpo como el de Alex. Perlongher lo decía sin anestesia, fiel a su estilo: “No queremos que nos respeten, queremos que nos cojan”. La frase es brutal, pero no deja de tener mucho de cierto. La búsqueda de una identidad (no sólo sexual) siempre fue central en la vida de cada ser humano, ahí no hay fronteras de tiempo ni espacio.

La película tiene dos escenas fuertes de sexo y abuso. ¿En algún momento dudaste sobre si incluirlas o no? ¿Cuál es su justificación en la historia?

Bueno, tiene una escena de amor (y sexo) y una escena de abuso. La escena del galpón la trabajamos con los dos actores como una escena de amor, interrumpida de una manera violenta (y traumática) al ver al padre de Alex parado en la puerta. Pero antes de ese momento no hay abuso. La escena en los médanos con los tres adolescentes es muy violenta, y surgió de varias charlas que tuve con personas intersex que habían tenido algún encuentro de este tipo en la infancia o en la adolescencia. En todos se repetía esa misma frase de los agresores: quiero ver, queremos ver. Y creo que ese abuso resume todo el peso con el que cargan estos chicos: el secreto, la distancia con sus pares, su cuerpo como lo diferente, lo abominable, cuerpos que tienen que ser normalizados (con cirugías) para poder vivir en una sociedad que se divide de manera binaria (hombres y mujeres) como si no pudiera absorber que hay otras identidades posibles.

¿Por qué elegiste a Inés Efrón para el papel principal?

Estaba buscando a Alex hacía meses, buscando chicos y chicas de entre 13 y 15 años. Mientras la buscaba seguía rescribiendo, y el guión se iba poniendo cada vez más sexual, tenía varias escenas de desnudo y de mucha exigencia para un menor de edad. En algún momento decidí que tenía que encontrar una mayor de edad (Inés tiene 23 años) que pudiera parecer una adolescente sin serlo. Enfoqué la búsqueda hacia actores un par de años más grandes, y ahí la encontré a Inés. Hizo varios castings, pero desde el primero supe que era la actriz perfecta para Alex. Y lo insólito es que era muy diferente al personaje que estaba escribiendo (que era mucho más andrógino y fuerte que Inés, que es femenina y de aspecto frágil). Pero había algo en su mirada, que reúne inocencia y oscuridad al mismo tiempo, que me resultó perturbador y genuino. Eso era justo lo que buscaba.

¿Fue difícil dirigir a actores con formaciones y trayectorias tan dispares? ¿Cómo conciliaste la experiencia de Darín y Palacios con la juventud de Efrón y Piroyansky?

Claramente los 4 adultos y los adolescentes son de mundos distintos. Pero eso le hizo bien a la película, porque Alex y Álvaro tienen que estar en otro mundo, su enamoramiento está contado en otro tono al dilema en el que están enredados los padres. Ricardo me decía que disfrutaba trabajar con Inés, porque no podía descifrar su cabeza ni anticipar su tono ni sus reacciones. (Que Darín diga eso es un halago para Inés). Y eso lo sentíamos todos: que la mezcla les hacía bien a todos.

¿Cuál fue el momento más grato de la filmación de “XXY”?

Por suerte muchos, me costaría elegir uno solo: tomas o escenas en las que alguno de los actores encontraba algo inesperado, convivir con el equipo en Piriápolis, los domingos -nuestro único día libre-, esperar el material recién revelado que llegaba desde Buenos Aires, ver las primeras escenas editadas (Alex Zito, el montajista, se instaló allá con nosotros). Por varios motivos llegamos al rodaje con pocas semanas de pre-producción, así que las primeras semanas fueron duras, con muchas horas de rodaje, de lunes a sábado, y yo seguía trabajando de noche, casi no dormí en semanas. Pero cuando todo empezó a encaminarse yo comencé a disfrutar el rodaje, hasta de las corridas. Tanto que ya estoy con ganas de filmar la próxima.

¿Cuál fue el momento más difícil de la filmación de “XXY”?

El día que falleció Eduardo (Mignona). Esa noche filmábamos una escena muy importante de la película (la única de Darín con Guille Angelleli en la estación de servicio). Y desde ya detuvimos todo para que Ricardo pudiera volver a Bs. As., pero él prefirió quedarse en Piriápolis, acompañado por su mujer, y trabajar (si no filmábamos ese día Guille ya no podía estar en la película). Y lo recuerdo como un día muy bravo, Ricardo estaba partido, al igual que varios de nosotros.

¿Se siente algo especial al trabajar en familia?

Todo el mundo se rodea de gente de su confianza. En el cine y en cualquier otra profesión. Yo tengo la suerte de que varias personas en mi familia (casi todos) hacen cine. Tener a Nicolás detrás de la cámara (y a varios amigos muy cercanos en el equipo) fue clave cada día del rodaje. Compartían mi entusiasmo con la historia que estábamos contando. Para mí que alguien se plante y me discuta algo es un signo de compromiso, nada es peor que estar rodeada de que no está dispuesta a pelear por lo que creen que es mejor para una toma o una escena. Mi sensación con el equipo y los actores de XXY siempre fue que podía confiar en ellos.

¿Cómo ves al cine argentino hoy por hoy, mejor o peor que hace diez años?

Una cosa es el cine, otra los festivales (y sus modas). Ayer podía estar de moda el cine argentino, hoy el uruguayo y mañana el de Kazakiztán. Hace unos años empezaron a filmar Lucrecia Martel y Lisandro Alonso, dos de los directores argentinos que más me gustan hoy. Por suerte van a filmar muchos años más. Igual, el nuevo cine argentino hace tiempo que no puede seguir apelotonado debajo de un mismo rótulo: no podría tener estéticas, tonos y géneros más distintos.

Además de directora de cine, sos novelista. ¿Qué encontrás en la literatura que no encontrás en el cine?

De todo. En la literatura uno no necesita más que un cuaderno, una máquina de escribir o una computadora (además de inspiración, talento, tiempo y perseverancia, más bien) para escribir. El escritor es todo al mismo tiempo (escritor, director, condicionamientos (más que los que uno invente), es un espacio de absoluta libertad. El cine tiene otros tiempos, hay que hacer coincidir los tiempos de mucha gente… En muchos sentidos el cine y la literatura son hermanos, pero en otros no tienen nada que ver. Hacer ambos es la combinación justa. Si tuviera que elegir me encerraría a escribir.

Además de novelista, sos directora de cine. ¿Qué encontrás en el cine que no encontrás en la literatura?

Un equipo. Después de meses de escritura y silencio quién no quiere estar en un proyecto colectivo, que haya más voces, que opinen. Y además, imágenes en lugar de palabras. Claro que la literatura está plagada de imágenes y el cine de palabras, pero no son de la misma clase: mi sensación es que uno paladea las imágenes (y el ritmo del montaje) al hacer una película como paladea una palabra, una frase y el ritmo de la escritura en un relato literario.

A juzgar por tu actividad, parece que nunca parás un segundo. ¿Qué hacés en tus tiempos libres?

Tengo mucho tiempo libre. Hago un poco de todo, sobre todo leer.

Estudiaste tanto en la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA como en lo que hoy es la ENERC. ¿Qué opinión tenés sobre la educación pública de nivel superior?

Puedo hablar de lo que conozco, de Letras y del ENERC. De la educación pública de nivel superior solamente podría repetirte lo que leo en los diarios o los relatos de mis amigos y ex-alumnos, mejor vayan a las fuentes. El ENERC fueron tres años de filmar (y escribir guiones) sin parar. Letras fueron cinco de leer (y escribir monografías) sin parar. Así que viví unos años entre Constitución y Flores, y fue una buena mezcla (todo lo que entraba como teoría salía como práctica). Letras tiene unas cuantas Cátedras y docentes memorables y otros más fáciles de olvidar. Igual, creo que cualquiera que quiera escribir o trabajar en cine tiene que hacer justamente eso: escribir (y leer) o trabajar (y ver) cine. Con la teoría y el estudio solos no alcanza.

¿Cómo manejás la fama y el reconocimiento? ¿Cómo es ser premiada en Cannes?

La semana pasada estaba en casa y llamó Favio para contarme cuánto le había gustado la película. Soy fanática del cine de Favio (y de su música), y que tenga la generosidad de levantar el teléfono y tomarse unos minutos para decírmelo es más que cualquier premio: que a la gente que uno respeta y admira le guste algo que hacés. Una cosa así me hace escribir con más ganas. Todo lo otro, tuve la suerte de que esta película le gustó a mucha gente (y a otros no), y tal vez la próxima no le guste a nadie. ¿Quién sabe lo que puede pasar? Más que concentrarme en las críticas o los premios trato de conectarme con lo próximo que quiero contar.

“Frozen River” de Courtney Hunt

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“Frozen River” en IMDB

Courtney Hunt en IMDB

“Frozen river”
Negro sobre blanco (Por Javier Cortijo)
Directora: Courtney Hunt. / Intérpretes: Melissa Leo, Misty Upham, Michael O’Keefe. / Nacionalidad: EE.UU., 2008. / Duración: 97 minutos. / Género: Thriller dramático.
Es, sencillamente, cuestión de apertura de campo y anchura de espíritu. Mientras algunos cineastas como Kitano no paran de mirarse el ombligo, contar hasta ocho (y medio) y tomar la cabellera al espectador (véase, o no, “Glory to the filmmaker”), otros amplían horizontes y derriten fronteras, tanto geográficas como emocionales y culturales. Así de generoso es el caso de la debutante Courtney Hunt en un filme duro cual cáscara de nuez y que sabe sacudirse casi todos los copos grises de denuncia socioantropológica (la pobreza asmática, la inmigración “de maletero”, la marginación de los nativos…) para pisar con garbo en el hielo sólido del thriller. Más “Fargo” de secano que “Thelma y Louise”, en fin.
Aparte del paisaje fantasmagórico de un Cormac McCarthy setentero, es Melissa Leo quien lleva sobre sus hombros el tonelaje del drama y sus afluentes como fogonazos: su humillante trabajo, el mensaje que no atina a grabar en el contestador, el coraje que heredará su hijo mayor… Nieve que quema, con más o menos calorías (a veces se acumula y hay que usar una pala), y que calará en el espectador ávido de reencontrarse con esa temblorosa realidad paralela llamada “americana” off-Hollywood.

(Gracias públicas a Javier Cortijo por permitirme utilizar aquí sus críticas y artículos de cine)

2008: 2 Nominaciones al Oscar: mejor actriz principal (Melissa Leo), guión original. 2008: Sundance: Mejor película / Drama. Inmigración / SINOPSIS: Narra la historia de dos mujeres que llevan inmigrantes ilegales de Canadá a Estados Unidos. Ray Eddy está a punto de comprar la casa de sus sueños para su pequeña familia. De pronto su marido, gran aficionado a las apuestas, huye con el dinero y deja a Ray arruinada y sola con los niños. Mientras trata de encontrar a su marido, conoce a Lila Littlewolf, una chica mohawk que le propone una manera de ganar dinero fácil. El plan es arriesgado; pasar inmigrantes ilegalmente por el helado río Saint Lawrence, con patrullas fronterizas en las dos orillas. La desesperación por ganar dinero empuja a Ray a aceptar la oferta. Ray conducirá el coche y se repartirán las ganancias… (FILMAFFINITY)

Entrevista de Javier Cortijo a Isabel Coixer por “Mapa de sonidos de Tokio”

CRÍTICAS, CRÓNICAS Y COLUMNAS

Isabel Coixet: “Españoles y japoneses somos a veces como primos hermanos”

Imagen sobria y gesto sereno. Parece que cierto espíritu samurái ha invadido cariñosamente a la cineasta barcelonesa durante el desembalaje de su séptimo largo, “Mapa de los sonidos de Tokio”. Un thriller con piel “escarpiada” de romance entre una pescadera-asesina japonesa (Rinko Kikuchi) y un tendero-vinatero español (Sergi López). En medio de una maratoniana jornada promocional, Coixet nos habla de su última “coixetada”.
-Cualquiera podía esperarse un filme en la línea de Wong Kar Wai, pero al final le ha salido una mezcla entre Kitano y Oshima…
-Pues es curioso, porque en el guión me quedó una historia mucho más dura. Y, mientras rodaba, iba virando hacia el género romántico. Eso demuestra que las ideas preconcebidas son a veces papel mojado cuando echa a andar la película.
-Andrew McCarthy calificaba a los personajes de “Cosas que nunca te dije” como “seres en permanente estado de confusión”. ¿Ha ido acentuando esta teoría película a película desde entonces?
-Totalmente. Cada vez han andado más perdidos y ahora ya están completamente desorientados. No tienen ni idea ni pistas de quiénes son y hacia dónde se dirigen, los pobres.

-¿Por eso buscan “limpiar sus almas emborronadas”, como usted declaraba a propósito de “La vida secreta de las palabras”?
-Justo. Debo tener madera de pastora de almas descarriadas… Ni Clint Eastwood ha redimido a tantos en sus películas. Aunque, aquí, más que purificación, lo que el personaje de Sergi intenta es transformar al de Rinko para que sea como su novia muerta. Un poco como en “Vértigo”.
-¿Le fue muy complicado escapar del “síndrome de clase turista” a la hora de retratar su admirado Tokio esquivando los lugares comunes y los escenarios tópicos?
-Menos de lo que pensaba. La ciudad me lo puso fácil, porque Tokio son muchos Tokios. No sólo es el cruce de Shibuya donde pasan seis millones de personas a diario. Mientras preparaba las localizaciones descubrí muchos aspectos insólitos de la ciudad: su vida “de barrio”, las barbacoas en los parques, la vida callejera…
-Eso sí, el karaoke que no falte.
-Hombre, está claro. Tokio sin karaokes sería impensable. Además, al acabar de rodar, íbamos directos a cantar como becerros al más cercano.
-¿La moraleja de la película sería que, en el fondo, occidentales y orientales no somos tan distintos ni distantes?
-Posiblemente. En las formas sí que somos diferentes, pero en el fondo no. A veces parecemos primos hermanos. Por ejemplo, españoles y japoneses debemos ser los únicos pueblos que, mientras almorzamos, estamos hablando de lo que comimos ayer y del menú de mañana. La gastronomía une mucho.
-Y el sexo no digamos, aunque sea en un picadero con forma de vagón de metro…
-También, también. Fue todo un reto mostrar esa pasión clandestina entre los protagonistas, pero creo que ha quedado bonito.
-¿Cómo planteó las claves del personaje femenino, una trabajadora de la lonja que se da friegas limoneras como Susan Sarandon en “Atlantic City” y que resulta ser una asesina implacable aunque vulnerable?
-Precisamente utilizando mi obsesión redentora y llevándola al extremo, ya que lo que ella quiere es purgar sus pecados. Sabe que su código moral es equivocado y lo trastoca drásticamente enamorándose de su futura víctima.
-En cuanto al personaje masculino, ¿no le ha salido algo más machista que de costumbre?
-¿Machista? No me fastidie… ¿Y eso?
-Bueno, comparándolo con Alexis Arquette en “Cosas…”, Mark Ruffalo en “Mi vida sin mí” o Javier Cámara en “La vida secreta…”, que son casi hermanitas de la caridad… De hecho, en el filme asegura que “en cualquier sitio del mundo los hombres somos unos capullos”.
-A ver, es que él es muy mediterráneo y visceral. Escogió a la pareja equivocada y luego quiere sacarse la espina tratando a Ryu como una muñeca fabricada a su imagen y semejanza. Pero vamos, que para mí machismo es lo que está sucediendo en Afganistán, por ejemplo.
-Lo que sí se mantiene constante en su cine es el apartado musical, principalmente la intervención de “San” Antony y los Johnsons…
-Uf, es que su último disco es una pasada. Cuando él me lo mandó me quedé prendada de “One dove”, una canción bellísima que hasta sustituyó a una larga voz en off que tenía pensada para el final. Estoy muy satisfecha con la banda sonora, la versión de “La vie en rose” interpretada por Misora Hibari, el “Mambo solitario” de Kraak & Smaak…
-Un repertorio digo de Kar Wai, precisamente.
-Ya, pero a él le eligen las canciones. Yo me lo he currado solita..

“At day break” de Natalia Díaz

Welcome to Umam Documentatión & Research

“Nitrate Kisses” by Barbara Hammer

BarbaraHammerWeb

IMDB

“Inmigración: personas o números” por Javi Álvarez sobre “Retorno a Hansala”

Rebelión

Utilizar el cine para contar historias que agiten las conciencias resulta sin duda el mejor uso que se le puede dar. El fin de semana pasado se estrenó Retorno a Hansala, una película que aborda de frente el tema de la inmigración. Lo hace con frescura, desde el vitalismo y de una forma que incluso resulta terapéutica.

Hablaba Chus Gutiérrez en la rueda de prensa sobre las dificultades del rodaje, pero sus palabras recogían agradecimiento por la hospitalidad recibida. Contaba que de un lado y del otro del Mediterráneo somos diferentes, que nuestros valores mercantilizados nada tienen que ver con los de ellos. «En Hansala son pobres, no tienen nada de lo que a nosotros nos parece “imprescindible” para vivir, pero la comida que hay se comparte y se comparte el tiempo y la curiosidad de conocerse, de comunicarse a través de gestos, de miradas, de sonrisas». Decía que Said, un joven actor de 15 años, les hacía de interlocutor y también de anfitrión pues les ofreció la casa de su familia, un hogar diáfano, de puertas abiertas, de espacios colectivos. Recordaba cuando al principio de todo le dijeron que había que poner precio a las cosas, que si salía un burro en la película había que pagar al dueño por ello, que si comían en su casa debería cobrarles. Said se reía, pues en su mundo eso no dejaban de ser tonterías: el burro estaba allí, sois mis invitados…

Que el cine ayude a construir la sociedad es un valor añadido nada desdeñable. La llegada del equipo de rodaje a Hansala, además de llevar algo de prosperidad al pueblo, sirvió no sólo para que las mujeres de allí recibieran por primera vez un salario por su trabajo, sino para que vieran a otras mujeres mandando sobre hombres. Así, sin premeditación alguna, se formó «la pequeña revolución de las mujeres»: ellas solicitaron a los hombres entrar a formar parte de la «Asociación del pueblo». Aunque no se lo permitieron, no se rindieron, formaron su propia asociación y comenzaron una labor de alfabetización entre sus compañeras.

Con gran humildad nos habla también del orgullo que sienten porque su aldea resulte visible, para decirnos después que en una sola patera esa pequeña comunidad había perdido a trece hombres.

Estas palabras de la directora y su largometraje me han removido el deseo de poner en palabras los sentimientos surgidos, así que en este punto recupero mi propia voz para continuar mientras me alejo de la película.

Viven con lo básico, en países con sistemas políticos que se han mostrado incapaces de generar un progreso colectivo que ofrezca una mínima esperanza a sus habitantes. Tutelados por un Occidente egoísta que se encarga de explotar sus recursos mientras se molesta en mantener inamovible el estado de las cosas. Nada nuevo, enfrentarse a unas perspectivas que aquí también conocimos, basta con echar la vista hacia atrás y mirar a las España de 1940. Los jóvenes de allí han encontrado la misma solución que hallaron los de aquí entonces y ante la falta de oportunidades han optado por buscarlo en territorios más prósperos. Si no es de una forma será de otra, pero se irán. Los muros no les detendrán. La realidad cambiará las leyes.

Recogen lo poco que poseen en un pequeño hatillo y se lanzan desesperados al mar en pateras, cayucos… para tener un futuro. Cargan sobre sus espaldas las historias personales y en silencio se agarran a su tragedia durante el trayecto. La noche, el frío que en los huesos, la humedad rodeándoles. No sé si saben que no es el agua sobre la que se deslizan lo que nos separa, la línea divisoria la marca la muerte. Los que sobrevivan llegarán a nuestras costas para ser tratados con desprecio, llenos de miedo al otro que es distinto y les rechaza, examinados con el tamiz de nuestra cultura en la que sus códigos se tambalean al resultarles ahora inútiles, con ganas de olvidar para superarse y sin fuerzas para sostener a los que llegarán después. Lo desconocido significa incomprensión.

Los fallecidos se convierten en negra estadística, en números que pierden su significado y que sólo representan magnitudes sin sentimientos. Tragedias que el paso del tiempo va alejando de nuestra realidad. 3, 28, 1, 14, 9, 37, 60, 4… Así, cuando sólo son un goteo de cifras hacen menos daño y podremos olvidarlos antes.

Todo cambia con la proximidad, si nos acercamos lo suficiente a sus vidas y personalizamos se produce la variación en el punto de vista. Tendrán importancia y valor para nosotros al encontrar semejanzas o comportamientos que nos unan. Desde este prisma, enfocando para aproximarlos y que sintamos su cercanía, su realidad, escribió Andrés Sorel la novela Las voces del Estrecho.

He repasado la prensa buscando que queda de tantos inmigrantes que han muerto en el trayecto y no he encontrado otra cosa que cifras de muertos. Sin embargo todos ellos han dejado una vida llena de inquietudes similar a la mía. No me lo dicen, pero sé que cada uno de ellos tiene su nombre; se llaman Said, Leila, Fátima, Ajda, Marién, Bilal, Omar, Nadiva, Khadija, Muley, Amina, Zohra, Ahmed, Alí, Abdehalak, Mohamed, Malud, Raisha, Abdelak…

IX Muestra de Cine realizado por Mujeres (Huesca)

Ángeles Santos, VEGAP, Huesca 2009

IX Muestra de Cine realizado por Mujeres

Del 20 al 28 de Marzo en Huesca y del 17 al 19 de Abril en Boltaña

*Servicio de guardería infantil

PROGRAMACIÓN DE HUESCA

13 de Marzo, viernes *19’30 h. (Lugar por confirmar)

Presentación del informe Mujeres y hombres en el cine español (2008) a cargo de la crítica de cine e integrante del equipo de investigación Pilar Aguilar. El estudio, coordinado por la profesora Fátima Arranz del departamento de Sociología de la Facultad de Ciencias Políticas de la Universidad Complutense, llevado a cabo sobre una muestra de 42 películas realizadas entre el año 2000 y el 2006, deja patente la discriminación en todos los ámbitos de la industria cinematográfica.

20 de Marzo, viernes. Sala de Exposiciones de la Librería Anónima.

Inicio de la exposición Sin nosotras de ilustraciones originales de Sonia Pulido, Lola Lorente, Rachel Deville, Clara Tanit y Esther Gili, cinco jóvenes artistas con estilos muy distintos, cinco maneras de abordar el cómic y la ilustración. En colaboración con la Librería Anónima.

17 h. C.C. Matadero. Sala 4. Del 20 de marzo al 8 de abril.

Apertura de la videoinstalación de la artista Julia Montilla: 122 m!

122 m! es una videoinstalación con dos proyecciones enfrentadas. Recibe el título del metraje de las bobinas de 16 mm, utilizadas en el cine erótico-pornográfico de la década de los sesenta, estableciendo una paródica analogía con las dimensiones del miembro masculino.

*19 h. C.C. Matadero Sala 2.

Inauguración de la videoinstalación 122 m! y charla con Julia Montilla y Ester Moreno sobre la representación del erotismo en la historia.

*20 h. Ágape

21 de Marzo, sábado. Teatro Olimpia.

*17 h. En colaboración con CADIS

Madres con ruedas, Mónica Chirife, Mario Piazza, Argentina, 2006, documental

Libertad de movimiento, Anna Assenza, Cuba, 2007, cortometraje.

Coloquio posterior sobre mujeres y discapacidad.

*19.30 h. Nedar (Nadar), Carla Subirana, España, 2008, V.O. catalán S.E., documental

Con la presencia de la directora

22.30 h. Deweneti, Dyana Gaye, Senegal-Francia, 2006, V.O. wolof S.E., cortometraje

Frozen River (Río helado), Courtney Hunt, EE.UU, 2008, V.O. inglés S.E., largometraje

22 de Marzo, domingo C.C. Matadero. Salón de actos.

*De 17 h. a las 19.30 h. En colaboración con el IEA

Taller de análisis fílmico dirigido por la especialista Mercè Coll sobre El documental realizado por mujeres como experiencia del mundo.

23 de Marzo, lunes Teatro Olimpia

*18 h. Cortos en femenino

*19 h. Germaine et Geneviève, Isabelle Anthonioz, Jacques Kébadian, Francia, 2000, V.O. francés S.E., documental.

*20 h. Asylum, Catherine Bernstein, Francia, 2008, V.O. sin diálogos, documental.

22 h. El hueco de Tristan Boj, Paula Ortiz, España, 2008, cortometraje

La mujer rubia, Lucrecia Martel, Argentina-España-Francia-Italia, 2008, largometraje

24 de Marzo, martes. Teatro Olimpia. En colaboración con Un día de cine.

De 11’30 a 14’15 Persépolis, Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud, Francia, 2007, V.O. francés, largometraje

De 16 h. a 17 h. Encuentro con la reconocida documentalista suiza Jacqueline Veuve en la Librería Anónima

*18 h. Calle Santa Fe, Carmen Castillo, Chile-Francia-Bélgica, 2007, documental

22 h. Johannes, Graciela de Torres Olson, España, 2009, cortometraje.

La buena nueva, Helena Taberna, España, 2008, largometraje

25 de Marzo, miércoles. Teatro Olimpia

*18 h. Cortos en femenino

*19 h. Journal de Rivesaltes 1941-1942 (Diario de Rivesaltes 1941-1942), Jacqueline Veuve, Suiza, 1997, V.O. francés S.E., documental. Con la directora.

22 h. Ungüents (Ungüentos), Vinyet Escobar y Judit Canela, España, 2007, cortometraje

Viva, Anna Biller, EE.UU, 2006, V.O. inglés S.E., largometraje

26 de Marzo, jueves. Teatro Olimpia

*18 h. Tebraa, Beatriz Mateos, Chaska Mori, Dácil Pérez de Guzmán, Paz Piñar, Laura Alvea, Raquel Conde, Mercedes del Río, María Durán, Carmen Marzal, Rocío Huertas, Eva Morales, Ana Álvarez-Ossorio, María Rodríguez y Ana Rosa Diego, España, 2007, V.O. árabe S.E., documental colectivo.

Con la presencia de Raquel Conde y Chaska Mori.

*20 h. Concierto de la cantante saharaui Aziza Brahim.

En colaboración con el IAM y la Asociación Alouda.

22 h. Año nuevo, vida nueva, Marian Royo, Mónica Callejo, España, 2008, cortometraje

La naissance des pieuvres (El nacimiento de los pulpos), Céline Sciamma, Francia, 2006, V.O. francés S.E., largometraje

27 de Marzo, viernes. C.C. Matadero. Salón de actos.

*17 h. Video del minuto: un espacio propio Los pecados.

Tránsitos feministas, Amparo Bella, España, 2009, documental.

A las puertas de París, Marta Horno y Joxean Fernández, España, 2008, documental

Palacio de Congresos

*20 h. Out: The making of a revolutionary, Rhonda Collins y Sonja de Vries, EE.UU, 2000, V.O. inglés S.E., documental

21 h. En attendant les hommes (Esperando a los hombres), Katy Léna N’Diaye, Mauritania-Senegal-Bélgica, 2007, V.O. árabe S.E., documental

22’30 h. Las Constituyentes, Aurea Martínez, España, 2008, cortometraje

Pandoranin kutusu (La caja de Pandora), Yesim Ustaoglu, Turquía-Francia-Alemania- Bélgica, 2008, V.O. turco S.E., largometraje

28 de Marzo, sábado Palacio de Congresos

12 h. Mozart in China, Nadja Seelich y Bernd Neuburger, Austria, 2008 V.O. alemán y chino S.E., largometraje infantil

*17 h. The cats of Mirikitani (Los gatos de Mirikitani), Linda Hattendorf, EE.UU, 2006, V.O. inglés S.E., documental

*18.30 h. Amazonas; mujeres indomables, María Galindo, Bolivia, 2009, documental

*19.30 h. Clausura.

Video del minuto Los interrogantes, de los talleres realizados en Huesca y Boltaña

20.30 Nitrate kiss (Besos de nitrato), Barbara Hammer, EE.UU, 1992, V.O. inglés S.E., documental

22.30 Sarah, Kadija Leclere, Marruecos-Bélgica, 2007, V.O. árabe y francés S.E., cortometraje

Retorno a Hansala, Chus Gutiérrez, España, 2008, V.O. español, árabe y bereber S.E., largometraje

PROGRAMACIÓN EN BOLTAÑA

Del 17 al 19 de abril en el Palacio de Congresos de Boltaña se desarrollará la segunda edición de la Muestra de Cine realizado por Mujeres organizada por el Grupo de Mujeres de Sobrarbe.

“Newen Mapuche ” de Elena Varela López

FICHA TÉCNICA
TÍTULO: Newen Mapuche
AÑO: 2007
GENERO: DOCUMENTAL
FORMATO: HDV COLOR
DURACION: 90 MINUTOS
DIRECCION: Elena Varela López
ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Joel Zúñiga
PRODUCTOR EJECUTIVO: Flor Rubina
PRODUCTOR: Eduardo Ramírez
ASISTENTE PRODUCCIÓN: Mauricio Durán
DIRECCION DE FOTOGRAFÍA: Inti Briones
SONIDO: Boris Herrera
PRODUCCION PERIODISTICA:  Mauricio Durán
MUSICA ORIGINAL: Javier Guiñes Gaona
MONTAJE: Paula Talloni

Síntesis Argumental e histórica

A minutos de un allanamiento de las fuerzas especiales de carabineros, la realizadora, recibe los testimonios de mujeres respecto al trato. Entonces, ella empieza a indagar respecto a la reforma procesal penal y la aplicación de la ley de seguridad interior del estado en el conflicto mapuche. Busca información a través de informes y entrevistas a abogados y profesionales de ONG y organismos de derechos humanos, así va descubriendo la estrategia y la política comunicacional orquestada por las empresas forestales para judicializar y criminalizar al movimiento mapuche.

De manera cuidadosa, Elena se reúne con el clandestino para viajar al sur de octava región, lugar donde la cámara describe los efectos ambientales y socioeconómicos del sector forestal. Con el fin de profundizar el clandestino le sugiere que converse con ambientalistas y economistas. Estos le explican los efectos de las plantaciones forestales (erosión, sequía y sedimentos en ríos) y de las plantas de celulosa (eutrificación, muerte de especies acuícola y contaminación de aguas).

Los economistas le demuestran e indican a través de análisis económicos comparativos -basados en las utilidades- que durante el quinquenio 2000-2005 el conflicto mapuche no ha incidido negativamente en la obtención de utilidades de los holding forestales que operan en estas regiones. En visita a las comunidades, Elena conversa con los mapuches, ellos le hablan respecto de como ha cambiado su vida al recuperar sus tierras ancestrales, pero también de la constante presencia y acoso de carabineros y de las guardias forestales.

Llega 2006, nueva presidenta en el país. Elena visita a los mapuches presos en Angol, condenados por ley antiterrorista, los que inician una huelga de hambre cuyo objetivo es conseguir la liberación de todos los presos mapuches. Ellos le explicarán la forma en que los grupos de poder y las forestales diseñaron una estrategia para desarticular a la Coordinadora Arauco Malleco; así como los procedimientos llevados por la Fiscalía en los juicios de loncos y dirigentes de la Coordinadora Arauco Malleco, en los cuales se utilizaron testigos sin rostro. Los juicios involucran a más de trece comuneros a cumplir penas de cárcel entre los 5 y 10 años y un día, acusándolos de asociación ilícita y amenazas y conductas terroristas.

La realizadora deberá por lo tanto indagar en el origen de las leyes antiterroristas y como se ha aplicado en el marco de la reforma procesal penal.

Luego de esa conversación la realizadora va registrando la fuerte movilización social y política, que logra romper el cerco comunicacional e instalarse como tema a nivel nacional.

En el ínter tanto parlamentarios y gobierno proponen una reforma a la ley antiterrorista que permita la liberación de los presos políticos mapuche. Lamentablemente a pesar de aprobarse la “idea de legislar” el proyecto de ley no es aprobado y la huelga de hambre es suspendida. No obstante, la CAM sigue manteniendo control territorial en 17 mil hás., los comuneros desarrollan sus vidas en los terrenos recuperados; sin embargo, sus dirigentes que han pasado a la clandestinidad y que fueron procesados en ausencia por la fiscalía, son buscados para desarticular el movimiento.

Mientras Elena escribe y termina su guión, en noviembre de 2006 comienza una nueva escalada de apresamiento hacia los lideres clandestinos de la CAM; detienen a José Llanquileo, en Febrero de 2007 a José Llaitul y en marzo del 2007 a José Huenchunao y siguen las detenciones de otros dirigentes. Durante el mismo tiempo, tras cumplir su condena son puestos en libertad los lonkos Aniceto Norín y Pascual Pichún, quienes vuelven a sus comunidades y reafirman el compromiso que tienen con su pueblo.

Es en este contexto el clandestino debe escapar. Elena conciente del duro golpe recibido por la organización decide ayudar al perseguido.

Antes de partir, y mientras los esperan unos comuneros con caballos, el clandestino le entrega una declaración pública de los momentos que el movimiento mapuche vive. La realizadora difunde la declaración a los medios radiales y mientras va con su equipo técnico a una marcha mapuche en Temuco, la declaración pública va saliendo por la radio. Primero con la voz de ella, fundiéndose con la voz del locutor y finalmente se escucha la voz del clandestino. Este discurso es escuchado simultáneamente por los distintos actores del documental y se funde con la marcha.

Realizadores Elena Varela López: Directora, Guionista. Compositora, licenciada en música, directora de Orquesta, titulada de la Universidad de Chile, con formación de cine y periodismo en la Universidad ARCIS, gestora cultural. Ha realizado trabajo de etnomusicología, así como documentales Canal la Victoria (1989), tribus Urbanas(1990) y Miradas del Sur (2004). El guión “El pueblo de los niños” fue seleccionado en el festival de cine de La Habana. Durante los últimos tres años recibió apoyo del Fondo de Fomento del Cine y la Industria audivisual de Corfo para desarrollar los proyectos “Newen Mapuche (2005) y “Los Sueños del Comandante”(2006) Flor Rubina Sánchez: Productora ejecutiva. Actualmente trabaja en el área de Administración de Blume Producciones.

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Laura Sipán: “El talento de las moscas”

Parte 1

Parte 2

IMDB

Este extraordinario cortometraje, dirigido por la zaragozana Laura Sipán, a partir de un relato de Óscar Sipán, además de multipremiado y reconocido, es sobre todo un hermoso trabajo que deja al espectador boquiabierto al primer visionado, perplejo, noqueado, vencido por su profunda sensibilidad, cautivado por su sencillez, su sutilidad, por su economía narrativa y su, no obstante, profundidad y riqueza de temas, perspectivas, propuestas, que van desde la guerra, el exilio y la derrota, al amor, las dudas y la dificultad ante la toma de decisiones, y que seduce desde el mágico primer instante en que asistimos atónitos a la caída libre en paracaídas de Antoine de St. Exupéry en el jardín de Sofía. Especial mención a la voz en off narrativa de la gran actriz española Mercedes Sampietro. (Cinisimo)