Peggy Lee: “Johnny Guitar”

Peggy Lee: “Johnny Guitar”

Johnny Guitar en IMDB

“Shinya Tsukamoto. Poeta y guerrillero”

Editado por José Luis Rebordinos.
(Daniel Aguilar, Roberto Cueto, José Luis Rebordinos, Antonio Santamarina, Juan Zapater.)
La obra de Shinya Tsukamoto es una de las más personales de la cinematografía mundial. Comparado con Lynch y Cronenberg, Tsukamoto expresa en sus películas la necesidad de que el ser humano se modifique, mute. En un Tokyo de enormes edificios de cemento, cristal y metal, habitado por salary men impersonales que recorren su geografía a la búsqueda de un poco de sexo ocasional, a la especie humana no le queda más remedio que evolucionar si quiere sobrevivir. El hombre de la calle, víctima y verdugo, héroe de los filmes de Tsukamoto, se vuelve androide, hombre máquina o consigue entrar en las pesadillas de los otros que no son, en el fondo, otra cosa que sus propias pesadillas. En sus primeras películas, los tejidos de carne, los huesos y la sangre se mezclan con el metal. Del anterior estado evolutivo, del hombre sólo le queda el cerebro. En sus últimas realizaciones, el metal va dejando espacio de nuevo a la carne, al roce de la piel, a la necesidad de tocarse, a una sexualidad que explota con fuerza y que supone, también una nueva transformación. Para Tsukamoto, los nuevos estadios de la evolución humana permiten al hombre renacer y vivir plenamente. Ahora, más que nunca, en el cine de este poeta y guerrillero del cinematógrafo que es Shinya Tsukamoto, los seres humanos que habitan espacios industriales, ciudades asépticas en las que no se puede hablar de la muerte, en las que el reflejo del dolor y el fin de la vida son tabúes, tienen (tenemos) una nueva oportunidad sobre la superficie de la Tierra…
Del libro)

“Honeydripper” de John Sayles

Javier Cortijo

Tres acordes y la verdad

Director, guionista y montador: John Sayles.
Intérpretes: Danny Glover, Charles S. Dutton, Stacy Keach. Nacionalidad: EE.UU., 2007. Duración: 125 minutos. Género: Drama-musical.

John Sayles es un explorador, y encontrador, de paraísos perdidos, sea en la isla de las focas, el “prestado” territorio mágico de Spiderwick o, sobre todo, el “deep blue Sur” de sus entretelas, aunque en su pasaporte ponga que nació en Nueva York. Ahora, su brújula se ha parado, o ha enloquecido, en otro de esos márgenes del camino que tanto le gustan: el Honeydripper, bareto desconchado y especializado en licor pantanoso donde se dice que el auténtico rock and roll dio sus primeros contoneos. Sin embargo, por mucho que en Alabama naciera W. C. Handy, el genuino “padre del blues”, y aullara Howlin’ Wolf al sol de Sun Records, la intención de Sayles no es hacer un mapa físico y sentimental de los surcos perdidos de la verdadera música “jonda” del siglo XX, a la manera de Wim Wenders rastreando las huellas suecas de J. B. Lenoir en “The soul of a man”.
El autor de “Lone Star” (uno de los pocos fabuladores puros de Hollywood, como demuestra su memorable disertación sobre el primer piano tocado por manos “de color” de la historia) agarra firmemente su “national guitar”, que diría Paul Simon, y desgrana con maestría algunos acordes de la sociedad yanqui de 1950, cuando los afroamericanos eran sencillamente negros y su mejor amigo seguía siendo el algodón. Y como la música es un lenguaje universal, los problemas del gran Danny Glover y sus colegas son exactamente iguales a los de cualquier hijo de vecino, blanco o amarillo, de entonces o ahora. La diferencia es que ellos los resolvían moviendo el esqueleto con la armónica a tope y departiendo con un fantasma ciego propietario de la segunda guitarra más cool del mundo (la primera pertenece al diablo). Cuestión de clase y talento.

“Viaje al fondo del mar”

A la larga lista de aventuras cinematográficas interpretadas por naves submarinas realizadas por los estudios de Hollywood, se añadió en los primeros años de la década de los sesenta una serie para la televisión que marcó época en su género, y que es recordada como uno de sus clásicos indiscutibles, Voyage to the bottom of the Sea. Producida por Irwin Allen, quien años más tarde sería uno de los padres del género catastrofista que tuvo su punto álgido en la década de los setenta, la serie narraba las singladuras del Seaview, un submarino propiedad del Gobierno de los Estados Unidos cuya misión principal consistía en investigar las zonas abismales de los océanos desde un punto de vista científico, aunque muchos de los datos generados por estas investigaciones revirtieran en conocimientos estratégicos de gran valor militar. El Seaview no es un submarino al uso, sino el sueño hecho realidad del Almirante Harriman Nelson, su creador. El submarino, impulsado por energía nuclear, es un gigantesco navío de 600 pies -unos 200 metros- de eslora, que incorpora los últimos avances tecnológicos aplicados a la navegación submarina. La nave es, a menudo, blanco de los navíos de las potencias enemigas, que conocen el poder militar del Seaview y pretenden destruirlo. Sin embargo, los mayores peligros a los que se enfrentan los tripulantes del submarino son las mismas fuerzas del fondo del mar. A lo largo de sus navegaciones, el Seaview ha luchado contra toda clase de enemigos surgidos de las entrañas de los océanos: gigantes prehistóricos, enormes monstruos marinos o civilizaciones que viven en las oscuras profundidades. La serie entroncaba así con el género de lo fantástico, dando lugar a episodios dotados de un atractivo como pocas veces se ha dado en la historia de la televisión.

Richard Basehart dio vida al Almirante Harriman Nelson, veterano marino dedicado en cuerpo y alma a la investigación, que fue uno de los constructores del Seaview y responsable de que sus misiones científicas lleguen a buen término. Richard Basehart nació en Zanesville (Ohio), donde su familia insistió para que siguiera los pasos profesionales de su padre y estudiara Periodismo. Sin embargo, sus planes no coincidían en absoluto con los de sus mayores y a los trece años empezó a colaborar asiduamente en una compañía teatral de aficionados. Con los años y un ya considerable período de aprendizaje, llegó a Nueva York decidido a trabajar en Broadway. En 1945, los críticos de la ciudad distinguieron a Basehart saludándolo como uno de los mejores actores jóvenes del momento. En Nueva York interpretó casi todo el repertorio del teatro clásico inglés , siendo considerado uno de los actores que con mayor sensibilidad comprendió y trasladó a la es cena el espíritu de estas obras. Basehart trabajó con cierta asiduidad para el Cine, y es destacable su actuación en varias recordadas películas como Moby Dick (1956, John Huston), Portrait in black (1960, Michael Gordon), Jovanka (1960, Martin Rttt) o Titanic (1953, Jean Negulesco). Posterior mente, tuvo el orgullo de ser uno de los primeros actores americanos que llamaron la atención de los prestigiosos realizadores europeos, como Federico Fellini, que le llevó a Italia para hacerse cargo de un importante papel en La Strada. En Europa trabajó al lado de algunos de los nombres más relevantes de las cinematografías francesa e italiana, como Jeanne Moreau, Alida Valli, Giulietta Massina o Silvana Mangano. Este período europeo es sin duda el más interesan te en la trayectoria de este actor, cuyos mayores éxitos deben buscarse en la televisión, siendo su papel del Almirante Nelson el que más popularidad le dio a lo largo de su carrera. Para el papel del Capitán Lee Crane, fue elegido un actor que gozaba ya de popularidad en los Estados Unidos, David Hedison, por sus papeles para la gran pantalla entre los que destacan The Fly y The enemy bellow. David Hedison era en aquellos momentos uno de los hombres más deseados de América, dado su metro noventa de estatura, su pelo negro y sus penetrantes ojos verdes. Estos ingredientes le permitieron triunfar plenamente en Hollywood, ya que su registro interpretativo se veía muy limitado por una excesiva falta de matices y cieno despegue de los personajes que representaba. Su papel del capitán Crane, antiguo comandante de submarinos bélicos durante la Segunda Guerra Mundial, era el del hombre encarga do de todos los aspectos referentes a la navegación técnica de la nave, en contraposición a las atribuciones de Nelson, dedicado a la consecución de las misiones de investigación y científicas.

El motor que impulsó la realización de Viaje al fondo del mar fue Irwin Allen, nacido en Nueva York en 1915. Productor, director y escritor, Allen se especializó en Periodismo y Publicidad en la Universidad de Columbia. Marchó a Hollywood en 1938 ocupando el puesto de editor de la revista Key. En 1939 crea un espectáculo para la radio de una hora de duración cuyo éxito le lleva a tener una columna propia en un periódico de Hollywood. Polifacético, elabora un programa de televisión e inaugura una agencia literaria. Empieza a despertarse en él el interés por el cine, que acaba adquiriendo absoluta prioridad sobre todas sus demás actividades profesionales. Se instala por su cuenta y funda la compañía Windson Productions, guiada por las directrices de la comercialidad. Si bien en los inicios de su carrera cinematográfica produjo thrillers, comedias y dramas, como Mister Dollar (1951) o The Story of Mankind (1957), fue desde 1960 cuando su interés se decantó hacia los grandes shows el tipo catastrofista, con grandes alardes de cuidadísimos efectos especiales y repartos de lujo puestos al servicio de la acción más trepidante. En 1961 fue el guionista, productor y director de Voyage to the bottom of the Sea, que interpretaron Joan Fontaine, Walter Pidgeon y Peter Lorre, film para la gran pantalla que abrió la puerta a la realización de la serie para la televisión. Sus más estruendosos éxitos de taquillas son las producciones The Poseidon Adventure (1972), The Towering Inferno (1974) y The Swarm (1977).

Para la realización de los guiones que compusieron las aventuras del Seaview, la producción contó con un importantísimo grupo de profesionales. Cabe destacar a Don Brinkley, Alan Caillou, Raphael Rayes o William Read Woodfield. Las historias creadas por estos guionistas fueron muchas veces tan absolutamente increíbles, incluso para un producto del género fantástico como el que nos ocupa, que actualmente pueden llegar a provocar la risa del espectador. Sobre todo merecen destacarse la colección de monstruos aparecidos en el transcurso de la serie, hoy en día absolutamente Kistch y que no consiguen impresionar ni a los más pequeños televidentes. Por la serie desfilaron también conocidos personajes del cine y la televisión como Viveca Lindfords, Robert Duvall o Barban Bouchet. Es en este apartado de los actores secundarios, o mejor dicho «estrellas invitadas», donde la serie destacó por la variedad y la calidad ofrecida. (Juan Carlos Prats)

Irwin Allen en IMDB

Lista de episodios

“Dias sin luz” y “Alicia” de Jaume Balagueró

“Dias sin luz” (Days without light), subtítulos en inglés

“Alicia”

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Cine gratis en Casa América

O ano em que meus pais sairam de féiras/El año en que mis padres se fueron de vacaciones

21/05/2008

Sala Iberia, Casa de América, Miércoles 21 de mayo de 2008. 20:00 horas. Entrada Libre

Brasil 2006 (104’) www.oano.com.br s.t. en castellano

Dirección: Cão Hamburger
Guión: Cláudio Galperin, Bráulio Mantovani, Anna Muylaert, Cão Hamburger
Intérpretes: Michel Joelsas, Daniela Piepszyk, Germano Haiut, Simone Spoladore, Caio Blat

O céu de Suely/El cielo de Suely

Sala Iberia, Casa de América, Jueves, 22 de mayo de 2008. 20:00 horas. Entrada Libre

Brasil-Francia-Alemania-Portugal 2006 (88’)
www.oceudesuely.com.br
www.cinemaemcena.com.br/ceudesuely/blog.asp
s.t.en castellano

Dirección: Karim Ainouz
Guión: Mauricio Zacharias, Felipe Bragança, Karim Ainouz
Intérpretes: Hermila Guedez, Georgina Castro, Maria Menezes, João Miguel, Zezita Matos y la participación especial de Marcélia Cartaxo y Cláudio Bauraqui.

Casa América

“Aliento” de Kim Ki-duk

Roberto Cueto, Cahiers du Cinéma, España.

La carrera de Kim Ki-duk puede verse como un trayecto similar al de la peculiar fauna que habita sus películas: cabezazos contra la pared, insistencia al límite del absurdo, cólera irreflexiva y efímeros momentos de belleza y felicidad. Un burdo sistema de prueba y error que, si para sus héroes suele ser irremediable, a el le permite afinar en cada nuevo intento un estilo cuyo mayor atractivo reside precisamente en su ingenua tosquedad. Kim sigue siendo un director sin civilizar, por mucho que haya refinado sus propuestas (Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera, Hierro 3, El arco). La prueba está en cómo se defenestró al abrirse en cintas corales marcadas por un sentido del humor consciente (Wild Animals y Time). El arte de Kim aflora en las situaciones límite y los espacios cerrados, donde también surge, sin pretenderlo él siquiera, un inesperado sentido del humor que acentúa el componente trágico. Aliento podría considerarse, tras el fiasco de Time, una retirada hacia posiciones más seguras, hacia un mayor control de los materiales. Pero más que eso, es también una minuciosa reducción de elementos, como si Kim hubiera optado por prescindir de la caja de herramientas y quedarse únicamente con un destornillador y un martillo.

Tres personajes y un par de espacios son los únicos ingredientes que precisa para orquestar un hermoso relato de realismo trascendido (aunque ni atemporal ni descontextualizado) que opta por la estructura esencialista de la fábula. En la que posiblemente sea su pieza más descarnada y esquemática hasta la fecha, Kim prescinde tanto del plácido aburguesamiento de Hierro 3 como de la provocación sórdida y airada de sus primeras películas. Pero es en el austero artificio de la puesta en escena donde termina descubriendo la verdad, de la misma manera que los falsos papeles pintados con que se decoran las paredes de una cárcel o la sensibilidad licuada en unas canciones horteras evocan un sentimiento tan abismal como inaprensible, es también uno de los cuentos más crueles y lúcidos que ha puesto en imágenes el cineasta, una melancólica parábola de las relaciones humanas en las que misteriosos demiurgos establecen los límites de lo permitido y donde la afirmación individual sólo se consigue a través de la inconsciente aniquilación del otro. Puede que Kim siga siendo un artista irreflexivo, pero con Aliento ha vuelto a encontrar una insólita madurez abandonando el plástico y el metal para regresar a la talla en madera o la escultura en durísima piedra. Al fin y al cabo, él encuentra su fuerza en las astillas y esquirlas, nunca en las superficies pulidas.

Trailer subtitulado de “Aliento” (“Breath”) de Kim Ki-Duk

“Fallen Angels” -Duo luo tian shi, 1995- de Wong Kar-Wai.

Fotos: Christopher Doyle

1. (2009) (pre-production)
2. (2007) (segment “I Travelled 9000 km To Give It To You”)
3. My Blueberry Nights (2007)
4. Eros (2004) (segment “The Hand”)
5. 2046 (2004)
6. Six Days (2002) (V)
7. The Follow (2001) (as WKW)
8. Fa yeung nin wa (2000)
9. Hua yang de nian hua (2000)
10. (1997)
    Happy Together (Hong Kong: English title) (USA)
11. wkw/tk/1996@7′55”hk.net (1996)
12. Duo luo tian shi (1995)
    Fallen Angels (Hong Kong: English title) (USA)
13. Dung che sai duk (1994)
14. Chung Hing sam lam (1994)
    Chungking Express (USA)
15. A Fei zheng chuan (1991)
16. (1988)

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Wong Kar-Wai en Wikipedia

In The Mood For Love

“La Osa Mayor menos dos” de David Reznak

Javier Cortijo

Humo huidizo sobre cielo azul.
Director: David Reznak. Intérpretes: No profesionales.
Duración: 100 minutos. Nacionalidad: España, 2006. Género: Documental.
A los españoles, está claro, nos van las cosas de locos: nuestro mayor bastión universal es Alonso Quijano, la mejor afición deportiva es la “demencia” y las plusmarcas televisivas se consiguen cuando a algún ídolo caído se le va definitivamente la pinza. Incluso uno se volvió un poco loco cuando, al hilo del comentario sobre otro documental, “Uno por ciento esquizofrenia”, escribió que “La Osa Mayor menos dos” era una de las cinco mejores películas españolas de la década. No es que aquí queramos rectificar a toro pasado, que es de sabios como dijo algún cobarde, pero se imponía una revisión que, afortunadamente, ha llegado con la estupenda noticia de su, tardío pero seguro, estreno en salas comerciales (dos, concretamente).
Y si en un primer “visionado” no nos llegaba el alma al cuerpo con la impactante crónica de una temporada en el purgatorio (que es peor que el infierno, naturalmente) pasada y filmada por David Reznak en los muros del psiquiátrico de Leganés, ahora la cosa es mucho peor: sabemos, o sospechamos, que el chaval que sueña con ser concertista de trompa o Isabel, a la que el sol llamaba puta, seguirán dándose cabezazos contra los barrotes de algodón y espinas de su propio laberinto neuronal, sin ser capaces de encontrar la salida, mes tras mes y año tras año. Justo por eso este documental, del que Miguel Marías también habló maravillas, adquiere un valor perenne dentro del bosque petrificado y lleno de maleza y hojarasca en que se ha convertido el género. Pueden proliferar los “fakes” en falsete o los tediosos reportajes televisivos cebados como ocas, pero la cruda poesía cotidiana sin trampas ni simbolismos baratos de este filme permanecerá como un testimonio de hierro sobre la fragilidad del ser humano. La suya y la nuestra, porque el que esté libre de locura que tire la primera camisa de fuerza.

David Reznak

Entre 1989 y 1992 estudia en el San Francisco Art Institute. Ha realizado ocho cortometrajes (A escala del hombre 1991, Mercado de imágenes 1992, Al por mayor 1994, El pueblo protagonista y espectador 1995, Como anochece amanece 1996, Rosario de Charcas 1998, La Vila 2004, B iolencias). ” La Osa Mayor Menos Dos” es su primer largometraje.

En 1996 co-funda “El Fenakisticopio Itinerante”, sala de cine experimental con proyecciones en 16mm una vez por semana. La asistencia del publico a este primer proyecto generó las colaboraciones con los colectivos”El Ojo Atómico” en 1997 y ” La Zona De Acción Temporal” en 1998.

En 1999 funda y dirige la sala de cine independiente ” La Enana Marrón ” ( www.laenanamarron.org ), donde se han programado hasta la fecha más de 1000 películas de 35 nacionalidades distintas, de un marcado valor personal, fuera de los circuitos comerciales e inéditas en España, en los formatos de súper 8, 16 mm , 35 mm y video.

Jurado y programador en distintos festivales de cine internacionales, museos y fundaciones como el Festival internacional de cine de Barcelona, Festival de Laussane (Suiza), Festival de cine asturiano, Festival de arte contemporáneo “Situaciones” (Cuenca, España), Casa De América (Madrid), Fundación La Caixa (Barcelona), Centro Cultural Puertas de Castilla(Murcia), entre otros. Imparte seminarios y talleres en universidades y escuelas. (davidreznak.com)

“La Osa Mayor menos dos”

“My Daughter the Terrorist” de Beate Arnestad & Morten Daae

Tarjei Kidd Olsen (Rebelión)

En el marco del conflicto armado interno de Sri Lanka, hay mujeres que terminan sus días como atacantes suicidas. Un documental noruego que, precisamente, muestra el entrenamiento de dos guerrilleras de 24 años enfadó a Colombo porque plantea importantes cuestiones acerca de la guerra y sus consecuencias.

as mujeres pertenecen a los Tigres para la Liberación de la Patria Tamil, la insurgencia que lucha por un territorio independiente para la minoría tamil desde los años 70. Una de cada tres de sus integrantes es mujer. El filme documental titulado “My daughter the terrorist” (“Mi hija la terrorista”) sigue a Darshika y Puhalchudar, dos guerrilleras de elite en su entrenamiento para diferentes misiones, que pueden incluir ataques suicidas contra objetivos considerados enemigos. También aparece la madre de una de ellas describiendo la situación trágica de pérdida y de sacrificio que produce la guerra. Ya han muerto unos 300 atacantes suicidas de los Tigres Negros, el escuadrón de elite de los Tigres tamiles fundado en 1987 y al que pertenecen Darshika y Puhalchudar. Las mujeres insisten en que sólo se atacan objetivos militares, pero la organización de derechos humanos Human Rights Watch, con sede en Nueva York, acusa al ejército y a los rebeldes de graves violaciones, incluidos ataques contra civiles y el reclutamiento de niños y niñas. Los enfrentamientos aumentaron de forma drástica tras el quiebre gradual de los acuerdos de paz y del cese del fuego propiciado por Noruega en 2002. Actualmente, el gobierno libra una fuerte ofensiva a gran escala contra los rebeldes en el norte del país, con gran número de víctimas en ambos bandos. Miembros activos de los Tigres Negros nunca fueron entrevistados antes, según el filme producido en 2007 por Snitt Film Production.

La directora noruega Beate Arnestad mantuvo un año y medio negociaciones delicadas con los Tigres tamiles antes de tener acceso al escuadrón en la época del cese del fuego. “Quise mostrar el costo humano de la guerra”, explicó Arnestad a IPS. “Es común obtener declaraciones oficiales de los políticos, pero quería ver cuáles son los costos reales y qué sucede a una población en que la guerra golpea a más de una generación”. “¿Así nace el terrorismo? Me pregunto cómo una persona se convierte en atacante suicida, una elección que parece totalmente incomprensible para muchos de nosotros”, señaló. “La mayoría de las familias llevan un estilo de vida muy tradicional y especialmente las mujeres. Que una de ellas se convierta en soldado y atacante suicida en potencia implica un paso muy grande y radical”, añadió.

En el filme, Darshika cuenta que se unió a los rebeldes tras la muerte de su padre cuando tenía 12 años y a raíz de los abusos y humillaciones que padeció a manos de oficiales del ejército. La joven Puhalchudar y su familia fueron rescatados por los Tigres tamiles que defendían un puente que ellos intentaban cruzar escapando del ejército.

“Gracias a ellos mi familia pudo salvarse. Cuando corríamos en medio del bombardeo, el ejército nos atacó. Pero los Tigres repelieron la agresión y sobrevivimos. Después sentí que tenía que salvar a esta gente. Sentí que, si no me unía a la insurgencia, nuestro pueblo sería esclavizado”, relató Puhalchudar sollozando en una de las escenas emotivas del documental. Ambas mujeres son cristianas y no actúan por fanatismo religioso.
Los Tigres tamiles no adhieren a ninguna religión en particular. “¿Si hay un Dios, por qué nos mantiene en este sufrimiento sin fin? Hasta los que van a la iglesia en busca de protección terminan en un baño de sangre”, señala Darshika en el filme. El productor y codirector Morten Daae indicó que los atacantes suicidas no son mártires religiosos, pero sí son venerados como héroes.

“En Occidente se tiene el preconcepto de que los atacantes suicidas son fanáticos musulmanes que ansían las vírgenes que los esperan en la otra vida, pero eso no sucede aquí”, explicó Daae a IPS. “No creen que vayan a recibir una recompensa después de la muerte ni nada parecido, pero serán recordados todos los años en el Día de los Héroes, cuando los poblados rinden honores a sus mártires con fotografías y velas encendidas”, prosiguió. “Ellas están dispuestas a recorrer ese camino para proteger su país, sus familias y su pueblo y están orgullosas de ello. Debido a que viven en una sociedad dominada por los hombres, las mujeres de los Tigres Negros gozan de un estatus muy elevado en comparación con sus pares. Son respetadas y temidas a la vez”, contó Daae. “Cuando se las ve entre civiles se puede observar hasta cierto grado que irradian mucha más autoridad y confianza en sí mismas que otras mujeres que las rodean”, añadió. Le llevó tiempo a la directora ganarse la confianza de las jóvenes protagonistas. Daae cree que ayudó el hecho de que Arnestad es mujer.

“Al principio, ellas eran muy cuidadosas y mantenían el discurso oficial. Creo que el hecho de que Arnestad fuera mujer hizo que el tiempo que demoró en convencerlas de abrirse rindiera sus frutos, porque es más fácil hablar con una mujer. Por supuesto, también es una entrevistadora muy hábil”, añadió. La tarea se facilitó cuando las jóvenes fueron llevadas a sitios con los cuales tenían vínculos estrechos, como lugares donde pasaron su infancia. Daae pone el ejemplo de una escena en que Darshika llega a una iglesia que fue reconstruida tras haber sido destruida en la guerra, antes de sucumbir otra vez a causa del tsunami de 2004. “Se quebró totalmente porque siendo niña solía concurrir a esa iglesia. Después de eso se abrió y reveló todo sus sentimientos”, señaló. El filme fue premiado y tuvo buena recepción de público en varios países, pero a Colombo no le hizo ninguna gracia. En su sitio oficial, el gobierno acusa al documental de “ensalzar a los atacantes suicidas” y trató, sin éxito, de prohibir su difusión en un festival de cine de Estados Unidos, el 4 de abril, ejerciendo presión sobre el Departamento de Estado (cancillería) de ese país y su Buró Federal de Investigaciones (FBI). Arnestad no comprende la reacción del gobierno de Sri Lanka.

“El documental no justifica el terrorismo ni glorifica a los atacantes suicidas, más bien lo contrario. También me resulta extraño que las críticas se planteen un año después del lanzamiento del documental”, se extrañó la directora. “Sospecho que se debe a que ahora se está difundiendo en muchos lugares mientras Sri Lanka hace todo lo posible por imponer un bloqueo informativo”, añadió. Tras un atentado suicida ocurrido el 6 de abril, que le costó la vida al ministro de Transporte y a un deportista olímpico héroe nacional, Daae recibió amenazas de muerte anónimas por correo electrónico. El productor no cree que haya un peligro real, pero señaló que entiende por qué algunas personas reaccionan tan duramente. “Para algunas personas de Sri Lanka, parece que una mujer y un hombre noruegos tuvieron la imprudencia de apoyar a personas que ellas consideran simples asesinos, lo que es grave”, arguyó Daae. “Nosotros no los apoyamos, si tomamos partido es por las víctimas. Pero no sorprende que se sientan así porque lo más probable es que nunca hayan visto el documental y sólo hayan escuchado la versión de los hechos del gobierno”, añadió. El filme se terminó de rodar cuando se quebraba el cese del fuego y Darshika y Puhalchudar fueron asignadas a una nueva misión, según informaron a la producción los líderes de los Tigres tamiles. Arnestad y Daae no pudieron conocer su paradero y no saben si aún siguen vivas.

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“My Daughter the Terrorist”  (Este vídeo puede no ser apto para menores.)